Fuera de Campo

Oscar 2011. Película del año

2012-02-26T19:02:00.004+01:00

El análisis de los Oscar de este año llega a su fin echando un vistazo a la categoría suprema: la mejor película. Esta edición ha variado la norma sobre las candidaturas en el apartado. Después de volver a los 10 nominadas de antaño, ahora la Academia de Hollywood ha decidido que haya un baremo de entre 6 y 10 posibles aspirantes dependiendo del porcentaje de votos que reciban. De ahora en adelante, no sabremos el número de figurantes finales hasta el mismo día de las nominaciones.

Así pues, 2011 nos deja nueve cintas entre lo más destacado de la temporada. Vamos a intentar ordenarlas de más a menos respecto a sus opciones para alzarse con la estatuilla más codiciada de la noche.

- The artist.

La película que, seguramente, ha tenido un mayor calado emocional entre el público americano. Un homenaje al cine estadounidense. Con todo a favor en los premios de dirección, actor principal y varios técnicos. Si este filme francés, que ha igualado las 10 nominaciones de Tigre y dragón (récord para una película extranjera) no resulta el vencedor de la noche será una sorpresa mayúscula.

- La invención de Hugo.

Otro tributo a los orígenes del cine. Pero, en contraposición a The artist, Scorsese homenajea al cine francés ancestral en la figura de George Méliès, el creador de Viaje a la luna. Un filme en 3D de carácter infantil y nostálgico muy del gusto de los votantes. Es el más nominado del año (11 opciones). Presumiblemente, se alzará con varios Oscar menores. Si Scorsese consigue el galardón al mejor director, esto podría arrastrar a su película hacia lo más alto.

- Los descendientes.

Última obra del reputado Alexander Payne siete años después de Entre copas. Su probable premio al mejor guión adaptado puede resultar una espada de doble filo: o un respaldo que ayude a la película en las categorías más importantes o un galardón que sirva como compensación y única recompensa. Su corte moderno le perjudica frente a unas rivales más clásicas y cercanas a la mentalidad más conservadora de la institución organizadora.

- Midnight in Paris.

Cuatro nominaciones para lo último de Woody Allen, que nos viene a decir que no siempre los tiempos pasados fueron mejores. Un buen reparto de actores, la historia y su glamouroso escenario visten mucho, además de su presumible Oscar a guión original. Pero parece haber una sensación general de que el mejor Woody Allen ya ha pasado. Su inclusión en mejor película y director supone un reconocimiento puntual a un realizador al que los premios americanos han ido dando la espalda poco a poco.

- El árbol de la vida.

El reputado Terrence Malick, últimamente más activo en sus proyectos respecto a décadas anteriores, se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes por esta propuesta filosófica difícil de digerir para muchos. Desde el origen del universo al presente de una modesta familia americana, pasando por el futuro adulto de uno de los hijos hasta una playa en la que vagan las almas de los difuntos. Todo ello apoyado por unas imágenes deslumbrantes. Suena demasiado trascendental para el grueso de los rellenapapeletas.

- Caballo de batalla.

Spielberg enmarca su último trabajo, protagonizado por un caballo y su joven amo, en los cruentos tiempos de la Primera Guerra Mundial. Su realización siempre impecable parece chocar, esta vez, con una carga exagerada de buenos sentimientos y retazos melodramáticos. Al no figurar como director, sus opciones prácticamente se desvanecen.

- Moneyball.

Las películas que conjugan la ecuación beisbol+superación suelen ser igual a éxito garantizado en Estados Unidos. Al menos entre el público, en los Oscar no siempre. En el caso de Moneyball, sus nominaciones (seis) suenan ya a recompensa por culpa de la solidez de sus rivales por los premios. Tendría gracia ver a Brad Pitt ideando una estrategia y manejando estadísticas para buscar como hincarle el diente a sus contrarios y llevarse el Oscar. Pero no siempre le va a funcionar el apaño.

- Criadas y señoras.

Lo más destacable de este drama clasista es su reparto, y es ahí donde puede sacarle jugo a las estatuillas. La nominación a mejor película parece consecuencia de su buena taquilla en EEUU, pues en el fondo se trata de un trabajo que tampoco parece aportar nada nuevo a lo ya visto en filmes como Tomates verdes fritos y similares.

- Tan fuerte, tan cerca.

La novena en discordia se ha colado en la categoría de manera sorprendente. La explicación parece hallarse en los métodos promocionales del productor Scott Rudin, perro viejo en estas lides, y en la buena estrella del director Stephen Daldry que, aunque no es candidato esta vez como director (tras Billy Elliot, Las horas y El lector) tiene pinta de ser el yerno favorito de los académicos. Parece el típico filme al que le regalan la nominación (algo así como The blind side hace dos años). Y eso que pretendían evitar que se colaran este año filmes de dudosa valía...

En fin. Hasta aquí la cobertura dedicada a las nominaciones de los Oscar. Todo lo que pueda suceder esta noche escapa ya de nuestra manos. Ojalá haya sorpresas, emotividad, una gran puesta en escena y momentos divertidos de parte de Billy Crystal, el anfitrión por antonomasia.

Disfrutémoslo como se merece.

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLIX): Game of death

2012-02-26T18:29:00.002+01:00

Película: Game of death (Juego con la muerte)
Director: Robert Clouse
Año: 1978
País: Hong Kong
Actores: Gig Young, Colleen Camp, Dean Jagger y un poco de Bruce Lee
Género: Necrofilia cinematográfica

Argumento: Bruce Lee, el cadáver más sobado y sodomizado de la historia del cine, protagoniza únicamente 11 minutos descontextualizados de este bodrio. El resto del metraje es un miserable cortaypega de planos de distintos filmes de Lee, mientras un actorucho de tres al cuarto fracasa estrepitosamente intentando hacerse pasar por él, en una trama tan apasionante como verle crecer el pelo a un cespino.

Por qué hay que verla después de morir: Que no os engañe nadie. Esta película es un completa mierda, a la vez que un descojone de padre y muy señor mío, por mucho que intenten venderla como la quinta y última cinta protagonizada por Bruce Lee. Se trata de la bruceploitation por antonomasia, un vil ultraje y una excusa lamentable para colarnos 11 minutos totalmente descontextualizados de otra película de Bruce Lee, que el mítico actor no pudo terminar debido a su repentina muerte. La cinta que nos ocupa merece nuestra atención por las mil y un descacharrantes maneras con las que intentan hacer creer al espectador que es el mismísimo Bruce Lee quien sale en pantalla, desde el uso de planos robados de otros filmes, pasando por cartulinas con la cara del actor, hasta llegar a la utilización de su AUTÉNTICO cadáver, en una acción criminal en toda regla.

Alicientes:

-Planos robados de otros filmes de Bruce Lee, pésimamente insertados en el montaje.
-Una cartulina con la cara de Lee, pegada con celo en un espejo, en lo que se trata de la solución más chapucera jamás empleada en la historia del cine para contar con un actor.
-Barbas y bigotes postizos, gafas de sol y lluvia constante, no sea que nos dé por fijarnos en la cara del impostor protagonista.
-Varios dobles de Bruce Lee, destacando entre ellos Tai Chung Kim, el que luego repetiría su papel de Lee en la no menos infame "Retroceder nunca, rendirse jamás".
-Unos "ingeniosos" títulos de crédito ambientados en un casino, por aquello del "juego" con la muerte. Qué agudo.
-No sólo Lee es víctima del "caradurismo" de los señores chinos. También se aprovechan de Chuck Norris, quien figura en los títulos de crédito, cuando sólo aparece dos minutos en todo el filme. Y esos dos minutos, sí, como habéis adivinado, forman parte de una escena mangada de otra película, "El furor del dragón".
-El AUTÉNTICO cadáver de Bruce Lee. No sólo nos cuelan sin ningún sentido 11 minutos de una cinta suya inacabada, sino que además se atreven a meter escenas del verdadero funeral del intérprete, en las que la cámara se mete de lleno en el ataúd para mostrarnos su cuerpo incorrupto.
-Un villano de traca que no es más que un viejo calvo (Dean Jagger, que aparece también en "Alligator") absolutamente carente de carisma y que da vergüenza ajena.
-Un piso cualquiera del centro de Hong Kong que es la puerta a otra dimensión, ya que su interior es el de una pagoda de varias plantas.

Algunos momentos para el recuerdo:
-En la escena cumbre del filme, al protagonista le meten un tiro en la cara (de una manera imposible, pero no entremos en detalles), para que luego se haga la cirugía estética. La mejor manera de justificar el empleo de un actor que se parece tanto a Bruce Lee como los lectores que perdéis vuestro tiempo leyendo esto.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Oscar 2011. Los directores.

2012-02-26T14:58:00.001+01:00

Esta categoría destaca por tres pesos pesados como son Martin Scorsese, Woody Allen y Terrence Malick. No obstante, ninguno de los tres son favoritos para llevarse el Oscar, ya que todo apunta a que será Michel Hanazavicius por "The Artist". Que la película francesa será la gran triunfadora de la noche es algo que nadie duda, pero cuidado con estos premios, que a veces nos traen sorpresas.

Comencemos a analizar a los nominados:

Woody Allen: Si se llevara la estatuilla, para empezar no la recogería, porque ya se sabe, estará tocanco el clarinete en algún club de jazz neoyorquino. Es poco probable que gane el Oscar con "Midnight in Paris", donde puede que tenga más posibilidades en guión original. Este genio indiscutible del séptimo arte que dirige, actúa y escribe de forma brillante ya sabe lo que es ganar un Osacar en este apartado. En 1978 ganó por "Annie Hall" tanto en dirección como en guión, y en 1987 volvería a ganar como mejor guionista por "Hannah y sus hermanas". Este premio suele acompañar a la ganadora a mejor película, donde ya decíamos que "Midnight in Paris" no tiene ni la más mínima posibilidad, por lo que Allen hace bien quedándose en NY.

Michel Hanazavicius: Primera nominación para este realizador francés, que no para de acumular premios con su aclamada "The Artist". El gran favorito de la noche, sin ninguna duda. Su película, por si alguien aún no lo sabe, es muda y rodada en blanco y negro. Muy lejos de los estándares de las películas de Hollywood, y quizás por eso, esté gustando y sorprendiendo tanto. Lo normal es que premien la valentía de rodar, en pleno siglo XXI, donde el 3D y los efectos visuales son los protagonistas de los filmes, una cinta pequeña y con una historia sencilla. Por si fuera poco, tiene a los Weinstein detrás, expertos en hacer campañas de lo más agresivas para que sus filmes copen el mayor número de estatuillas.

Terrence Malick: Este poco prolífico director vueleve a entusiasmar a la crítica con "El árbol de la vida", una película que en el público provoca una gran cantidad de opiniones, desde "es una obra maestra" a "es el mayor coñazo que he visto en mi vida". Así es Malick, un realizador que hace sus filmes (pocos, por cierto), como le da la gana y con libertad creativa absoluta. Triunfador en Cannes por este retrato de la vida, y sobre todo de la infancia, su conocido "miedo" a los focos hace poco probable que esté en el patio de butacas cuando lean su nombre entre los nominados. Sus posibilidades son escasas, pese a ser de esos directores que si no recibe el Oscar algún día, se oirá eso de "como no premiaron a Malick". Parece que "El árbol de la vida" deberá contentarse con premios "menores" como el de fotografía, que es magistral, por cierto.

Alexander Payne: Este realizador, nacido en Nebraska, ya sabe lo que es estar nominado, por ese tostón llamado "Entre Copas". Esta vez se redime con la más que recomendable "Los Descendientes" una dramedia sobre el matrimonio, la paternidad y en fin, sobre las relaciones humanas. Director sobrio y sin alardes, de esos que ponen la cámara donde hay que ponerla sin buscar el plano original ni hacer virguerías visuales. Su película es la otra gran favorita, y quién sabe, quizás los de la Academia pasen de los franceses y apuesten por una cinta patria. Sus posibilidades son pequeñas, pero si puede haber una sorpresa en este apartado, sin duda llevaría su nombre.

Martin Scorsese: Otro de los grandes del cine, al que no le es ajeno eso de estar nominado a mejor director. Sin embargo, sólo lo ha ganado una vez por la sensacional "Infiltrados", que es cierto, es una peli menor en su increíble filmografía. En esta ocasión, el neoyorquino opta al premio por "La invención de Hugo" una película de fanatasía para todos los públicos, y un homenaje a su amado cine. Rodada en 3D y repleta de efectos generados por ordenador, parece que Scorsese se ha alejado de sus temas habituales, lo que también demuetra la inquietud de este talento cinematográfico. La película está gustando aunque sin demasiada algarabía, pero visualmente es espectacular, y quizás los académicos voten al amigo Marty, que merece más del mísero Oscar que tiene en la estantería de casa.

Esta noche, por fin, sabremos el nombre del ganador en una categoría que para los medios siempre pasa desapercibida en favor de los galardones de interpretación, pero que después de mejor película es el Oscar más importante.

Oscar 2011. Los actores

2012-02-25T16:41:00.013+01:00

El salto en el análisis hacia los premios principales alcanza la parte más reconocible de las películas: los intérpretes. Ellos son la cara visible de las emociones, los sufridos encargados de mostrar al espectador todo el catálogo de comportamientos y sentimientos humanos con el fin de transmitir las ideas del guionista y el director en cuestión. Cargan con el peso de la acción buscando empatizar con el ciudadano medio para lograr que algo quede en el subconsciente: una idea, una sensación, un poso.

Es en su versatilidad y saber hacer donde se halla la diferencia entre los grandes actores y los loritos recitadores, aquellos que necesitan poco para transmitir lo más hondo o los que, por falta de recursos y control, se lanzan a la sobreactuación. A ambos extremos se sitúan los que interpretan (como decía el crítico Ángel Fernández-Santos) "a cara lavada" y otros que se camuflan y se plantan ante "una cámara mentirosa".

Las cuatro categorías que nos ocupan, pese a estar más apretadas de lo habitual en líneas generales, han perfilado una serie de duelos tête à tête ciertamente estimulantes.

* Artista vs. descendiente:

Los dos ganadores de los recientes Globos de Oro, George Clooney (en drama) y el francés Jean Dujardin (en comedia/musical) llegan emparejados en la lucha por el Oscar al mejor actor de esta temporada. Si bien Brad Pitt (Moneyball) encabezaba las apuestas tras darse a conocer los premios de la crítica americana en diciembre, la sucesión de galardones posteriores ha decantado, claramente, el dúo que más opciones tiene de hacerse con la estatuilla.

Dujardin consigue ganarse al espectador en The artist con su carisma y sonrisas, y además logra embaucarle en el drama de su personaje, un actor de cine mudo apartado tras la llegada del sonoro, en los momentos más crudos y sufridos del mismo. Podría decirse que es el favorito, ya que ha ganado el premio del Sindicato de Actores, que es un baremo importante, y su película parece contar con más respaldo en los premios absolutos. Sólo le puede perjudicar no ser americano.

Clooney lo tendría todo para ganar si no fuera por el huracán Dujardin. Su progresión y madurez como actor (ya evidenciados en Up in the air) y su gran criterio en la elección de proyectos han quedado patentes en los últimos años. En Los descendientes realiza un gran trabajo mostrando todas las caras de un padre apurado y traicionado. Y, al fin y al cabo, es una estrella cuyo triunfo reconfortaría a mucha gente. Pero el problema, además, es otro: ya ganó en 2005 como secundario por Syriana.

Pitt sería, seguramente, el ocupante del tercer escalón del podium, ya que Gary Oldman por El topo y el mejicano Demián Bichir por A better life se han colado, un poco, de forma inesperada. Algunos amantes del cine han denunciado las ausencias, flagrantes para muchos, de Michael Fassbender (Shame), Leonardo DiCaprio (J. Edgar) y Ryan Gosling (Drive).

* Maestra vs. alumna:

La actriz por antonomasia de los Oscar, la multinominada (aunque no tan galardonada) Meryl Streep aseguró recientemente en el preludio de una entrega de premios que este iba a ser el año de Viola Davis. Seguramente, lo hizo sin saber que la mayoría de las distinciones en esta categoría le iban a llover a ella misma (premios de la crítica, Globo de Oro, Bafta) y puede que ahora no lo tenga tan claro. Pero, ¿por qué lo dijo?

Al parecer Streep quedó impresionada tras rodar La duda junto a Davis. En una intervención de apenas 10 minutos, la afromericana fue capaz de robarle el protagonismo ganándose con ello una nominación como actriz de reparto en aquel año 2008 (edición en la que presenciamos la victoria de Penélope Cruz). A la 17 veces nominada le dejó impactada aquello, y desde entonces ambas se han cruzado elogios mutuos ante el micrófono cual mentora y alumna aventajada.

Sensaciones: Streep tiene que ganar su tercer Oscar de una vez y será más pronto que tarde. Pero, ojo: me da que esta vez tampoco. El Sindicato de Actores condecoró a Viola Davis por Criadas y señoras, lo cual pesa mucho; el gran trabajo de las actrices de este filme parece merecer un respaldo y, quizá, no sea el papel más propicio (una líder extranjera en una cinta muy irregular) para dar a Meryl el baño de masas que merece. Aunque creo, con sinceridad, que éste el premio más apretado de todos los principales a concurso.

El resto de aspirantes-figurantes son Glenn Close por Albert Nobbs (se le debe el Oscar, pero las críticas han sido tibias), Rooney Mara por Millenium (papel bien resuelto, aunque aún es joven y poco conocida para triunfar) y la que se presupone tercera en discordia por el galardón: Michelle Williams, que ha dado vida a un icono del tamaño de Marilyn Monroe y que suma ya tres nominaciones en seis años. Si no fuera por lo explicado más arriba, sería una ganadora de catálogo hollywoodiense.

* Maduro vs. veterano:

La categoría de actor de reparto viene este año marcada por la veteranía. Tan sólo Jonah Hill (Moneyball) altera en cierta medida este patrón, pues se trata del aspirante más joven y que, a diferencia de sus compañeros nominados, nunca antes fue candidato al Oscar.

El favorito a levantarse de la silla y abrocharse la chaqueta es el gran Christopher Plummer, que en Beginners ofrece una interpretación conmovodera. Su prolífica carrera, cuyo primer éxito llegó dando vida al varón Von Trap de Sonrisas y lágrimas y que siguió con grandes títulos (El hombre que pudo reinar) y otros más recientes como Eclipse total, Doce monos, El dilema, Una mente maravillosa o La última estación (su primera nominación) requiere ya el reconocimiento que este mítico secundario merece.

Pero, hete aquí aparece un actor de perfil similar: el sueco Max von Sydow. Tan similar que comparten edad (82 años), no tiene Oscar (sólo una nominación anterior) y compone una interpretación del mismo corte que Plummer en el drama Tan fuerte, tan cerca. A diferencia del primero, Sydow no cuenta con premios de la crítica en las últimas semanas. Pero su empuje final e inesperado podría llevarle a lo más alto. Y a nadie debería extrañarle.

Nick Nolte también luce canas en Warrior (su tercera candidatura tras El príncipe de las mareas y Aflicción), mientras que Kenneth Branagh ha reaparecido tras años de altibajos transformándose en otro actor-director shakespeariano de pro, Laurence Olivier, en Mi semana con Marilyn.

Esto es cine. Cuando, llegados a una edad, muchos trabajadores de otros ámbitos han colgado los guantes, aquí otros esperan a recoger sus frutos tras sembrar durante décadas de plena dedicación a la actuación.

* Criada vs. señora:

El drama sureño sesentero del director Tate Taylor presume de contar con un plantel de grandes actrices, algunas consolidades y otras importantes promesas: Viola Davis, Sissy Spacek, Bryce Dallas Howard, Emma Stone y las aspirantes al premio a la mejor actriz de reparto: Jessica Chastain y Octavia Spencer.

Este Oscar tenía pinta de estar reservado para esta película. La gran incógnita era saber, en concreto, para quién. Si bien Jessica Chastain se ha convertido en la secundaria del año (gracias a su participación en El árbol de la vida, La deuda, Take shelter y Coriolanus), la afroamericana Spencer ha tomado ventaja gracias a su papel de sirvienta, más lucido que el de Chastain, por el que ha acumulado un buen número de premios que la sitúan como favorita en la categoría.

La argentina Bérénice Bejo, pareja de Jean Dujardin en The artist y de Michel Hazanavicius en la vida real, se ha colado en la categoría (por esto de las campañas promocionales) cuando, claramente, su papel en el filme es más protagonista que secundario. Tiene algunas opciones de ganar en contraposición a Janet McTeer (Albert Nobbs) y Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga), que se quedan en meras comparsas del duelo principal.

En definitiva, nos espera una contienda apasionante en el apartado interpretativo. Ojalá en todas las ceremonias llegaran las cosas tan apretadas como en este año de producción 2011.

Oscar 2011. Guiones y Película extranjera

2012-02-21T19:50:00.013+01:00

La importancia del guión en el cine es capital. Supone el origen de todo y, por tanto, la parte más complicada y crucial del proceso de producción de una película. El argumento, sus descripciones de lugares y personajes, las situaciones que los envuelven y los diálogos que los interrelacionan a lo largo de la trama dibujan una estructura global definida por tres actos principales: planteamiento, nudo (o confrontación) y desenlace (o resolución).

Dentro de este esquema comúnmente aceptado, será la pericia del guionista de turno la que sitúe a la historia que quiera contar por encima o por debajo de los altares de la excelencia. La magnitud del chispazo que experimenta el escritor al comienzo de la redacción o durante el proceso culmina en un punto cuyos intereses creados (no siempre emparentados con la calidad) atraerán a los productores para financiar su adaptación, a los directores a tomar las riendas de la plasmación fílmica y a los actores a dar vida a los seres que pueblan sus páginas.

Tal es la influencia del guión que define los temas de fondo del proyecto, y es determinante para configurar la forma en que las historias pueden ser traspasadas del papel a las imágenes por los realizadores. En consecuencia, su relevancia merece ser reconocida, aunque no haya premio que lo haga en su justa medida.

* Guión original:
- The artist.
- Nader y Simin, una separación.
- Margin call.
- Midnight in Paris.
- La boda de mi mejor amiga.

Es inevitable destacar los resultados del Gremio de Guionistas americano, que se ha pronunciado recientemente, para poder hacer un pronóstico más matizado sobre los premios de guión. Para dicha agrupación, Woody Allen ha inventado y construido el libreto más logrado del año para su último filme como director, Midnight in Paris.

Esta comedia romántica, ambientada en una capital francesa de distintas épocas y revivida por personajes célebres del mundo de las artes, supone la nominación número 15 en esta categoría para el maestro neoyorquino, y podría acarrearle su tercer premio en estas lides tras Annie Hall (1977) y Hannah y sus hermanas (1986).

Su gran rival es, por supuesto, The artist, cuyas páginas han sido ilustradas por Michel Hazanavicius, realizador del filme. A su probable triunfo la noche del domingo podría sumar una estatuilla que ha acompañado en la mayoría de los casos a las ganadoras a mejor película. Esperemos que su ausencia de diálogos no le afecte pues, como hemos explicado, estos son sólo un factor más dentro del proceso creativo.

El resto de nominadas son una comedia de enredo (La boda de mi mejor amiga), un drama con la crisis económica como marco (Margin call) y la iraní Nader y Simin, primer guión escrito en farsi nominado en la historia de los Oscar. Siendo realistas, los tres deberán conformarse con haber llegado hasta aquí.

* Guión adaptado:
- Los idus de marzo.
- Los descendientes.
- El topo.
- La invención de Hugo.
- Moneyball.

Otro cineasta que además escribe, Alexander Payne, aspira a lograr su segundo galardón en esta categoría tras Entre copas, esta vez colaborando con los actores televisivos Nat Faxon y Jim Rash sobre la novela de Kaui Hart Hemmings. De momento, el gremio ha distinguido a Los descendientes como la mejor adaptación del año, así que su triunfo pinta tan cristalino como las aguas de Hawaii.

Payne se enfrentará a la popularidad de la obra infantil que ha dado pie al proyecto de Scorsese La invención de Hugo; a dos guionistas del prestigio de Steven Zaillian y Aaron Sorkin (ganadores del premio por La lista de Schindler y La red social, respectivamente), abajo firmantes del libreto de Moneyball; a la corrección británica y la frialdad de John Le Carré en El topo y, curiosamente, al protagonista de su película. Y es que George Clooney figura en la categoría como coguionista de su cuarto filme como director aún pendiente de estreno: Los idus de marzo.

Tras esto, nos ocupamos ahora de un apartado que, si bien ha deparado algunas sorpresas en los últimos años, esta temporada llega con uno de los contendientes rozando la cinta de meta.

* Película extranjera:
- Bullhead: Bélgica.
- Footnote: Israel.
- In darkness: Polonia.
- Monsieur Lazhar: Canadá.
- Nader y Simin, una separación: Irán.

Como ya hemos comentado más arriba, Nader y Simin se bate también en la categoría de guión original, lo cual es todo un indicativo del impacto que ha causada este filme iraní a nivel internacional y que claramente lo diferencia de sus competidores.

Ganadora del Globo de Oro (aunque no del Bafta británico, que recayó en La piel que habito), esta historia sobre la familia, la enfermedad y la vejez con un divorcio como núcleo central supone una reflexión política y social que ha sido unánimemente alabada por la crítica. Su único hándicap puede ser provenir de un país enemistado con la nación yanqui.

El desconocimiento casi completo de sus rivales se lo pone, todavía, un poco más fácil. Aunque, repito: sorpresas pretéritas nos han asistido.

Oscar 2011. Introducción al análisis y premios técnicos

2012-02-19T16:38:00.018+01:00

Hace un año, por estas mismas fechas, iniciábamos en Fuera de Campo el análisis de la carrera por los Oscar a una semana vista del reparto de los premios en cuestión. Trascurrido ese tiempo, aquí estamos de nuevo para inaugurar una serie de posts informativos, y especulativos, sobre lo que puede dar de sí la edición número 84 de estos galardones, la madre de todas las batallas en el terreno de los premios de cine.

Las estatuillas doradas son los galardones más codiciados y deseados por todo profesional del séptimo arte, aunque también resultan insignificantes y hasta temidos por algunos. Y es que del mismo modo que pueden abrir la puerta a la excelencia a muchas películas para ayudarlas a permanecer en el imaginario colectivo, o contribuir a impulsar la carrera de artistas de diversas disciplinas, en algunos casos han supuesto una carga para sus ganadores.

Esta, a priori, honorable distinción ha acabado marcando a algunos implicados como un sambenito al que se ven atados de por vida, señal indeleble a la que honrar y que resulta muy difícil hacer justicia en lo sucesivo. Un cúmulo de éxito repentino, en definitiva, difícil de digerir.

Pero nadie quiere pensar en eso. A buen seguro, todos los nominados de este año ansían ver su nombre entre los agraciados el próximo 26 de febrero. Y nuestro deseo es aportar datos que sirvan para dar pistas de por donde irán los tiros en todas las categorías susceptibles de premio. Lo que viene a ser, aventurarse en la predicción pero con un respaldo objetivo.

* Premios técnicos:

Este apartado de los galardones, considerados como menores, incluye categorías como fotografía, sonido, montaje o banda sonora que, a priori, parecen no tener una gran influencia en el reparto de los Oscar principales. Pero los años nos han demostrado que la acumulación de distinciones técnicas son una fuente básica para entender hacia donde pueden virar las votaciones de los académicos según vaya entrando la gala en su último y decisivo tercio.

Vamos, pues, a analizar las películas que reúnen el mayor número de nominaciones y sus posibilidades en las categorías en cuestión.

- La invención de Hugo: el nuevo de filme de Martin Scorsese, el primero que destina en especial al público infantil, ha resultado el más nominado de todos los contendientes esta temporada con un total de 11 candidaturas, muchas de las cuales se encuadran en los premios técnicos, ya que no cuenta con ningún miembro de su reparto entre los finalistas. La película aspira al mejor montaje, fotografía, dirección artística, sonido, montaje de sonido, banda sonora, vestuario y efectos especiales.

Todos los títulos que compiten en las categorías técnicas tienen una factura impecable. En concreto, lo lógico es pensar que esta historia ambientada en París y que habla del origen del cine a través de los ojos de un niño reciba varios Oscar a tenor de lo sucedido en los premios de los gremios celebrados en Estados Unidos en las últimas semanas. Sin ir más lejos, La invención de Hugo ha sido reconocida por su dirección artística (en película de época), sonido y aún puede ganar el de vestuario.

Los gremios especializados son un baremo fundamental para determinar a los futuros ganadores. Lo normal es pensar que la cinta más nominada entre las competidoras, y que cuenta con posibilidades de triunfo en las categorías de mejor producción y dirección (en ésta, sobre todo) salga bien parada y agraciada en los premios técnicos.

- The artist: esta obra francesa cada vez más popular entre el público español, y que muchos conocen como "la muda en blanco y negro", ha sumado 10 nominaciones, de las que el montaje, la fotografía, dirección artística, banda sonora y vestuario aparecen en las categorías menores. Siendo la favorita a mejor película a día de hoy, su triunfo debería estar acompañado de algunos premios adicionales.

Sus opciones en los apartados de música, dirección artística y vestuario son especialmente fuertes, y apostar por su triunfo ahí es un voto casi sobre seguro. Además, su montaje ha sido el más logrado para los Eddie Awards, el gremio de editores, en la categoría de comedia/musical.

- Caballo de batalla: el nuevo filme de Spielberg (conmovedor para unos, sentimentaloide para otros) cuenta con un equino como protagonista y con cinco nominaciones de un total de seis agrupadas en las categorías técnicas: fotografía, dirección artística, sonido, montaje de sonido y banda sonora original.

Ni que decir tiene que sus grandes opciones se encuentran en los dos apartados sonoros (mezcla y montaje) y en el trabajo del director de foto polaco Janusz Kamismki, habitual colaborador del antiguo Rey Midas de Hollywood y que ya tiene dos estatuillas en casa por su méritos en la iluminación y manejo de cámara para La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan.

Además, el compositor John Williams aspira a su cuadragésimo séptimo Oscar (sólo ha ganado 5 de ellos a lo largo de más de 40 años), aunque tiene opciones más poderosas por el score de otro filme de Spielberg, Las aventuras de Tintín.

- Moneyball: esta historia sobre un modesto equipo de beisbol capitaneado por Brad Pitt desde los despachos ha recibido 6 candidaturas, entre las que están montaje y sonido. Ambos son trabajos destacables, pero la película parece contar con poco empuje en la ceremonia y no ha logrado reconocimientos previos a este respecto.

- Los descendientes: esta comedia dramática de Alexander Payne está llamada a pelear premios importantes en la gala como película, director y actor. Pero a nadie podría extrañar que rebañara el premio al mejor montaje para el que opta, ya que acaba de recibir el galardón del gremio de montadores en el apartado de filme dramático.

- Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres: el nuevo trabajo de David Fincher, gran perdedor en la ceremonia del año pasado, ha entrado con merecimiento en las categorías de montaje, fotografía, sonido y montaje de sonido. El editor de Fincher resultó vencedor en 2011 por La red social y su nueva labor parte con buenas opciones, al igual que en los apartados sonoros.

- El árbol de la vida: la quinta obra del misterioso director Terrence Malick ha logrado tres nominaciones este año: película, director y fotografía. Y es en esta categoría donde ha volcado todas sus esperanzas, ya que el trabajo del mejicano Emmanuel Lubezki (nominado tres veces anteriormente y nunca ganador) ha sido considerado como el mejor del año por el gremio de directores de fotografía.

La concepción visual de esta película sobre el origen del universo y las relaciones humanas es, sin duda, deslumbrante. Parece que esta vez el premio no se le puede escapar.

- Harry Potter y las reliquias de la muerte (parte 2): la última aventura del joven mago de J.K. Rowling cuenta con opciones para su dirección artística, maquillaje y efectos especiales. Por el primero de ellos, ha ganado el premio gremial en decorados dentro de la categoría de película de fantasía y parece que, por hallarnos ante el último capítulo de la saga, los académicos pueden sentirse en deuda con una serie de ocho películas que apenas han destacado con sus votos a lo largo de la década.

No sería extraño que acabara haciendo pleno, pues tanto la labor de maquillaje como los efectos visuales resaltan especialmente, dada la naturaleza de la historia, y podrían verse recompensados. Aún así, la designada por los especialistas en este último apartado ha sido la también nominada El origen del planeta de los simios, por lo que parte con un cuerpo de ventaja sobre Potter.

Hay un par de categorías a las que no hemos aludido hasta ahora: mejor canción y película de animación. En el primer caso nos encontramos novedosamente en la historia de los Oscar con sólo dos aspirantes: la nueva película de los Muppets y la aventura animada aún no estrenada en España Río. Parece que la popularidad de los teleñecos, con el buen hacer musical de la rana Gustavo al frente, harán decantar la balanza del lado de las marionetas más famosas del celuloide.

Finalmente, el apartado de filme animado se disputará entre tres producciones norteamericanas (Kung Fu Panda 2, El gato con botas y Rango, que es clara favorita), una francesa (Un gato en París) y la española Chico y Rita, obra de Fernando Trueba y el dibujante Javier Mariscal.

Como digo, Rango es cabeza de cartel (más tras la inesperada ausencia en la terna de Tintín), pero la sensación es que si hay una alternativa al western protagonizado por el lagarto ésta sería la película de Trueba. El cineasta goza ya de un nombre en Hollywood después de haber logrado el Oscar en 1993 por Belle epoque en la categoría de película extranjera, y las alabanzas de la crítica que ha recibido su último proyecto lo sitúan en un buen lugar por si las previsiones son caprichosas y deciden romperse.

A veces sucede en estos premios. Y entonces la magia se propaga por el patio de butacas y se transmite a través de los televisores a espectadores de todo el mundo. Mantengámonos, pues, a la espera.

(Promo de la gala, para la que volverá Billy Crystal como maestro de ceremonias).

Pasen y vean: esto es nuestro cine

2012-02-18T17:05:00.017+01:00

Es probable que, transcurrido un tiempo prudente para dejarlo reposar en la memoria colectiva, 2011 no sea recordado como un año memorable para el cine español. Al menos, a día de hoy, las sensaciones son ésas. Aunque la pasada temporada nos ha ofrecido propuestas interesantes y logradas, la selección de los nominados para la vigésimosexta edición de los Premios Goya, que se celebrará mañana por la noche en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid, deja que desear por varios motivos.

En primer lugar, la película más distinguida ha sido La piel que habito, de Almodóvar, que cuenta con 16 candidaturas. Es fácil tildar la decisión como un disparate para alguien al que este filme le parece precisamente eso: un sinsentido, una irreverencia, una historia de tono intencionadamente grave que no cala ni lo más mínimo en el espectador. Esto, por otro lado, ya ocurría en recientes dramas del manchego (Hable con ella, Los abrazos rotos) caracterizados por su tono empalagoso y pretencioso.

En su último trabajo no encontramos de nuevo ni un solo atisbo de profundidad (toda la historia del cirujano traumado y la amada recluída es de una obviedad pasmosa) ni tampoco de emoción (consecuencia lógica cuando sientes que lo que te están contando es tan falso como impostado).

Evidentemente, este enfoque es personal pero, más allá de eso, provoca cierto estupor el respaldo de la gran mayoría de críticos hacia esta cinta (no sólo en España, sino también en el extranjero). Quizá con el remordimiento de haber dejado fuera a Almodóvar en ceremonias previas, los académicos han decidido que este año sí que tocaba incluirle, más cuando parece de locos obviar a una película tan bien tratada allende nuestro país. La figura del realizador sigue gozando de mucho peso.

La piel que habito aspira a una gran cantidad de premios técnicos (su factura es buena, eso sí), pero también a los principales (mejor producción, director, actor y actriz protagonistas y guión adaptado), además de actor y actriz revelación.

A pesar de liderar las nominaciones, la sensación general es que Almodóvar no volverá a salir victorioso de los Goya (como ya hizo con Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre y Volver), sino que este honor le corresponderá, por primera vez, a Enrique Urbizu y su No habrá paz para los malvados.

El director vasco, responsable de trabajos tan loables como La caja 507 y La vida mancha, ha logrado para su nuevo thriller un total de 14 nominaciones. El filme, cuya trama bebe mucho del 11M, es reivindicable por tratarse de un género cuasi abandonado en nuestra cinematografía, por estar dirigido con gran pulso y tensión y por el concienzudo trabajo de su protagonista, José Coronado, actor fetiche de Urbizu y cuyo retrato de un agente de policía amargado y sociópata es muy elaborado, rico en gestos y actitudes despóticas.

Parece pues el momento de templar gaitas con Urbizu y Coronado. Ambos llegan como favoritos en sus respectivas categorías, y todo apunta a que No habrá paz para los malvados se coronará, además, con los premios a la mejor película, guión original y montaje.

Efectivamente, si todo sale según lo previsto, el titular del lunes podría ser: "El año de las cuentas saldadas". Ocurriría con el caso de los dos artistas recién mencionados y con otros como Elena Anaya y Lluis Homar, que nunca antes se alzaron con el cabezón. Anaya parte con clara ventaja en el apartado de actriz protagonista por salir airosa del desvarío almodovariano, y Homar ha sido reconocido por primera vez pese a que ya pudo haber figurado entre los elegidos en el pasado dada su prolífica carrera más inmediata, que incluye trabajos como La mala educación, Los abrazos rotos, Héroes o Los ojos de Julia. Ahora es el aspirante número uno al premio como secundario por Eva.

Es triste comprobar el poco criterio de los votantes al haber elegido en su amplia mayoría a cinco películas para copar la casi totalidad de categorías a concurso. Aparte de los dos títulos mencionados, aspiran al Goya a la mejor película Blackthorn, el bien acabado western de Mateo Gil que pasó por la cartelera sin pena ni gloria, y La voz dormida, de Benito Zambrano, que ha sido tachado por una parte de la crítica como una visión sensiblera y maniquea de la novela de Dulce Chacón. La primera ha logrado 11 nominaciones y ésta segunda 9.

La quinta cinta en discordia es Eva, filme de ciencia-ficción con robots dirigido por el catalán Kike Maíllo, favorito como realizador novel y que, aunque no ha colocado su ópera prima en la categoría más importante, ha reunido un total de 12 candidaturas. Entre ellas encontramos, junto a la ya mencionada de Homar, la de actor (Daniel Brühl), guión original y las más destacadas de los premios menores: montaje y fotografía.

La sensación es que el triunfo de No habrá paz para los malvados no será demasiado holgado (como digo, parecen fijos "sólo" cinco Goyas), y que los galardones técnicos se dividirán entre La piel que habito, Blackthorn y Eva. Pero pueden caber sorpresas. Los Goyas nos han ofrecido algunas en la última década (como en las ediciones donde triunfaron La vida secreta de las palabras y La soledad).

Entre las ausencias, me parece un error no haber dado un mayor reconocimiento a No tengas miedo y Mientras duermes (ambas sólo tienen una nominación para el gran trabajo de Michelle Jenner, en la primera, y Luis Tosar, en la segunda). Hablamos de un drama desgarrador sobre una víctima de abusos sexuales y una cinta de suspense cotidiano, ambos filmes bien construidos, filmados e interpretados y que, tanto por su estilo como argumentalmente, aportan algo distinto al panorama de nuestro cine. Parece de ciegos no haber apreciado esa diferenciación y calidad.

La encargada de conducir la fiesta, tan bien publicitada este año como siempre, será Eva Hache, humorista de dudosa eficacia que no ha destacado precisamente en sus trabajos televisivos (véanse Con hache de Eva y la versión española del Saturday Night Live americano). Dado el escaso ingenio mostrado por la aludida en las promos de la ceremonia, espero un chiste sobre el título de la película de Maíllo y su nombre propio. Y de ahí para arriba.

En fin. Que sea lo que Dios y don Francisco de Goya quieran.

Los Oscar han hablado: Habrá emoción hasta el final

2012-01-25T12:38:00.011+01:00

Las nominaciones de los Oscar 2011 ya se han dado a conocer. Entre algunas ausencias inesperadas y ciertas sorpresas de última hora (no demasiado significativas, por otro lado) se pueden extraer varias conclusiones:

- Apoyo mayoritario a las películas de corte clásico.

La invención de Hugo, película infantil en 3D de Scorsese, encabeza la terna con 11 candidaturas seguida por The artist que, como máxima aspirante según las apuestas, se queda con 10. Ambas destacan por encima de sus rivales y están cortadas por el mismo patrón: el homenaje a las raíces del cine. Mientras que la primera sobresale en categorías técnicas (aunque con presencia en los apartados de película, director y guión adaptado), la cinta francesa figura además en mejor actor, actriz secundaria y guión original.

- Todo está bastante repartido.

Existe algo de distancia entre las dos obras más nominadas y las demás contendientes, pero éstas se encuentran plenamente igualadas en cuanto a candidaturas. Caballo de batalla y Moneyball cuentan con 6; Los descendientes y Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres, con 5; Midnight in Paris y Criadas y señoras consiguen 4, y El árbol de la vida, El topo, Albert Nobbs, Transformers y la segunda parte de la última de Harry Potter, 3.

- Los Oscar continúan su internacionalización.

Desde que en 2000 Tigre y dragón, de Ang Lee, consiguiera 10 nominaciones ninguna película extranjera había alcanzado esa cifra. Este año ha vuelto a ocurrir con The artist. Además, hallamos nominados de diversas nacionalidades en las categorías de interpretación: británicos, una argentina (Bejo), un francés (Dujardin), un sueco (Von Sydow) y un mejicano (Bichir). Aunque eso sí, la mayoría trabajando en cintas americanas. Además, la iraní Nader y Simin se ha colado en la categoría de mejor guión original y los filmes animados Un gato en París (de Francia) y Chico y Rita (enhorabuena a Fernando Trueba) formarán parte de la contienda.

Cada vez más la Academia de Hollywood, conforme a su progresiva diversidad de votantes atendiendo a su procedencia, edad y otros factores se encamina a lo que deben ser estos premios: una fiesta del cine de carácter mundial.

- Las sorpresas de última hora nos hacen creer que todo es posible.

Es una de las razones por las que los Oscar resultan tan atractivos respecto a galardones previos. Cuando las quinielas dicen que Michael Fassbender y Leonardo DiCaprio figurarán como mejor actor, desaparecen. Cuando Albert Brooks es el máximo favorito en actor secundario por haberse llevado el mayor número de reconocimientos por Drive, se lo cargan. Cuando Las aventuras de Tintin se alza con el Globo de Oro, y aunque esté Spielberg detrás, la obvian.

Unos estarán más de acuerdo que otros con estas medidas, porque cuando hay premios de por medio la justicia no brilla tanto como nos gustaría a cada uno en base a nuestras preferencias. Pero este tipo de sorpresas son las que aportan vida y jugo a la carrera por las estatuillas frente a la corrección y las previsiones.

Y la última e ilusionante conclusión:

- Habrá emoción hasta el final en categorías importantes.

Si bien The artist es clara favorita a día de hoy para convertirse en la película del año (más después de haber ganado el premio de los productores al mejor filme hace días), en el resto de apartados más cotizados habrá incertidumbre hasta el momento en que se abran los sobres.

George Clooney es favorito a mejor actor, pero algo nos dice que Brad Pitt le va a dar guerra. Meryl Streep está feliz por su Globo de Oro, pero no ha recibido tantos reconocimientos anteriormente como cabía esperar. En actor secundario se han juntado tres pesos pesados como Nick Nolte, Christopher Plummer y Max von Sydow que nunca antes han sido premiados... Y, sobre todo, la categoría de mejor director está muy interesante, con nombres tan ilustres como Woody Allen, Martin Scorsese (ambos suman ya 7 nominaciones en su trayectoria), Terrence Malick, Alexander Payne y, el novato, Michel Hazanavicius.

La octogésimo cuarta ceremonia de entrega de los Oscar está en camino. De aquí hasta su celebración (26 de febrero, Kodak Theatre de Los Angeles) nos comprometemos a llevar a cabo un análisis de todas las categorías a concurso, aportando datos, curiosidades y opinión para hacer esta travesía lo más amena e instructiva posible.

¿Os subís?

"The artist" y "Los descendientes" toman ventaja tras los Globos de Oro

2012-01-16T17:05:00.023+01:00

La película francesa The artist, de Michel Hazanavicius, y la estadounidense Los descendientes, de Alexander Payne, se alzaron ayer como triunfadoras en los apartados de comedia/musical y drama, respectivamente, en la ceremonia de entrega de los Globos de Oro celebrada en el hotel Beverly Hilton de Los Angeles, premios que suponen el punto de inflexión definitivo hacia la carrera por el Oscar.

The artist fue el filme que más galardones acumuló, un total de tres (mejor comedia/musical, actor en comedia/musical, para Jean Dujardin, y banda sonora), mientras que el drama Los descendientes fue distinguido como la mejor película del año en su género y su protagonista, George Clooney, como el más destacado actor dramático de la temporada.

De este modo, ambos filmes (que además contaban con nominaciones importantes que no fructificaron en las categorías de dirección, guión y actriz de reparto) se perfilan como los dos máximos favoritos a repartirse los Oscar más preciados en la gala que tendrá lugar el próximo 26 de febrero, la más elevada distinción que el séptimo arte concede a sus criaturas.

El pulso, pues, entre las dos máximas aspirantes al premio de la Academia de Hollywood se mantiene ya que, hasta el día de hoy, los premios de la crítica americana y los recientes Critic's Choice Awards habían dibujado un panorama muy parejo entre ambas producciones. The artist fue elegida como mejor película y director por el Círculo de Críticos de Nueva York y los Critic's, mientras que la Asociación de Los Angeles dio preferencia al filme de Payne.

El resto de los Globos cinematográficos se repartieron del siguiente modo: el premio al mejor realizador recayó en el veterano Martin Scorsese por la película infantil y homenaje al cine La invención de Hugo; Meryl Streep (alias Margaret Thatcher) triunfó como mejor actriz dramática por La dama de hierro, mientras que en comedia/musical lo hizo Michelle Williams por otro biopic, esta vez sobre Marilyn Monroe, My week with Marilyn.

Los actores de reparto distinguidos fueron la afroamericana Octavia Spencer (un premio representativo como homenaje a todo el reverenciado cast de Criadas y señoras), y el veterano Christopher Plummer, eterno secundario del cine americano e intérprete muy querido, que vio recompensado su trabajo en Beginners.

Por último, Woody Allen se llevó el Globo de Oro al mejor guión por Midnight in Paris (el segundo de su carrera en esta categoría y que, por supuesto, no estaba allí para recoger); la iraní Nader y Simin, una separación, cumplió los pronósticos y venció como mejor película extranjera; Las aventuras de Tintín se impuso a Rango como mejor filme animado y, finalmente, Madonna se llevó a casa el galardón a la mejor canción (titulada Masterpiece) por su segundo trabajo como directora, W.E.

En una gala sosa, aburrida y con un Ricky Gervais menos ácido e inspirado que el año anterior (no se sabe si por imposición propia o ajena), los Globos de Oro, otorgados por la Asociación de la Prensa Extranjera (HFPA), nos han dejado varias reflexiones sobre el estado en el que se halla la carrera de premios estadounidenses. La principal es que el respaldo a The artist se ha hecho oficial y, si hubiera que pronosticar el ganador del Oscar ahora mismo, las apuestas mayoritarias se dirigirían con seguridad hacia este filme.

Un hecho que no deja de ser sorprendente, pues nadie podía imaginar que una película francesa (quizá la cinematografía más antagónica respecto al cine de Hollywood), rodada en blanco y negro y muda (aunque no por completo) pudiera situarse como frontrunner indiscutible en la lucha por los premios más prestigiosos del cine.

La curiosidad ante esta circunstancia inusual queda satisfecha al ver el filme. Estamos ante un homenaje al cine, y no al más primigenio (como parece haber hecho, por otro lado, Scorsese en Hugo), sino ante un tributo al cine americano. Sus referencias a películas mudas y sonoras, así como a sus actores más reconocibles, son numerosas; alterna géneros (desde la comedia al drama y el musical) para ofrecer todos los estados de ánimo posibles, su acabado formal es cuidado y elegante y su carácter optimista y complaciente.

Un proyecto que parecía albergar una rareza al alcance de pocos paladares esconde un producto muy premiable, clásico, de incuestionable gusto para los académicos. Mientras, Los descendientes tiene, por su lado, un perfil indie (atribuido a todos los trabajos de Alexander Payne) que le supone un respaldo de la crítica, pero no tanto de público, y su carácter contemporáneo la sitúa en un segundo plano si hacemos caso a los antecedentes y al carácter tradicional de los votantes.

Todos los detalles de la lucha por el Oscar serán ampliados y analizados a partir del próximo 24 de enero cuando se oficialicen las nominaciones. Sigan atentos a Fuera de Campo.

Misión: Imposible - Protocolo Fantasma

2011-12-26T23:32:00.000+01:00

Está de moda mofarse de Tom Cruise. Es un hecho. Recuerdo que cuando he ido al cine estos últimos meses y ponían el trailer de la peli que nos ocupa se escuchaba un murmullo y risitas de fondo. Cual José Mourinho encolerizado, me preguntaba "¿Por qué?". Y es que tenía muy claro que éste era el film de acción del año.

Está claro que en estos últimos años el caché de Cruise ha bajado. Desde la tercera de MI hasta la cuarta, "Noche y Día", "Leones por Corderos" y "Valkiria" no han cosechado el éxito esperado. "Tropic Thunder" sí fue un éxito en USA, pero por aquí pocos se acuerdan de ella. El caso es que, sus salidas de tono, sus amenazas de merendar placenta, su fe, o vaya usted a saber, han hecho que el público sienta cierta antipatía por un actor que siempre era un seguro en taquilla y que ha trabajado con los mejores directores.

Con "MI - Protocolo Fantasma", Cruise vuelve al lugar que le corresponde. Al de las pelis comerciales de calidad, a (esperemos) arrasar en la taquilla y a callar muchas bocas. Un film de acción como los de antes. Es decir, que no te da respiro desde el segundo uno, te lo pasas de puta madre durante más de dos horas, pero no te tratan como a un estúpido. Sin cambiar de plano cada décima de segundo, sin que estés tan aturdido de la cantidad de cosas que pasan en pantalla que te vuelvas loco. Ése es el gran acierto de ese genio que es Brad Bird, que pone la cámara en el lugar preciso, pero sin alardes. Puede que algunos digan que es un película más "impersonal". Puede que sea cierto. Y es que no la escribe él. Pero se nota que, pese a ser un encargo, se ha tomado esta cuarta entrega de MI con respeto y ha sabido potenciar las virtudes de la saga. La espectacularidad de sus imágenes y la fuerza de sus secuencias son obra del director, que se lo ha pasado como Dios rodando la película.

La gran diferencia con respecto a la tercera parte de JJ Abrams, que ya era un peliculón como la copa de un pino, es que esta cuarta parte se toma menos en serio a sí misma. No sé si es bueno o malo, pero es así. Aquí hay más humor, explotan mucho más la parte cómica gracias a Simon Pegg; y es una cinta mucho más desenfrenada. Abrams le dio humanidad y un trasfondo a Ethan Hunt, y su nueva realidad como espía que además, estaba casado y enamorado. Muestra una parte del Hunt "casero" que no habíamos visto en las anteriores, en la que siempre estaba manos a la obra. En "Protocolo Fantasma" volvemos a esa vía de agente en una misión que no puede parar ni un puñetero segundo.

Y el punto en que la tercera gana a la cuarta es sin duda el villano. Philip Seymour Hoffman se sale haciendo de malo, acojona desde que aparece en ese prólogo-flashforward amenzando con matar a la mujer de Hunt si éste no le dice en diez segundos la ubicación de la "pata de conejo", mcguffin en torno al que gira el filme. En "MI-PF" el malo ni tiene esa personalidad ni ese protagonismo. En cierto modo, porque el malo es en sí msmo el mcguffin. Sabemos que quiere desencadenar una guerra mundial enfrentando a Rusia y Estados Unidos, y hasta casi el final apenas le hemos visto la cara. Nuestros protagonistas siempre van por detrás persiguiéndole. El villano (su rastro) es lo que hace que la acción se mueva de un sitio a otro y permita las secuencias espectaculares marca de la casa.

Y por supuesto, si hay una secuencia es la de Dubai. No sólo la escena de Cruise colgado con unos guantes en el edificio más alto del mundo, sino todo lo que va después. El director consigue transmitir el vértigo de un tío a 700 metros de altura, y la tensión de que no se caiga y todo salga bien. Y después, la escena del doble intercambio (sin máscaras, de la que se ha abusado tanto en esta saga, sobre todo John Woo, que en la cuarta se las pasan por el forro, y no las echamos de menos); que te agarra los cojones y no te los suelta hasta que acaba. Pero tampoco quiero olvidarme de la escena del Kremlin, cargada de sentido del humor, o la de la India. Como se aprecia, el exotismo de las localizaciones ha primado a la hora de hacer el guión.

En cuanto a los actores, seremos sinceros. Porque este tipo de películas no requieren una interpretación del copón, pero los actores cumplen perrfectamente con lo que tienen que hacer. Cruise, como siempre, es el protagonista absoluto y sobre el que recae el peso de la acción. Que este tío a sus casi 50 años (que ya se le notan), siga haciendo las escenas de riesgo es algo de agradecer, y supongo que algún día se lo valorarán es un justa medida. Jeremy Renner demuestra que la acción le va muy bien, y siempre cumple le pongas donde le pongas. Simon Pegg como ya dije es el contrapunto cachondo que sirve para rebajar el nivel de tensión. Y Paula Patton, al margen de ése vestido verde que uno es incapaz de quitarse de la cabeza, es un buen acompañamiento femenino (que no comparsa ni mujer florero).

En definitiva, una peli que no decepciona. Que da lo que promete y más. Que ha cogido lo mejor de sus predecesoras, lo ha metido en una coctelera y ha salido bien. Donde no priman los efectos digitales aunque los tenga. Pura diversión con un buen guión donde todo tiene sentido y está bien metido. Una dirección de lujo sin aspavientos y con la cámara donde tiene que estar. Una película que no se puede dejar pasar en el cine, porque su espectacularidad reclama la pantalla grande. La peli de 2011 para un servidor. Y ya se habla de la quinta. A este nivel, las que quieran.

Dani Medina

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLVIII): Golden Bat

2011-12-15T01:33:00.000+01:00

Película: Golden Bat
Director: Heon-myeong Han
Año:1979
País: Corea del Sur
Actores: No hay, son dibujos grotescos y horripilantes
Género: Dibujos animados malrolleros
Argumento: Golden Bat, el Batman coreano teñido de amarillo, es un despiadado superhéroe que no para de reirse y que está obsesionado con los culos y con desnudar a sus enemigos. Sin embargo, apenas sale cinco o diez minutos, y en su lugar tendremos que soportar a cuatro niños deformes que deambulan por un bosque, imitan animales y hacen temblar sus culos misteriosamente.

Por qué hay que verla después de morir: ¿Quién dijo que en los dibujos animados no había errores de racord o de continuidad, por ejemplo? Saltos de eje, perspectivas imposibles, personajes que crecen y decrecen de tamaño y mil errores más en toda una declaración de amor al despropósito y la insensatez. "Golden Bat" es uno de los filmes de dibujos animados más chungos del planeta, llegado directamente desde Corea del Sur y que copia sin escrúpulos a Batman de la DC, para narrarnos una historia sin pies ni cabeza, cuyos personajes fatal dibujados se agitan y tiemblan constantemente, lo que da rienda suelta a nuestros pensamientos más sucios.

Alicientes:

-Personajes que tiemblan, se retuercen, deforman y contorsionan hasta lo imposible, a causa de las aberrantes técnicas de animación, patentadas por Michael J. Fox.
-Todo tiembla en este filme de corte freudiano, donde Golden Bat y sus amigos parece que directamente se trajinan todo aquello que les ponen delante, ya sean árboles, sofás o niños.
-Mutilaciones de extremidades
-Saltos de eje que harían retorcerse de placer a Wong Kar Wai
-Obsesión con los culos. Todos los personajes aprovechan la más mínima oportunidad para poner el culo en pompa y empezar a temblar.
-Ascensores capaces de albergar ejércitos enteros
-Monstruos travestis
-Un niño moribundo que vive solo en una habitación con una cama.
-Mafiosos capaces de saltar montañas enteras cuando se cabrean.
-Golden Bat vuela, lanza rayos, gira su cuello cual Reagan poseída, se carcajea a mandíbula batiente, parte espadas y, sobre todo, patea muchos culos.
-Un perro con guantes de boxeo. Atentos, de esta idea podría salir una nueva entrega da AirBud.
-Un presentador de informativos de rictus catatónico.
-Los personajes de Doraemon reinventados para el mercado surcoreano.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cuando el niño gordo se apoya en un árbol y, por culpa del constante temblequeo, parece que está frotándose la minga en el tronco.
-La batalla final entre Golden Bat y Black Star
-La secuencia de imitación de los animales, donde uno de los niños trata de animar a su amigo enfermo copiando el sonido de un pájaro o de un león.

Algunas frases para el recuerdo:
-"¡Despeñadle por el barranco!"
-"Jajaja tranquila mujer, son cosas de niños" le dice un marido a su esposa, para tranquilizarla porque su hijo está rompiendo las ventanas del vecindario.
-"¡Sed justos y valerosos!"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Russell Crowe: El león dormido

2011-12-03T16:38:00.057+01:00

A principios del año 98 me puse de acuerdo con uno de mis primos mayores para hacer una visita al cine. No solíamos hacer planes juntos, y aquella era una buena manera de romper el hielo. Sería la primera y la última vez, hasta ahora, en que acudiéramos juntos a una sala. Pero la experiencia iba a ser inolvidable.

Mientras él apostaba por la última película de Oliver Stone, Giro al infierno, yo le sugerí probar con un policiaco del que había leído buenas críticas. Y me hizo caso. Se titulaba L.A. Confidential.

Salí de aquel extinto cine sito en la calle Goya de Madrid alucinado con lo que acababa de ver. Estábamos ante un filme que elevaba al añorado cine negro a una de sus indiscutibles cumbres, en mi opinión varios escalones por encima de algunos célebres noirs sobrevalorados que revisados hoy día han perdido claramente la partida del paso del tiempo.

Me sentí abrumado por la complejidad argumental de la película que, por otro lado, quedaba expuesta en pantalla con una admirable claridad narrativa. Aplaudí los giros bien medidos de la trama, el excelente trabajo de puesta en escena, su ejemplar ritmo nunca decadente. El paso de los años y las sucesivas revisiones me han hecho reafirmarme en todas aquellas impresiones y L.A. Confidential es hoy una de mis cintas de cabecera y mi favorita de todas las que se produjeron en los E.E.U.U. durante los 90 de largo.

No puedes amar esta película sin que te maraville su magistral reparto. En la mayoría de mis secuencias preferidas interviene el mismo actor, Russell Crowe. Aquel día, aún era un desconocido para el gran público y el núcleo duro del establishment hollywoodiense. Yo sólo le recordaba por su papel secundario en aquel western burdo de Sam Raimi concebido a la mayor honra (o deshonra) de Sharon Stone.

No me quedó otra que augurar a aquel tipo duro un brillante futuro en la meca del cine.

(El director Curtis Hanson explica cómo contactó con Crowe y la prueba de cámara que le realizó).

El personaje de Bud White es un policía violento, con más juicio e inteligencia de la aparente, que vive ajeno a la corrupción que inunda a sus compañeros y que está tocado por un serio trauma familiar del pasado. Una base muy atractiva para cualquier actor, y este intérprete neozelandés, australiano de adopción, le supo imprimir una gran veracidad mostrando las múltiples aristas de White: honestidad debajo de su violenta fachada, fragilidad encubierta, capacidad de resolución en los momentos claves. Una credibilidad, en definitiva, digna de elogio.

Crowe empezó de niño trabajando en series y películas australianas poco reseñables. Ahora había conseguido captar la atención de personas importantes dentro del negocio americano, y una de ellas era Michael Mann. El realizador, consciente de su potencial interpretativo, le puso en un brete: dar vida a Jeffrey Wigand, un científico despedido de su trabajo en una tabacalera que desató un escándalo de salud pública en un programa de televisión. Para medirle Mann le colocó frente a frente, ni más ni menos, que con Al Pacino.

Si hubiera que definir en una palabra su trabajo en contraste con su filme anterior esa sería camaleónico. De alguien todo fuerza y decisión pasó a interpretar a un hombre dubitativo y paranoico que vive una situación límite. Envejeciendo casi 20 años y engordando otros tantos kilos al estilo de los más afamados actores del Método, Crowe resolvió una empresa plena de dificultidad con profundidad, contención y un despliegue de matices al alcance de muy pocos dando pie a la mejor performance de su carrera. De nuevo toda su versatilidad al servicio del mejor cine.

Con aquel proyecto, Russell Crowe no sólo ratificó su valor interpretativo, sino que dejó entrever una apuesta decidida, en apariencia, por los proyectos de calidad, aquellos que necesariamente implican riesgo y exigencia. Estaba dando los pasos adecuados, y todos entendimos que aceptara el papel del gladiador Máximo Décimo Meridio, con el que explotó ante la audiencia de todo el mundo.

Tras lograr su estatuilla al mejor actor (un reconocimiento quizá exagerado y que sonó a compensación tras ser ignorado por la Academia con anterioridad) parecía que, como se dice en L.A. Confidential, sólo el cielo era el límite para él en Hollywood. Su siguiente apuesta volvió a ser afrontar un personaje real, esta vez a las órdenes del niño mimado Ron Howard en un filme con tufo a premios y prestigio en sus entrañas: Una mente maravillosa.

No dudo que las intenciones de Crowe fueran buenas al contar en este proyecto la interesante historia del matemático John Nash, aquejado de esquizofrenia y finalmente ganador del Nobel. Una vez visto el resultado, el experimento parece un puro vehículo para su lucimiento en el que el actor se deja llevar por los tics dando pie a un papel más evidente y próximo al histrionismo. Quizá demasiado influido por el sensiblero y pretencioso desarrollo de la trama, su trabajo final está en las antípodas de lo logrado hasta ese momento en sus andanzas americanas.

Desde entonces, ha intentando recurrir a todo tipo de personajes para ahondar en su versatilidad con resultados dispares: de capitán de barco en Master and Commander a boxeador de nuevo con Howard en Cinderella man (donde volvió por la senda de sus trabajos más profundos); de niño mimado de Ridley Scott (con las irregulares Un buen año, American gangster, Red de mentiras y Robin Hood) a los que son, en mi opinión, sus dos proyectos más interesantes de los últimos años: El tren de las 3:10 y La sombra del poder. Ambos nos hacen creer que todavía le queda criterio para apostar por filmes sólidos que van más allá de lo comercial.

Algunos actores suelen empobrecer su carrera o tirarla por la borda a raíz de su carácter. Crowe ha pasado de no tener nada que perder y de querer comerse el mundo en sus inicios a tener una posición (bien ganada, por otro lado) y no querer jugársela. No sé hasta que punto influyen sus circunstancias personales, pero el australiano ha pasado de arrojar teléfonos móviles a la cabeza de las recepcionistas de hotel a casarse con su pareja de toda la vida, tener dos hijos y comprarse un rancho en tierras aussies.

Quizá haber llevado una vida de subidas y bajadas le haya hecho relajarse en lo personal hasta tal punto que eso se deja ver en lo profesional. No puedo entender si no su decisión de no ir más allá de los personajes de una pieza, con trasfondo bienpensante o de épica de saldo, como en ese Robin Hood absolutamente desangelado, frío, mecánico, hecho sin ninguna pasión y que no despierta ningún tipo de emoción durante casi dos horas y media. En ella asumió además tareas de producción.

Thirty odd foot of grunts era el nombre de la banda de rock liderada por Russell Crowe hasta el año 2005. Una de las canciones que el actor escribió como frontman y compositor se titulaba I want to be like Marlon Brando. Algunos periodistas le han preguntado por el significado de la misma en varias ocasiones durante su carrera, y él siempre ha negado que tuviera algo que ver con sus aspiraciones en el mundo de la interpretación.

El carisma y la presencia de Crowe para hacer de líder de grupos humanos han resultado contraproducentes a la larga. El actor dio la impresión en su día de estar hecho para interpretar a cualquier tipo de personaje, y en base a ello alcanzó la excelencia en L.A. Confidential y El dilema. Antes de despuntar en Hollywood, ya había hecho en su país de niño prodigio, de jugador de rugby gay, de fugitivo o de neonazi. Incluso tuvo un papel en The Rocky Horror Picture Show en una adaptación teatral.

Aquel día en el cine Tívoli me pareció ver a un actor brutal, no sé si un Brando en
potencia, pero sí a alguien tocado por un algo distinto. Sus registros y matices no han muerto, sólo están adormecidos. Espero que los grandes directores vuelvan a fijarse en él y explote de nuevo. ¿Para cuándo un Eastwood, o un Scorsese, o un número uno en definitiva más allá del pretencioso y venido a menos Ridley Scott o del calvorota dulzón de Ron Howard?

Me quedo con ese recuerdo de 1998 a la espera de que él, o quizá algún ávido sucesor, lance el próximo zarpazo.

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLVII): Deadly Prey (Presa mortal)

2011-10-25T03:34:00.002+02:00

Película: Deadley Prey (Presa Mortal)
Director: David A.Prior
Año:1987
País: Estados Unidos
Actores: Ted Prior, Cameron Mitchell y Troy Donahue
Género: Ramboxploitation ramplona y chuloplayera

Argumento: Unos mercenarios secuestran apacibles pueblerinos para practicar sus técnicas de combate con presas vivas. En estas que, fíjate tú que jodida casualidad, secuestran, sin saberlo, a un chulopo hortera, vigoréxico y ex militar, capaz de dejar en ridículo a Rambo, a Chuache y a Chuck Norris, que se encargará de masacrarlos a todos cruel y despiadadamente.

Por qué hay que verla después de morir: Tiene un ritmo lentorro y muchos puntos muertos (además de cientos de muertos, que aquí muere todo dios), pero la seriedad con la que los personajes recitan sus estúpidos diálogos y ese maromo con mullet paseándose toda la peli por el campo medio en pelotas, le aportan al filme un plus de hilarante ridiculez que permanece presente durante todo el metraje. Sin ser una maravilla, esta exploitation de Rambo y Commando sirve para pasar el rato con los colegas, gracias a ciertos momentazos que la elevan por encima de la media del cine chungo.

Alicientes:

-El protagonista es Ted Prior, el hermano enchufado del director, un chulopo cachitas que aprovecha para lucir sus carnes en el 90% del metraje.
-El mulletazo del prota
-Aquí muere hasta el apuntador, la scriptgirl y el chico que repartía los cafés.
-Habituales de la serie B como Cameron Mitchell y Troy Donahue llenando la nevera con algo que llevarse a la boca.
-Realización insípida y ramplona
-Ostias a cascoporro

-Explosiones extraídas de imágenes de archivo o hechas con petardos y bengalas

-Banda sonora épica de sintetizador

-Música lacrimógena en los momentos menos oportunos

-Un malo tan malísimo, que mata a sus súbditos cuando estos se quejan o cometen un error.

-Explosiones que matan a distancia

-Un montículo de rocas de cartón piedra, estratégicamente situado en medio de un bosque y que el protagonista no dudará en utilizar a su favor para aplastar a los malosos

-Muchos tanques parados

-Enemigos que surgen de la nada a los que el protagonista no consigue ver, simplemente porque están fuera de plano.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cada vez que matan a una mujer, el ejecutor de turno dice un sonoro "Putaaa". Es que no falla.
-El protagonista se come una lombriz para sobrevivir, mientras suena una melodía lacrimógena de fondo. No se sabe qué da más pena, si el protagonista o la pobre lombriz haciendo el ridículo.
-Los enemigos, o son tuertos o ciegos, porque fallan todos los disparos, incluso cuando el protagonista se pone frente a ellos sin cubrirse ni nada. Es un militar tan experto que eso de parapetarse le resulta una mariconada.

Algunas frases para el recuerdo:
-"¿Mike? ¿Qué haces aquí? No te había visto desde que me salvaste la vida!", le dice al protagonista uno de los mercenarios maloos, justo en el momento en que iba a ser ajusticiado. El mundo es un pañuelo y esta película un trozo de papel de báter con el que alguien se limpió el culo.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLVI): Lion Man (El Hombre León)

2011-10-24T00:58:00.000+02:00

Película: Lion Man (El Hombre León)
Director: Natuk Baytan
Año: 1975
País: Turquía / Inglaterra
Actores: Cuneyt Arkin, Bahar Erdeniz and Yildirim Gencer
Género: Exterminio

Argumento: El imperio bizantino está asediado por los problemas. Delirantes licencias históricas y estilísticas han convertido a los cristianos en los villanos de la función, y, por si fuera poco, un malvado emperador ha tomado el poder y se las está haciendo pasar putas a sus súbditos. Un misterioso justiciero criado por leones surgirá del bosque y tratará de reinstaurar la paz y la justicia en la región, no sin antes masacarar a cientos de miles de enemigos en un genocidio que ríete tú del holocausto nazi.

Por qué hay que verla después de morir: Mitos como los de El Rey Arturo, Mowgli y otros tantos, se entremezclan en un épico popurrí para dar a luz a uno de los pocos superhéroes originales de la cinematografía turca, Lion Man "el genocida", quien, por increíble que parezca, no se inspira en ningún personaje de las factorías Marvel o DC. Es posiblemente la producción perteneciente al llamado Cine Pop Turco (corriente que abarcó un periodo comprendido entre los 60 y mediados de los 80) que mayor trascendencia internacional tuvo, llegando a ser doblada al castellano. Más allá de las persistentes meteduras de pata del cine turco, el filme resulta memorable por su despliegue de ultraviolencia, donde el protagonista, el célebre Cuneyt Arkin, mata y mata otra vez, en un desaforado tour de force como pocas veces se han visto en el cine, contándose los cadáveres que deja a su paso por cientos de miles.

Alicientes:

-Una de las peliculas del cine pop turco de mayor trascendencia internacional

-Se estrenó doblada en cines españoles
-Manotazos, acrobacias y saltos de cama elástica (convenientemente escondida), como solo Cuneyt Arkin sabe regalar a sus fans
-En su estreno inglés, a Cuneyt Arkien le cambiaron el nombre por Steve Arkin
-Miles de muertos en un bodycount de récord imbatible
-Una banda sonora que por momentos parece una zarzuela, o directamente lo es
-El rugido de Lion Man, una mezcla entre un bostezo y un gato atropellado
-Una marca de nacimiento que es un dibujo complicadísimo
-Sombreros gigantes
-Tirolinas, barras fijas y anillas de gimnasia desperdigadas sin venir a cuento por los salones de un castillo, sólo para que Cuneyt pueda lucir sus movimientos acrobáticos durante las peleas
-Tuvo una secuela, "Lionman II: The witchcraft", muy denostada por los fanáticos

Algunos momentos para el recuerdo:
-La secuencia de las anillas
-Ser criado por leones te otorga fuerza sobrehumana
-El tour de force final, donde Cuney extermina tantos enemigos como habitantes pueda haber en Turquía

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLV): Tarkan Viking Kani

2011-10-23T23:05:00.000+02:00

Película: Tarkan Viking Kani
Director: Mehmet Aslan
Año: 1971
País: Turquía
Actores: Kartal Tibet, Eva Bender y Seher Seniz
Género: Espada, brujería y bigotes

Argumento: En una violación a la historia, los vikingos han invadido Turquía, donde matan a niños, embarazadas y, en un alarde de maldad extrema, incluso se atreven a acuchillar las tetas de las bellas mujeres turcas. El héroe Tarkan, el Cantinflas turco, se encargará de expulsar a estos salvajes normandos, ayudado por sus inseparables perros, en una épica aventura de corte pulp, donde no faltan hechiceras cachondas, guerreros mongoles y hasta un Kraken de goma.

Por qué hay que verla después de morir: Un entretenidísimo Conan a la turca de ridículo y paupérrimo acabado, que adapta un famoso cómic, donde no faltan constantes del cine pop otomano como los bigotes, la música chorizada de otros filmes, los sonidos a destiempo o las muertes de niños. En lo relativo a la dirección y el montaje, no alcanza el nivel de despropósito de las cintas más famosas de Cuneyt Arkin, pero la sinvergonzonería y la falta de escrúpulos siguen presentes y con mucha fuerza, para hacer pasar un rato inolvidable. Eso sí, se recomienda ver la película traducida, ya que, lamentablemente, no alcanza esa narrativa universal que lograron filmes como Death Warrior o Dunyayi Kurtaran Adam.

Alicientes:

-Basada en un popular tebeo turco
-Es la secuela de Tarkan Tani Viking
-Un perro ventrilocuo que ladra sin mover la boca.
-Un protagonista que parece Cantinflas
-Sonidos que no se corresponden con lo que sucede en pantalla
-La famosa fanfarria de "2001 Una odisea en el espacio" (que pertenece a un tema clásico de Richard Strauss), utilizada en la banda sonora
-Un pulpo gigante de goma que flota en el agua
-Muertes de lo más explícito y variopinto, como sólo se atreven a mostrar los turcos
-Niños muriendo salvajemente
-Más pelucas que en el armario de Lady Gaga
-Pompones de colores para decorar los trajes, escudos y tambores de los vikingos, algo que realza su ferocidad.
-Bebés y embarazadas acuchilladas
-Bustos femeninos
-Tetas acuchilladas
-El Astérix turco

Algunos momentos para el recuerdo:
-Una hechicera cae a un foso supuestamente lleno de serpientes, pero se ven perfectamente varias manos que la agarran para que no se haga daño. No tenían dinero para una colchoneta.
-Salvajes orgías en las que los vikingos mantean a mujeres o las utilizan para practicar su puntería.
-La muerte del malo. La espada de Tarkan pasa a 2 metros de distancia, pero en el siguiente plano vemos cómo ha atravesado el cuerpo del malvado vikingo.
-Uno de los perros de Tarkan muere y, para enfatizar el momento, se enfoca con un zoom a la cara del padre del chucho, el cual está mirando a cualquier lado, inconsciente de lo que ocurre en el filme.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLIV): Don't go in the woods (No vayas al bosque... sola)

2011-10-23T21:50:00.000+02:00

Película: Don't go in the woods (No vayas al bosque... sola)
Director: James Bryan
Año: 1981
País: Estados Unidos
Actores: Jack McClelland, Mary Gail Artz, Ken Carter y Angie Brown
Género: Protoslasher campestre y rudimentario

Argumento: En las montañas de Utah habita el mayor de los horrores, un montañero barbudo y zarrapastroso que tiene el síndrome de Diógenes, sólo que en vez de amontonar pilas y pilas de basura, este mendigo campestre acumula... ¡cadáveres! A ser posible de domingueros carentes de sentido común.

Por qué hay que verla después de morir: Coge a seis o siete colegas que no hayan actuado jamás, una cámara de vídeo, un puñado de calderilla, un guión escrito a boli en la palma de la mano (si se borra con el sudor, da igual, sigue filmando), convence a un mendigo a cambio de un bocata, vete a un bosque cualquiera, ponte a grabar y, voilá, obtendrás una película con un acabado cinematográfico que poco tendrá que envidiar a este slasher primigenio de comienzos de los 80, considerado un clásico por los gourmets del género. El filme tarda en arrancar, pero cuando lo hace, prepárate para un interminable desfile de muertes ridículas en las que no te enteras de nada, gente corriendo por el campo, y una plétora de estridentes efectos de sonido desperdigados indiscriminidamente por todo el metraje que, junto a la música machacona, acabaran por desquiciarte hasta echar espuma por la boca.

Alicientes:

-Un asesino barbudo y zarraspatroso con pintas de mendigo

-Uso indiscriminado, abusivo y gratuito de todo clase de estridentes efectos sonoros. Un amasijo continuo de gritos, gemidos, onomatopeyas y lo que parecen dos micrófonos acoplándose.

-Una música trallera que parece compuesta por alguien aporreando un piano y unos bongos como un enfermo mental

-Dirección catastrófica

-Planos enlazados al azar

-Palos y ramas que cortan como cuchillos y se clavan como lanzas. Da igual que los lancen con desgana; un pequeño roce puede ser mortal.

-Humor con paralíticos

-Muertes estúpidas

-Sangre a raudales

-La canción retro del desenlace

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cualquiera de las chapuceras persecuciones
-En un momento determinado, vemos a un paralítico en su silla de ruedas tratando inútilmente de desplazarse por el bosque, que llega a caerse varias veces, mientras se escucha una música propia del show de Benny Hill. No sabemos quién es ni cómo ha llegado allí. Al director debe resultarle gracioso. Minutos después, le servirá de carnaza al asesino.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLIII): Future Hunters (Cazadores del futuro)

2011-10-21T03:24:00.004+02:00

Película: Future Hunters (Cazadores del futuro)
Director: Cirio H. Santiago
Año: 1986
País: Estados Unidos/Filipinas/Hong Kong
Actores: Robert Patrick, Linda Carol, Ed Crick y Bruce Le
Género: Uberexploitation al cubo

Argumento: Nadie sabe cómo es posible ni a cuento de qué, pero resulta que la lanza de Longinos, aquella que le atravesó el costado a Jesucristo, sirve para viajar por el tiempo. Así se lo comunica un maromo venido del futuro a los dos protagonistas, en una vil excusa para viajar por todo el globo y mostrar en pantalla una vorágine de elementos gratuitos, que van desde nazis a amazonas cachondas, pasando por karatekas y todo lo que se le pueda ocurrir a un trastornado por lo pulp.

Por qué hay que verla después de morir: Lo que parecen ideas para ocho o diez películas completamente distintas se conjugan en un frenético amasijo de escenas que difícilmente encajan entre sí -el único elemento que aporta continuidad son los actores protagonistas-, pero éstas son tan variadas e imposibles de anticipar, que te mantendrán alicatado a la butaca con una sonrisa de oreja a oreja, ya que la película avanza tan rápida como un misil, sin dejar respiro alguno al espectador, en una exploitation orgiástica que tan pronto comienza copiando a Mad Max, como se convierte en un filme hongkonés de kung fu caspa de los 70, o en una burda imitación de Indiana Jones combinada con El Retorno del Jedi. Es casi imposible de creer que la misma película del comienzo, sea la misma cinta en su desenlace. Un gran entretenimiento propiciado por una simple pero contundente concepción del cine, en la que los buenos siempre ganan por ser eso, buenos, y donde todo vale si sirve para aportar mayor diversión al conjunto.

Alicientes:
-Un guión compuesto por lo que parecen descartes de otras películas

-La lanza de Longinos como artilugio para viajar a través del tiempo. No hay que hacer ningún ritual ni combinarla con ningún aparato especial. Simplemente permite viajar a través del tiempo, no necesitamos saber nada más.

-Enanos filipinos imitando a los ewoks de Star Wars

-Una secuencia inicial que fusila Mad Max

-Guerreras Amazonas filipinas
-Atila y sus hunos por la selva de Filipinas.

-Nazis modernos
-Bruce Le, el imitador filipino de Bruce Lee (a quien pudimos ver en, por ejemplo, "Challenge of the tiger"), en un papel secundario que no viene a cuento, y cuya presencia viene a confirmar que el director estaba regodeándose en el puro cine exploitation.
-Peleas de Kung Fu metidas en la trama con apisonadora y sin justificación alguna
-Tetas al fresco
-Una avalancha de rocas de cartón piedra
-Robert Patrick marcando paquete
-Una alocada y marchosa banda sonora de sintetizador que combina todos los estilos imaginables
-Ritmazo extremo. No hay ni un solo minuto de metraje sin tiros ni ostias.
-Un mando de garaje como control remoto de un helicóptero

Algunos momentos para el recuerdo:
-La patada que un maestro de kung fu le propina a Robert Patrick, que enlaza con un combate que es una excusa barata para sacar a relucir a Bruce Le.
-El final, donde no te explican una mierda de lo que pasa o pasará, pero te da exactamente igual, ya que has disfrutado como un enano en una piscina de Lacasitos ante tal sucesión de disparates.

Frases para el recuerdo:
"La humanidad tiene que ser eliminada, antes de que contamine y envicie todo lo que le rodea", comenta un efusivo nazi acerca de su plan de dominación mundial que, curiosamente, no incluye a los seres humanos en la ecuación.
-"Desde que tu padre murió has perdido el sentido de la orientación. Ahora juegas a ser antropóloga, mañana será otra cosa. ¿No te das cuenta de que no has hecho nada de nada? Más que jugar con el dinero que te dejó tu padre", le dice un sincero Robert Patrick a su querida novia.
-"He oído hablar del valle Sabinas. Se dice que es ficción, no realidad. Podría estar localizado en alguna parte del suroeste asiático, y está gobernado por amazonas guerreras llamadas Kasadais, una tribu perdida", comenta una erudita protagonista sin reirse lo más mínimo.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLII): Olum Savascisi (Death Warrior)

2011-10-18T14:17:00.004+02:00

Película: Olum Savascisi (Death Warrior)
Director: Cuneyt Arkin y Cetin Inanc
Año: 1984
País: Turquía
Actores: Cuneyt Arkin, Funda Firat y Osman Betin
Género: Aberración visual y sonora, sobre todo sonora

Argumento: La insensatez se ha desatado por las calles de Turquía. Una orgía de gilipollismo desenfrenado en forma de ninjas asesinos que parecen cofrades de Semana Santa ha invadido el país y sólo un hombre puede contrarrestar tanta majadería; Cuneyt Arkin de todos los santos y su sagrada cama elástica.

Por qué hay que verla después de morir: Da igual que no tengas ni pajolera idea de turco, te vas a descuajeringar de la risa aunque no entiendas ni un solo diálogo. Esa es la magia del cine pop turco de los 80. Son tantas y tan variadas las aberraciones que se suceden una detrás de otra sin orden ni concierto por la pantalla, en una sucesión de peleas a cada cual más estúpida, que a uno no le queda más remedio que abandonarse al descojono padre. Parece un collage de imágenes y sonidos distribuidos al tuntun en la mayor chapuza cinematográfica imaginable.

Alicientes:
-Golpes que suenan a destiempo.
-Sonidos de ostias cuando nadie se está pegando. Uno tiene la sensación de que el protagonista, Cuneyt Arkin, es capaz de golpear con su mirada.
-Samples y gritos de Kung Fu chorizados sin piedad de filmes hongkoneses. Incluso cuando ha terminado una pelea, los berridos y golpes siguen sonando.
-El malo es el Chuck Norris turco

-Hay momentos en los que la cámara se sitúa en el peor ángulo imaginable, para que veas una mierda de lo que ocurre
-Vuelve la cama elástica de Cuneyt. Cuando le contratas para una peli, viene con cama elástica de regalo.
-Montada a mordiscos y desgarrones
-Repite casi todo el reparto de Dunyayi Kurtaran Adam, el Star Wars turco
-Piedras que explotan al lanzarlas. Una constante en el cine pop turco.
-Karate turco; con sus habituales manotazos.
-Música y alaridos chorizados vilmente de La Cosa de John Carpenter
-Reutilización de algunos de los monstruos de Dunyayi Kurtaran Adam. Aunque ésta no sea una peli de monstruos.
-Desenlace abrupto.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Los fortuitos y brutales asesinatos con los que comienza la cinta.
-Cuando destapan el cádaver de escayola y un barbudo se pone a gritar como un enfermo mental, mientras suenan cachos de sonido del filme La Cosa.
-La pelea final, con sus sonidos desperdigados aleatoriamente entre hostia y hostia.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XLI): Mil gritos tiene la noche

2011-10-17T03:19:00.001+02:00

Película: Mil gritos tiene la noche
Director: Juan Piquer Simón
Año: 1984
País: España /Estados Unidos/Puerto Rico
Actores: Christopher George, Lynda Day George, Frank Braña, Edmund Purdom y Jack Taylor
Género: Slasher demencial

Argumento: Un niño mata de la manera más salvaje imaginable a su madre, sólo porque no le deja completar un puzzle erótico. Años después, ese niño, ya convertido en adulto, sembrará el caos en un campus universitario, donde descuartizará a diversas mujeres y usará sus miembros amputados para reconstruir el cuerpo de su progenitora, en una "ingeniosa" analogía con el puzzle que originó toda esta chifladura.

Por qué hay que verla después de morir: A partir de una premisa de lo más delirante, nace uno de los slashers más desmadrados de la filmografía española; una exploitation de filmes como Viernes 13 o Halloween, tan alocada y demencial que de pura tontería se introduce de lleno en el surrealismo, con un desarrollo que por momentos parece improvisado y que incluye litros y litros de sangre y una muertes que sorprenden por lo brutales y explícitas que resultan ser.

Alicientes:
-Un niño de apenas 12 años, que tiene la sangre fría y la fuerza necesarias para matar a su madre a hachazos y posteriormente descuartizar el cadáver.

-Suspense cero patatero.

-Una motosierra como arma mortal, lo que siempre mola.

-Salsa de tomate suficiente para llenar las paelleras de Villarriba y de Villabajo.

-Asesinatos brutales, grotescos y de lo más explícito.

-Un conserje barbudo que guiña constantemente un ojo en actitud desafiante, que parece estreñido y que además es el doble de Bud Spencer. Incluso protagoniza una pelea en la que sólo falta un tema de Oliver Onions de fondo.

-Dirige Juan Piquer Simón ("Super Sonic Man", "Los nuevos extraterrestres"), en el que es el título estrella de su filmografía.

-Jack Taylor interpretando a un homosexual.

-Por ahí se dice, se comenta, se rumorea; que el guión original, de no más de 30 páginas, estaba escrito por un casposo redomado como Joe D'amato (Ator, Ator 2, Porno Holocaust). Luego Piquer lo reescribiría. A saber.

-Un asesino que se pasea por la universidad como Pedro por su casa y al que nunca nadie ve, a pesar de que se intuye que en muchas de las secuencias va disfrazado por los pasillos. A decir verdad, se ve cada esperpento por las universidades; sobre todo las de audiovisuales, que quizá no es extraño que pase desapercibido.

-En su recorrido por los cines, esta película hizo una recaudación de unos 25 millones de dólares en Estados Unidos, donde es considerada todo un mito cinematográfico

-Más maniquíes que en el Corte Inglés.

-Frank Braña y sus frondosas cejas.

-Pesquisas policiales absurdas y delirantes, que no llevan a ningún a sitio.

-Tetas, culos, coños y penes. Si existiera alguna parte "impúdica" más, también saldría.

-Una banda sonora cutre como ella sola y de carácter esquizofrénico, con sus repentinos cambios de ritmo.

-Secuencias de relleno muy delirantes.

-Una campeona de tenis que también es policía. Por cierto, debe ser campeona en su casa, porque juega como una principante.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Un chino surge de la nada y ataca a la chica protagonista con movimientos de karate, para después irse tranquilamente por donde ha venido.Todo apunta a que el equio de rodaje encontró a un chino en una esquina y decidieron meterle en el filme para, quien sabe, dar un aspecto más internacional a semejante infraproducción.
-La muerte de la chica del monopatín.
-Un susto gratuito a mitad de metraje por parte de un tipo disfrazado con una careta. Nadie sabe a cuento de qué viene esto, pero ahí está. David Lynch estaría orgulloso.
-Dos camilleros se llevan los miembros mutilados de una de las víctimas. Mejor que hubieran usado una carretilla.
-El asesinato inicial, una rebosante carnicería donde la sangre ha salpicado por todas las paredes, y que convierte en un espectáculo infantil la escalofriante muerte de Mary Jane Kelly a manos de Jack el destripador. A pesar de lo grotesco de la escena, los policías que llegan al lugar del crimen no parecem inmutarse lo más mínimo, al igual que una vecina que pasaba por allí y que permanece imperturbable aun habiendo visto una cabeza decapitada.
-El plano final, una chaladura tan impactante que conviene no desvelarla.

Frases para el recuerdo:
-"Empiezas bien, como tu padre; tetas, eso era lo único que le preocupaba" dice una madre despechada.
-"¡¡¡Bestiaaaaa!!! ¡¡Bestiaaaa!! ¡Bestiaaaaaaaaaaaaa!"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XL): White Fire

2011-10-16T12:35:00.001+02:00

Película: White Fire
Director: Jean-Marie Pallardy
Año: 1984
País: Francia/Turquía/Reino Unido
Actores: Robert Ginty, Fred Williamson y Belinda Mayne
Género: Acción bigotuda e incestuosa

Argumento: Mike es un ladrón de joyas con un serio problema: se muere por follarse a su hermana. La muerte de ésta a manos de unos ladrones rivales y el posterior encuentro casual con una mujer idéntica a ella, allanarán el camino para que nuestro héroe pueda cumplir su sueño. Y es que, a cambio de una importante suma de dinero, Mike convencerá a la mujer para que adopte la identidad de su hermana muerta y se haga la cirugía estética. Entre medias, hay tiroteos y un diamente gigante que todo el mundo busca, pero a quién coño le importa.

Por qué hay que verla después de morir: Aglutina el sabor de las producciones turcas de los 80 con lo peor de la serie B americana, en un disparatada coproducción donde prácticamente todos los momentos invitan a la mofa y al descojone, gracias a la acción descerebrada, el gore trapero y una degenerada trama sexual de carácter incestuoso que se destapa como el eje del filme. Lo que se dice un filme chungo redondo y recomendadísimo.

Alicientes:
-Robert Ginty, protagonista de la saga The Exterminator, con bigote.

-La invasión de los bigotes gigantes. Están en todos los lugares y rincones.

-Fred Williamson, actor mítico de la blaxploitation, con bigote también.

-Rodada en Turquía, lo que siempre es un aliciente.

-Componente sexual enfermizo y degenerado.

-Una colección de extras bigotudos de lo más inepto y gañanesco, que tratan descaradamente de chupar cámara.

-Un director que, en lugar de poner su nombre en los créditos, planta directamente su rúbrica, en un gesto muy auteur del que ya podían aprender otros cineastas como Haneke o Jaime Rosales.

-Gore de saldo, con ketchup y plastelina.

-Un diamante de 2.000 kilates que quema y explota.

-Música compuesta por el teclista de Deep Purple

-Un temazo ochentero que suena en repetidísimas ocasiones

-Villanos vestidos con el mono de los alienígenas de la serie V o con el casco del comandante Cobra de los G.I. Joe.

-Una explotación minera que parece una estación espacial

-Los pechos y el felpudo de Belinda Maye

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cuando el protagonista desnuda a su hermana quitándole la toalla y la mira con lascivia.
-Cualquiera de las peleas y de los tiroteos.
-Uno o dos días después de la muerte de su hermana, el protagonista es capaz de encontrar a una mujer rubia casi idéntica a ella en Turquía, un país famoso por la gran cantidad de rubias que lo habitan.

Frases para el recuerdo:
-"Lástima que seas mi hermana", dice el protagonista a su hermana desnuda.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXIX): The Apple (La Manzana)

2011-10-16T02:43:00.009+02:00

Película: The Apple
Director: Menahem Golan
Año: 1980
País: Estados Unidos/Israel
Actores: Catherine Mary Stewart, George Gilmour y Grace Kennedy
Género: Musical oligofrénico y ubergay

Argumento: En un futuro distópico, concretamente en 1994, además de imbécil, la humanidad se ha vuelto homosexual en su totalidad, y danza al ritmo mongolizante de un nuevo estilo musical conocido como BIM, cuyos impulsores, gracias al éxito obtenido, han escalado en la sociedad hasta el punto de tomar el control de la misma y regir con sus canciones el destino del mundo.

Por qué hay que verla después de morir: Es un musical hortera y filogay dirigido por Menahem Golan, cofundador de la productora cinematográfica Cannon, lo que ya debería suponer un motivo más que de sobra para concederle un visionado. Pero si a ello le sumamos una completa ineptidud a la hora de dotar de ritmo a cualquiera de los vergonzosos números musicales; diversas alegorías religiosas metidas con calzador y un desenlace que viola al sentido común, el resultado es una turbadora experiencia que te deja con la boca abierta a cada segundo. La cara de gilipollas que se te queda no se te va a borrar en semanas.

Alicientes:
-Coreografías esperpénticas con decenas de fantoches travestidos sin atractivo ni ritmo alguno
-Pelucas de colores, laca, purpurina, tachuelas, cuero y maquillaje, mucho maquillaje
-Una alarmante falta de coherencia musical, con repentinos cambios estilísticos que arruinan por completo las canciones
-Temas sin gancho, sin estilo y sin ritmo, con letras de lo más pueril
-Vergüenza ajena elevada a su máxima potencia
-Dirigida por Menahem Golan, cofundador de la Cannon, productora famosa por impulsar las carreras de Van Damme o Chuck Norris
-Estética locaza ubergay
-Críticas al totalitarismo y a la industria musical
-Metáforas religiosas sobre el judaismo
-Una trama amorosa sin pies ni cabeza ni brazos ni tronco.
-Una resistencia integrada por hippies
-Una ridícula pegatina con forma de triángulo, que todos los habitantes del futuro se ponen en la cara para identificarse como seguidores del BIM.

Algunos momentos para el recuerdo:
-La secuencia sexual, donde el protagonista se cepilla a una mujer a ritmo de BIM en una orgía de carácter psicodélico.
-La hora del BIM, un momento del día en el que todos los ciudadanos están obligados a ejercitarse bailando este género musical y que nos regala momentos de ¿humor?, como unos bomberos que dejan de apagar un incendio para ponerse a bailar, o unas monjas que danzan con el hábito puesto.
-El abracadabrante y único final, donde la trama queda resuelta de una de las formas más rastreras imaginables y que es mejor no desvelar.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXVIII): Pyscho Cop (El policía Psicópata)

2011-10-13T02:57:00.001+02:00

Título: Psycgo Cop (El policía psicópata)

Director: Wallace Potts
Año: 1989
País: Estados Unidos
Actores: Bobby Ray Shafer, Jeff Qualle, Palmer Lee Todd, Dan Campbell y Cindy Guyer
Género: Slasher de saldo

Argumento: El habitual grupo de chavales inútiles con menos cerebro e iniciativa que un ficus, se marcha de findesemana a una casa en el campo para pegarse la juerga padre a base de piscina y cervezas, pero lo único que encontrarán será la muerte en sus más ridículas formas, a cargo de un policía demente que considera una obligación cívica acabar con estos desechos sociales.

Por qué hay que verla después de morir: Es muy barata, cutre hasta lo denunciable, de realización semicasera, fatal iluminada y peor montada (por no citar cien defectos más). Sería tediosa de no ser por el inolvidable asesino, un Robert Ray Shafer que parece empapado en crack y que hipnotiza a la audiencia con su ilimitado abanico de lamentables caretos, su forzada sonrisa de tarado y sus movimientos robóticos, que le convierten en el protagonista absoluto del filme.

Alicientes:
-Uno de los psychokillers más pasados de vueltas y sobreactuados del género slasher. Robert Ray Shafer se come la pantalla con sus muecas, en una interpretacion atroz.
-Personajes que hablan consigo mismos en voz alta, para que el público les escuche.
-Unas cervezas perdidas como detonante de la acción, que los personajes se pasan horas y horas buscando sin éxito.
-Chascarrillos memorables, por predecibles y la forma en que el asesino los recita

-Muertes ridículas

-Sustos de mierda

-Montaje de mierda

-Dirección de mierda

-Todo mierda

-Actuaciones dignas de silla eléctrica, garrote vil y ahorcamiento; todo a la vez.

-Abuso de focos azules en los planos exteriores, logrando una fotografía lamentable.

-Cuenta con una sorprendente y muy gamberra secuela, "Psycho Cop Returns", que, por increíble por parezca, cinematográficamente presenta una calidad infinitamente superior, con un guión muy divertido, una realización digna y un Robert Ray Shafer perfectamente introducido en su personaje y sobreactuando lo justo. Ver para creer.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cuando el psicópata le hace tragar su porra a uno de los protagonistas.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Putaaa!"
-"No hay que huir de la policía"
-"No se puede beber y conducir, va contra la ley"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXVII): Supermen Donuyor

2011-10-13T00:58:00.001+02:00

Título: Supermen Donuyor
Director: Kunt Tulgar
Año:1979
País: Turquía
Actores: Tayfun Demir, Güngör Bayrak and Yildirim Gencer
Género: Supermanxploitation a la turca

Argumento: El mismo que ya todos conocemos sobre los orígenes de Superman, cambiando Kansas por Estambul, la Fortaleza de la Soledad por la Capadocia, poniendo velo a Martha Kent y plantándole bigote a todos los intérpretes, excepto al protagonista y a algunas mujeres. Si se pasan por alto esos detalles, el cambio apenas se nota (en caso de que seas un perro o un cadáver).

Por qué hay que verla después de morir: Otro ejemplo más de la sinvergonzonería que se gastaban en Turquía a finales de los 70 y en la década de los 80, devorando y regurgitando al estilo autóctono toda clase de éxitos cinematográficos de los Estados Unidos, con resultados dignos de preescolares tercermundistas utilizando una cámara de vídeo por primera vez, y donde todo vale. Ese "todo vale" incluye desde el hurto de músicas de otros filmes, al uso de Geypermans para las escenas difíciles o bolas de navidad para recrear planetas.

Alicientes:
-Un gañán atolondrado interpretando a Superman
-Bolas y otros adornos de Navidad utilizados para recrear el espacio y los planetas que lo ocupan, como Krypton
-Un Jor-El desdentado
-Una sábana con el título del filme al comienzo de los créditos.
-Más bigotes que en un concurso de imitadores de Charlotte.
-Economía de recursos.
-Deschatez y descaro hasta dar varias vueltas al infinito.
-Lo que parece un geyperman sujetado con hilos para recrear el efecto de vuelo de Superman.
-El vídeo de las últimas vacaciones del director, utilizado como imágenes de fondo para las secuencias de vuelo.
-Visillos en todas las habitaciones.
-Entre los nuevos poderes que la inventiva turca ha otorgado a Superman, se hallan la telequinesis y ver el pasado, al más puro estilo R.O.T.O.R. (otra de las películas reseñadas en esta colección)
-La música original del primer filme americano de Superman, grabada y reproducida con un radiocassette en las escenas más épicas.
-Música robada de la saga James Bond

Algunos momentos para el recuerdo:
-Superman utilizando una máquina de escribir con la mente
-En una muestra de sus asombrosos poderes, Superman detiene un tren que ya se estaba parando.
-Una pelea que acaba con Superman tumbado en una cinta transportadora con una guillotina. ¿Por qué tienen eso ahí?

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXVI): Dunyayi Kurtaran Adam

2011-10-01T11:39:00.001+02:00

Título: Dunyayi Kurtaran Adam
Director: Çetin Inanç
Año:1982
País: Turquía
Actores: Cüneyt Arkin, Aytekin Akkaya y Füsun Uçar7
Género: Epopeya espacial tercermundista

Argumento: Un señor con el peinado de Lauren Postigo va dando saltos sin parar y repartiendo ostias a diestro y siniestro por un interminable desierto, en el que desfilan todo tipo de aterradoras criaturas y gañanes disfrazados, en una bacanal de disparates e incoherencias, cuyo discurrir decidirá el destino de la humanidad.

Por qué hay que verla después de morir: Bienvenidos, niños y niñas, al festival definitivo del cutrerío y de la incompetencia. Pasen sin miedo y saluden al elegido, Cuneyt Arkin y a su sagrada cama elástica. Admiren la mugrienta, tercermundista y roñosa fotografía, donde parece que alguien se haya limpiado el culo con el celuloide y afinen sus óidos ante el chirriante montaje de sonido y la música, que incluye melodías robadas de Indiana Jones. A su derecha, podrán ver planos extraídos directamente de la saga Star Wars. Enloquezcan ante el delirante montaje, hecho con dos aparatos de vídeo VHS conectados. Admiren a las increíbles momias explosivas de escayola y a los aterradores osos de felpa gigantes con confeti en las garras. Griten de terror ante el genuino robot de mierda construido con desperdicios. Bienvenidos a un cine que traspasa fronteras y que puede verse directamente en turco, ya que su narrativa es universal y cualquier habitante del mundo podría entenderla. Bienvenidos al paraíso del cine cutre.

Alicientes:

-Planos de naves chorizados de la primera película de Star Wars
-Música chorizada de Indiana Jones
-La canción de Flash de los Queen, chorizada también. ¿Pero es que en esta peli hay algún material original?
-Ausencia total de escrúpulos, de vergüenza, de sentido común, de dignidad y de moral alguna.
-La magnética presencia de Cuneyt Arkin, el más grande de todos los actores del cine pop turco de los 80.
-Una espada de poliespan de impracticable diseño en zig zag. Ideal para, no sé... ¿Rascarse la espalda con ella?
-El habitual fetichismo de Cuneyt por los guantes
-Rocas corrientes y molines que explotan como proyectiles tras ser lanzadas
-Cabezas de momia que explotan tras ser lanzadas. En Turquía todo explota.
-Una pajita loca, como las que regalaban en las cajas de Nesquick, con la que el villano sorbe la sangre de sus víctimas
-Un montaje que parece realizado a toda pastilla por un encocado Superlópez
-Alienígenas de lana y de peluche
-Un robot de mierda que gesticula alocadamente y que parece construido con desperdicios encontrados en un Punto Limpio
-Niños muriendo cruelmente. En Turquía no tienen reparos para mostrar cosas como ésta en pantalla.
-Una cama elástica estratégicamente escondida
-Interminables peleas en las que el protagonista derrota a sus enemigos saltando sin parar alrededor de ellos hasta que acaba mareándolos.
-La Capadocia como escenario de una batalla por el destino de la humanidad
-Tuvo una abominable secuela sin ninguna gracia en 2006

Algunos momentos para el recuerdo:
-La explosión del planeta Alderaan (el de Star Wars) repetida unas 80 veces
-La secuencia de entrenamiento, en la que el protagonista, con música prestada de Battlestar Galactica, se ata rocas de cartón piedra a los tobillos y se pone a dar saltos.
-En el desenlace tiene lugar una épica batalla campal, en la que reaparecen y desfilan sin venir a cuento, absolutamente todos los enemigos a los que protagonista derrotó a lo largo de la película, como si de la fase final de un videojuego se tratase.
-La muerte del malo, que es partido en dos por el protagonista.. Para mostrar esto, se utiliza un imaginativo y económico recurso visual, que consiste en tapar parte del objetivo de la cámara, para que una zona de la imagen se vea totalmente negra y así hacer creer al espectador que al personaje le falta la mitad de la cara.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXV): Rock´n roll nightmare (Al filo del infierno)

2011-09-29T23:08:00.004+02:00

Título: Rock´n roll nightmare (Al filo del Infierno)
Director: John Fasano
Año:1987
País: Canadá
Actores: Jon Mikl Thor, Jillian Peri y Frank Dietz

Argumento: El grupo de heavy metal The Tritonz, integrado por cinco panolis sin carisma, se retira a una casa en el campo para grabar su próximo disco, pero en realidad sus miembros sólo se dedican a procrear y a hacer el imbécil, en una anodina e innecesaria trama, repleta de malévolas marionetas hechas con guantes de cocina y calcetines, cuyo impactante y revelador final hará que el público se plantee el sentido de su existencia (la existencia de este engendro, se entiende).

Por qué hay que verla después de morir: Hay cosas para las que el cerebro humano no está preparado: la inmensidad del universo, la muerte de un hijo o el final de "Rock´n roll nightmare", posiblemente el más tramposo, inconcebible e imposible de anticipar de toda la historia del cine universal. Da igual cuántas pelis de mierda haya visto el espectador, porque sus ojos, sus oídos y su sentido común no serán capaces de asimilar ni por un segundo la avalancha de infamia y desfachatez que acontece en el desenlace, de un filme que cambia para siempre la concepción del cine en todos aquellos que se atreven a visionarlo. Hay quien piensa que, tras este largometraje, el cine debería haberse terminado para siempre.

Alicientes:

-El protagonista es John Mikl Thor, un artista de heavy metal con cierta estética glam y aficionado al culturismo. Quizá esto último fue el motivo de que nunca llegara a calar entre los aficionados a este tipo de música. Y es que, ¿dónde se ha visto un heavy que le guste ir al gimnasio?
-Las cachas deformes de Jon Mikl Thor. Parece que en cualquier momento le van a estallar las costillas.
-El culo de John Mikl Thor
-Alguna que otra ración de tetas
-Un amago de casting mamario
-Decenas de fallos de racord; o más bien de récord (Guinness), con vasos que cambian de posición y maquillajes que se quitan y se ponen entre plano y plano
-Durante largo tiempo, esta película lideró el famoso Bottom 100 de la IMDB de los peores largometrajes de la historia, hasta que Troll 2 le arrebató el primer puesto
-Criaturas chungas y deformes hechas con plastelina Play-Do y calcetines viejos
-Una trama que avanza con la velocidad de una moto Feber
-Música a todo trapo en los momentos de tensión para disimular la ineptitud de los actores y del director
-Mujeres lavando platos a ritmo de heavy metal; el sueño de cualquier hombre que se precie de serlo.
-Tiene una secuela del año 2003

Algunos momentos para el recuerdo:
-Por si no os ha quedado bastante claro, lo vuelvo a repetir; EL JODIDO FINAL, donde John Mikl Thor se se convierte en un retrasado mental despeinado que va poniendo caretos, para después enfrentarse a una marioneta de Satanás, en una pelea donde ambos se agarran y dan vueltas y vueltas, como si jugaran al corro de la patata.
-La épica batalla con pulpitos de goma que el actor aprieta contra su cara y pecho, haciendo como si le atacaran, siguiendo las enseñanzas de Bela Lugosi
-Aunque sólo han ido a la casa a practicar su música, el protagonista aprovecha para probarse todo tipo de horteras modelitos y camisas chillonas en cada ensayo.
-Uno de los miembros del grupo no se quita las gafas de sol ni cuando folla
-Una escena de sexo en una ducha, donde John Mikl Thor se bate en un memorable duelo de tetas contra una jamba, ya que ambos aprietan sus pechos hasta el paroxismo, mientras la cámara se mueve alrededor de ellos de forma alocada, como si el que sostiene el aparato se estuviera frotando con los actores, en un estilo de dirección digno del peor porno amateur.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Ella es, una especie de veneno. Como una dramatización. Es una ficción, estamos vivos. Jesús dice que hay que mirar el mundo desde lo alto. Hay que alejarse de él".(John Mikl Thor poniéndose profundo y filosófico)

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXIV): Undefeatable

2011-09-28T03:12:00.005+02:00

Título: Undefeatable
Director: Godfrey Ho
Año:1993
País: Hong Kong / Estados Unidos
Actores:Cynthia Rothrock, Don Niam, John Miller y Donna Jason

Argumento: Un perturbado mental con un impresionante mullet, una impertérrita mirada y experto en artes marciales, se pasea a sus anchas y a plena luz del día por un pueblo estadounidense, donde secuestra, viola y mata mujeres sin pararse siquiera a respirar y sin que la inepta policía sepa cómo darle caza.

Por qué hay que verla después de morir: El realizador y trilero Godfrey Ho, experto en mutilar películas coreanas y tailandesas y añadirles escenas con ninjas para empresas hongkonesas como la Asso Asia o la IFD, da el salto al cine estadounidense con una cinta de artes marciales con metraje 100% original, donde sólo se salva alguna escena de pelea, ya que el resto de secuencias son puro material de derribo, inconexo y mongolizante. Contiene un inolvidable combate final que hace años se convirtió en todo un fenómeno en Youtube, el cual adquiere una nueva dimensión y un valor aún mayor cuando es visionado como parte de esta película.

Alicientes:
-Poder ver el mítico vídeo de Youtube dentro de su contexto

-Según los créditos, dirigida por Godfrey... HALL; en un fallido intento del señor Ho por calar en el mercado internacional.

-Violencia de género... del género imbécil

-Ostias a troche y moche

-La experta en artes marciales Cynthia Rothrock haciendo de las suyas

-Don Niam, el primer actor cuyas orejas, que tienen vida propia, son más expresivas que su imperturbable cara.

-Secundarios asiáticos que mueven la cabeza en todas direcciones porque no tienen ni puta idea de a dónde deben dirigir la mirada.

-La intensísima mirada del malo, capaz de helar la sangre y ponerla en ebullición al mismo tiempo, ya que acojona y descojona a partes iguales

-Actores de relleno que parecen salidos de las últimas entregas de Loca Academia de Policía.

-Peinados que cambian mágicamente de escena en escena

-Un mismo almacén filmado desde decenas de ángulos distintos para recrear decenas de lugares supuestamente diferentes.

-El villano sufre una indescriptible y absurda enfermedad mental, que le lleva a secuestrar mujeres, confundirlas con su madre, violarlas, matarlas y, por si fuera poco, sacarles los ojos, para dárselos de comer a pececitos de colores. Todo esto lo hace por un supuesto trauma de la infancia, como explica una psicóloga a lo largo de la trama. Yo creo que en realidad todo eso lo hace simplemente por joder y no hay que darle más vueltas.

-Torsos untados en aceite Koipesol para hacer más atractivas las peleas

-Actuaciones tan contenidas, que rozan la catatonia

-Dolorosísimas caídas de todo tipo y condición. Algún extra se tuvo que romper la espalda.

-Ridículos ataques de histeria a cámara lenta

-Luces rojas de puticlub para dar ambiente a las peleas

-Un pueblo estadounidense donde todos sus habitantes saben artes marciales. Incluso las psiquiatras.

Algunos momentos para el recuerdo:
-La novia del perturbado mental, tras una relación en la que es vejada y violada constantemente, por fin decide abandonarle, no sin antes dejarle preparada en la mesa su cena favorita, como especifica en la carta de despedida. Qué gran detalle por su parte.
-El asesino intentando excitar a su novia pasándole la nariz por el cuello de forma patética
-Cuando el villano se detiene frente al espejo y empieza a hacerse mechas de colores con un spray, sin mover ni un solo músculo de la cara, tratando pésimamente de transmitir maldad y frialdad.
-Cynthia Rothrock llorando frente a un muñeco con arcilla por la cara, que intentan hacernos creer que es su hermana muerta.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Barato, Barato.

2011-08-25T19:26:00.017+02:00

"Me lo quitan de las manos oigaaaaa, me lo quiiiitan de las manos".

Miguel Ángel Gil está que se sale. No tiene rival en el "mercadillo" futbolístico. "¡¡Hoy traigo cuarto de kilo de Forlán a 5 millones, 5 millones solamente!! ¡¡Señora no pierda la oportunidad de llevarse todo un Balón de Oro de un Mundial a su club!!"

Un Agüero por aquí, un De Gea por allá, Ujfalusi al Galatasaray, a Forlán lo mando para Milán y ya hemos vendido tol género. Voy a llamal a mis primos Quilón y Mendes, que seguro que me dejan el cuarto y mitad de futbolista a buen precio, nos repartimos unas "comisioncillas" y ya estamos listos para volver al ataque en el mercado invernal, que los churumbeles tienen que comer. En de vé lo fásil que se la cuela uno a la afición del Calderón, les traigo un poco de carnaza y ya están todos contentos e ilusionados.

Qué tiempos aquellos los de hace un año. El equipo Supercampeón de Europa y mis amiguetes los agentes me nombran mejor gestor del mercadillo. Como íbamos tan sobrados, pensé que a lo mejor podía vender a Jurado a los alemanes esos de Gensenquilche. El bueno de mi primo Enriquito Flores se sintió mu molesto porque disia que el zagal era mu importante para el equipo. Pero es que yo tenía que comprarle a mi Jeniffer una bichicleta y no llevaba suelto. El jambo para Alemania con su padrino Raúl y yo tan feliz con mis 13 kilitos.

Por Navidad mi Richal me pidió una Gamboy y como yo no andaba bien de los dineros llamé a mis amigos turcos para mandarles a Simao. El payo era mu buen chico, pero comía mucho, así que con lo que me ahorré en comida me dio para comprarle la Gamboy a mi niño. Como mi primo Enriquito se enfadó porque estaba corto de personal para descargal la flagoneta llamé a mi amigo Mendes, que me mandó un muchacho a "módico" precio. Sólo ocho millones me costó el Elías. Tenía experiencia colocando tumbonas en Copacabana así que montando y desmontando los andamios del puesto en el mercadillo no iba a tener rival. Además Jorge y yo nos repartimos unas jugosas comisiones y pude comprar unos regalitos para la familia.

La temporada no fue tan bien como esperábamos y encima la rubia esa tan sexy, la uruguaya, se enfadó con mi primo el Enriquito porque decía que le ponía los cuernos con un bajito argentino y su amigo el calé de Utrera. Ensima el verano empezaba con una mala noticia: Los señores jueces nos habían condenado a mis hermanos y a mi a devolver 100 millonés de na que le esquilmó mi papa al ayuntamiento de Marbiella. Pero eso yo lo arreglé en un periquete. Me dieron el teléfono de un tal Alex, un patriarca de un clan inglés muy rico. En cinco segundos llegamos a un acuerdo y para allá que le mandé a De Gea. El cachorro, que se crió en nuestra casa, se lo vendí por 20 millones. Luego llamé a mi amigo el Jeque del Manchester City, ese con el que firmé una Aliansa de Sivilisasiones que va a hacer temblar los cimientos de la tierra. Mi amigo árabe se llevó al pequeñito argentino por 42 milloncejos. El payo Florentino estaba como loco por llevarse al chico, pero yo me negué a negosial, que si se lo llego a vender los del Calderón me pegan una paliza. Ujfalusi a mis amigos turcos por 2,5 millones, Forlán a Moratti por 5 millones y ya sumo 70. Un poco más y ya casi tengo la deuda del papa pagada.

Al final mi primo Enriquito abandonó el puesto porque no estaba contento. Mi amigo Quilón me recomendó a Manzano, un gachó que ya trabajó con nosotros, muy bueno porque nunca protesta por nada. De paso me colocó a Gabi, que andamos cortos de personal. Como necesitaba melcansía llamé a mi primo Mendes. Jorge y su amigo Kenyon, que son mu güenos me regalaron la mitad de Falcao y yo solo tuve que pagar 20 millones. De paso me mandaron más genero, Miranda (el terror de los delanteros de la liga brasileña), Silvio (una ganga por sólo ocho millones), Pizzi (no confundil con Juan Antonio) y un tal Ruben Micael, que se lo presté a mi amigo Agapito Iglesias de Zaragoza, que el pobre no tiene pa' comel.

La verdad que el premio del año pasado lo tengo bien merecido. Después de todos los negocios he vuelto a traer mercancía de primera calidad: Courtois, Silvio, Miranda, Gabi, Turán, Adrián y Falcao. Estoy tratando que esos alemanes de la Vuslbagen me regalen a Diego, un chiquillo algo problemático, pero estos alemanes no ceden. No aceptan las escrituras de mi chalé de Los Ángeles de San Rafel como aval. Al final hemos hecho un equipo de campanillas y toda la "borregada" se rompe las manos a aplaudir en el Vicente Calderón. Cuando nos mudemos a la Peineta va a ser el no va más. Una vez más, he vuelto a triunfar.

Pónganle el acento que más les plazca: Máfia rusa, siciliana, taiwanesa o de Pernambuco. Algo parecido a lo que acaban de leer es lo que pasa por la cabeza del consejero delegado del Atlético de Madrid, Miguel Ángel Gil. La realidad es triste. Hace justamente un año De Gea; Ujfalusi, Godin, Perea, Domínguez; Assunçao, Raúl García, Reyes, Simao; Agüero y Forlán derrotaban brillantemente al Inter en la final de la Supercopa de Europa. Hoy seis de ellos no pertenecen al club y tres de los cinco restantes han tenido en algún momento el cartel de "transferible colgado". Abramos los ojos, el Atlético de Madrid se ha convertido en una agencia de compra-venta de jugadores. El Atleti ha muerto.

Pablo González.

El señorío por el desagüe

2011-08-18T19:07:00.000+02:00

Hay un dicho popular que dice que las amistades tardan años en forjarse y consolidarse, pero que bastan unos segundos para destruirlas. Esto podría ser aplicable al Real Madrid. Con 109 años de historia a sus espaldas, ha tardado todo ese tiempo en forjar su leyenda, en tener el honor de ser reconocido por la FIFA como "mejor club del siglo XX", de tener una imagen de equipo señor, de saber ganar y de saber perder. El llamado "señorío", que no es algo que se gane en unos segundos. Pues bien, fue llegar Mourinho el junio del año pasado, y en poco más de una temporada, se ha cargado el buen nombre del Real Madrid.

En vez de estar hablando de cómo su equipo perdió en el Camp Nou ayer (3-2) dando una estupenda imagen, con un juego vistoso y efectivo alejado de la racanería de las semifinales de la Champions, estamos hablando de la enésima bronca entre blancos y azulgranas. Lo que es un trofeo veraniego con una trascendencia relativa (es bueno ganarlo, y más ante el eterno rival), se ha convertido de nuevo, en un campo de batalla. El buen fútbol de ambos queda empañado por los malos modos y la agresividad.

Es cierto que la historia de los clásicos es rica en piques, encontronazos y tanganas, pero desde que llegó Mourinho al Madrid, y más concretamente tras la ida de las semis de la Champions en el Bernabéu, estos partidos se han ido calentando hasta hacer un clima irrespirable. No es normal la agresividad con la que los jugadores madridistas salen al campo. Las entradas a destiempo, esa tensión mal entendida que contamina el aire parece una orden del técnico portugués cuando su equipo se enfrenta al Barça. Tras la entrada de Marcelo a Cesc (que era roja), se montó la inevitable tanagana. Malos modos por parte de jugadores de ambos clubes. Mal Marcelo, Villa, Ramos... Pero he aquí que llega José Mourinho, el entrenador, recordemos, del "mejor club del siglo XX"; y no sólo no sale a calmar los ánimos, sino que cual kinki poligonero, se mete en la bronca. El portugués, fuera de sí, metió el dedo en el ojo al segundo de Guardiola, Tito Vilanova.

Es irrelevante si hubo provocación previa, si se habían dicho algo en los banquillos, si con el tercer gol de Messi la celebración de los blaugranas fue excesiva. Un entrenador del Madrid jamás puede perder los papeles. La dinámica en la que el club blanco lleva inmersa desde que llegó este señor, es la de no saber perder, la de liarla parda en cuanro vienen mal dadas. Es la cultura del "balones fuera", y en vez de hacer autocrítica se desvía la atención con los árbitros, las trifulcas y los insultos. Da pena ver a Casillas, un jugador admirado y respetado por todo el mundo, defender lo indefendible, insinuar complots antimadridistas y demás chorradas. Y sonroja que un equipo que en su himno dice aquello de "enemigo en la contienda, cuando pierde da la mano, sin envidia ni rencores, como bueno y fiel hermano..."; no se quede a ver como el rival, que aunque no fue mejor, sí ganó de forma legal, recoge su título. Una imagen impropia de un club que lleva su imagen por bandera y sus valores por encima de sus títulos.

Cuando Florentino Pérez, allá por el mes de junio de 2009 volvía a la presidencia del Real Madrid, prometió que defendería los valores y la imagen del club. Trajo a Mou, y todas sus promesas se han quedado en palabras huecas, pues es él el que ampara a su entrenador, le deja hacer y deshacer a su antojo, decir lo que quiera, insultar, e incluso meterse en peleas. O Florentino toma las riendas de la situación y pone firme a Mourinho, o ese monstruo acabará devorándolo. Y lo que es peor, devorando a la institución. Aún se puede solucionar, o el poco señorío que queda se perderá por el desagüe.

Dani Medina

Vuelve el fútbol

2011-08-14T18:49:00.004+02:00

La temporada futbolera en España se abre hoy domingo con el partido de ida de la Supercopa. Por si no habíamos tenido suficiente empacho de clásicos durante abril y mayo, Madrid y Barça vuelven a verse las caras en lo que Mourinho ha denominado el "trofeo más importante del verano". No le falta razón al portugués. Y es que ganar la Supercopa al máximo rival siempre es un aliciente, y el que pierda ya llevará una losa durante la temporada. Pero es cierto que no deja de ser un título de pretemporada que al ganador satisface porque mete un trofeo más en la vitrina y el perdedor se consuela con aquella coletilla de "es un título menor".

Estos dos encuentros de Supercopa servirán para ver cómo llegan al inicio de la Liga los dos equipos llamados a repartirse de nuevo todos los torneos, en un monopolio apasionante para sus respectivas aficiones e insufrible para los seguidores de los 18 equipos restanes. A priori, parece que los blancos llegan con mejores sensaciones después de haber ganado todos sus encuentros de pretemporada. El único problema es que esos partidos se han ganado a equipos chinos de baja estofa y algún equipo americano que sufriría en la Segunda española. Resumiendo: imposible saber cómo jugará el Madrid contra un equipo de verdad, como es este Barcelona de Guardiola. Al parecer, los culés llegan flojos en lo físico, pero su juego será el de siempre, lo que significa que tendrán el balón y el Madrid se limitará a verlos jugar. O no. Porque lo que muchos aficionados merengues esperan, es que Mou haya aprendido de sus errores y juegue al Barça de otra manera, menos defensiva y victimista y más alegre y ofensiva.

Será un buen día para ver a la nueva estrella azulgrana, Alexis Sánches, jugador que viene de triunfar en el Udinese y que ha sido uno de los culebrones del verano. Se han pagado 34 millones más 6 variables por objetivos por un chico que ya es el niño mimado de Guardiola. Dicen que tiene gol, desborde y velocidad. Que el ataque barcelonista mejorará mucho con él. Esta temporada lo descubriremos. Mientras tanto, Cesc hace las maletas rumbo a la Ciudad Condal para ser presentado mañana lunes. El hijo pródigo vueleve a casa, eso sí, después de desembolsar 40 millones de euros. Sin embargo, puede que el nuevo ídolo del Camp Nou ya esté en casa: se espera mucho de Thiago Alcántara.

El Madrid, ya bajo la batuta absoluta de Mou en todas las parcelas del club, se ha reforzado bien sin hacer grandes dispendios como en otras épocas. El fichaje más emocionante es el de Sahin, mediocentro alemán de origen turco que junto a Xabi Alonso deberá llevar la batuta del equipo. Por desgracia, hoy no podremos verlo debido a la lesión que se produjo en Estados Unidos durante la pretemporada. Mourinho espera tenerlo de vuelta para la segunda jornada.

Los que ya están listos son el joven Callejón y sobre todo, el que parece "el favorito del profe", Fabio Coentrao. Rápido, buen regateador y jugador de banda que puede jugar en varias posiciones, justo como quería el técnico portugués. ¿Y Messi y Cristiano? Me temo que estos dos van a acaparar de nuevo tantos titulares durante los próximos nueve meses, que mejor descansar de ellos por ahora. Lo importante es que vuelve el fútbol (si la huelga de los jugadores no lo impide), y aquí lo contaremos en Fuera de Campo.

Dani Medina

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXIII): The Foreigner (El extranjero)

2011-08-14T15:56:00.002+02:00

Título: The Foreigner (El extranjero)
Director: Michael Oblowitz
Año: 2003
País: Estados Unidos
Actores: Steven Seagal, Harry Van Gorkum, Max Ryan y Anna-Louise Plowman

Argumento: Un tipo apodado "El extranjero", que no es otro que Steven Seagal apretándose la panza con una cazadora ajustada, va dando vueltas por todos los países de Europa, destapando conspiraciones incomprensibles, repartiendo paquetes, alguna ostia y matando negros en absurdas explosiones.

Por qué hay que verla después de morir: Es la primera película del tándem Steven Seagal-Michael Oblowitz, asociación que nos regaló la cinta más divertida (por absurda) de toda la filmografía del maestro aikidoka, "Venganza Ciega", una de las imprescindibles de esta colección. En esta ocasión, el nivel de diversión es inferior, pero la oligofrenia superior, gracias a un guión indescifrable que provoca apoplejía y, sobre todo, la labor del esquizoide Oblowitz, para quien las palabras "montaje" y "dirección" son sinónimos de "peyote" y "cocaína en vena". Tampoco falta la habitual y taladrante música punchancha, marca de la casa.

Alicientes:
-Steven Seagal recorre toda Europa (Noruega, Alemania, Francia, etc) pero sin salir de Polonia. No os preguntéis cómo lo hace, es Steven Seagal y todo lo puede.

-Un desenlace abrupto y estúpido en el que sólo falta el director haciendo un corte de mangas al público.

-No intentes comprender el guión o te expondrás al peligro de sufrir una apoplejía severa.

-Ritmos punchanchas de baratillo para ambientar cualquier escena de acción.
-Una realización psicotrópica llena de acelerones y zooms, digna de un ravero a tope de speedball.
-Como en todos sus filmes, Seagal tiene un pasado repleto de misterios, para dar profundidad al personaje.
-Oblowitz no es capaz ni de rodar decentemente una conversación en una mesa. Debido al incomprensible juego de planos, uno no sabe si los comensales están sentados, de pie, debajo o encima de la mesa. Qué desastre.
-Seagal, que es una persona muy previsora, se dedica a llenar la ciudad de explosivos por todos los rincones imaginables, para así poder detonarlos y escapar de cualquier situación complicada.
-Incomprensiblemente, tuvo una secuela, "Golpe al amanecer".

Algunos momentos para el recuerdo:
-A ver cómo me las apaño para explicar esto. Seagal ha de entregar un paquete, pero, no se sabe muy bien por qué, decide entregar un paquete falso. Cuando le descubren, mandan a un tipo negro para que le torture y le sonsaque donde está el paquete original. Seagal acepta entregarlo, asegurando que está escondido en una taquilla. Lleva al negro hasta allí, pero resulta que es una trampa, ya que se trata de otro paquete falso (sí, otro, dos mejor que uno), que contiene una bomba en su interior, la cual el negro detona al abrirlo, reventando toda una estación de tren en una apoteósica explosión, que, supongo, mata a cientos de personas, lo que a Seagal debe importarle tres huevos. Segundos antes, el protagonista escapó por una ventana.
-La misma escena de antes, con negro e interrogatorio incluido, ocurre minutos después en la trama, sólo que cambiando el paquete falso por un CD falso (y explosivo), en una descojonante secuencia que el guionista se inventó sobre la marcha y en la que nuestro héroe lanza el disco contra su enemigo, clavándoselo en el estómago (después explota, obviamente). Sólo por esta escena, hay que ver la película.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Me encantan las barbacoas" dice Seagal, tras lanzar un CD explosivo.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXII): Blood Sisters

2011-08-14T13:34:00.001+02:00

Título: Blood Sisters
Director: Roberta Findley
Año: 1987
País: Estados Unidos
Actores: Amy Brentano, Shannon McMahon, Dan Erickson y John Fasano.

Argumento: Un grupo de estudiantes cachondas, con menos cerebro que una ameba con síndrome de Down y de esas que, como se descuiden, acaban enseñando las tetas sin darse cuenta, han de pasar un terrorífico y muy tedioso fin de semana en una casa de putas encantada, como parte de una prueba para ingresar en una hermandad universitaria.

Por qué hay que verla después de morir: Es un rollazo que te cagas y de lo más tedioso e inaguantable que ha rodado la directora experta en exploitation fantasmal Roberta Findlay, pero gracias a la tremenda estupidez de la que hacen gala las chicas protagonistas y a las interminables secuencias en las que deambulan por la casa sin que ocurra nada de nada que tenga el más mínimo interés, resulta un filme ideal para abuchear en masa, lanzar cosas a la pantalla, no parar de hablar y soltar toda clase de improperios machistas, seas hombre o mujer. Despierta al misógino que hay en ti.

Alicientes:
-Una casa "de putas" encantada, concepto que debería explorarse más a menudo en el cine de terror.

-Prostitutas fantasma.

-Universitarias cachondas y, por consiguiente, tetas.

-Un asesino que se viste de prostituta.

-Un estrangulamiento con un liguero.

-Planos subjetivos desde los ojos de un niño que están tan mal planificados, que al crío parece que le falten las piernas, ya que la cámara va dando tumbos pegada al suelo y se mueve más que un garbanzo en la boca de un viejo.

- Una persecución por un bosque rodada tan nefastamente, que parece que los personajes se tropiezan, con la cámara de nuevo enfocando al suelo, sin que puedas enterarte de una puta mierda. No sé que entiende la directora por plano subjetivo, a lo mejor es que ella, cuando camina se arrastra por el suelo.

-Interminables escenas de baile rodadas con el clítoris.
-Findlay dirige, monta, escribe, se encarga de la fotografía y mueve la cámara como una oligofrénica.
-La inolvidable gorda hermafrodita del filme "El oráculo", interpretando a una prostituta.
-También actúa Amy Brentano, habitual en la filmografía del también casposo Tim Kincaid (Robot Holocaust, La muerte ataca Nueva York).
-Un cameo de John Fasano, director de "Rock´n roll Nightmare" y de "Black Roses".
-Una casa que, a pesar de estar abandonada, se halla en un estado casi impecable.
-Una mujer encuentra un camisón abandonado desde hace una década (que por cierto está impoluto), se excita con él, y se lo prueba.

-Música estridente que no para de sonar en todo momento.

Algunos momentos para el recuerdo:
-John Fasano sale acojonado de la casa porque ha oído ruidos extraños y, antes de subirse al asiento del conductor, decide, sin venir a cuento y sin necesidad alguna de ello, dar un voltereta encima del capó. Quizá quería aportar algo de acción a una película tan lenta.
-Una chica está buscando las llaves de una furgoneta y se pone histérica, porque no sabe dónde están. Al rato, se acuerda de que las lleva en el zapato. Claro, es que es muy difícil recordar un escondite como ese, sobre todo cuando las llaves te tienen que estar haciendo trizas el pie.
-Otra de las chicas pierde las gafas e instantáneamente se cae por el hueco de la escalera y muere. Es uno de los peligros a los que se enfrenta a diario todo míope.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Esta casa me pone los pelos de punta" dice Fasano, a lo que le contestan, "Tu polla es la que los pone".

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXXI): Nail Gun Massacre (Pistola de Clavos)

2011-08-04T12:43:00.001+02:00

Título: Nail Gun Massacre (Pistola de Clavos)
Director: Bille Leslie y Terry Lofton
Año: 1985
País: Estados Unidos
Actores: Rocky Patterson, Ron Queen y Beau Leland
Género: Slasher pueblerino

Argumento: En un pueblo perdido de la América profundísima, un tipo vestido con un casco con esparadrapo y un mono de la mili, va matando con su pistola de clavos a palurdos de pueblo, rednecks varios, obreros de la construcción y demás escoria social.

Por qué hay que verla después de morir: Es una producción semiamateur rodada en un pueblucho de lo más recóndito de la América profunda (que ya es decir), de aún más profunda factura y abisales interpretaciones, donde todos los actores son paletos sin experiencia en el cine que miran a la cámara y van muriendo absurdamente. Por todo eso, hay que verla.

Alicientes:
-Actores que miran a la cámara.

-Una pistola de clavos como arma mortal.
-Asfaltos que absorben la sangre de alguien que segundos antes acaba de morir desangrado. En la América profunda, las carreteras las hacen con moqueta.
-Tetas claveteadas.
-Obreros violadores.
-Asesinatos de obreros.
-Un texto introductorio que copia descaradamente al de La Matanza de Texas.
-El psychokiller de turno tiene nombre de taladradora del Teletienda, The Nailer
-La vestimenta de The Nailer consiste en un viejo mono de camuflaje de la mili, de esos que usa tu tío cuando sale a cazar perdices, y un casco de moto con dos tiras de esparadrapo.
-Desnudos gratuitos no, desnudos regalados, de esos de "me los quitan de las manos, señoraaa".
-Una violación que en realidad es una sesión de peting, ya que a la chica no le quitan ni los pantalones.
-Gorras de lunares y camisas de cuadros redneck style, en uno de los peores vestuarios de la historia.
-Una camisa de cuadros que pulula por media comunidad de vecinos.
-Descaradísimos primeros planos de tetas, para que el espectador no pierda detalle. Y es que el director tiene más jeta que una estatua de la isla de Pascua.
-Rednecks gordos y barbudos muriendo miserablemente.
-Disparos en el codo que provocan una muerte instantánea. Todos sabemos que el codo es uno de los puntos vitales del ser humano.
-Un policía médico y un sheriff que parecen los Pepe Gotera y Otilio de la criminología, ya que investigan las decenas de asesinatos (a un ritmo de uno por hora, o algo así) sin pedir refuerzos, como si estuvieran buscando un perro perdido.
-La falta de presupuesto es tan alarmante, que el sheriff del condado conduce un coche cualquiera que ni es de policía ni lleva sirenas, ni nada.
-Clavos que desvían su trayectoria por arte de magia. El asesino ya puede estar apuntando a un pie, que el clavo va a impactar donde le salga de las pelotas al director.
-El asesino conduce un discreto coche fúnebre para pasar desapercibido.
-Un médico chulopo en ropa vaquera.
-El malo se ríe con efecto vocoder.
-También se la conoce como "Dimensión Masacre". ¿Será porque cosas tan absurdas sólo pueden ocurrir en otra dimensión o que el distribuidor tenía prisas a la hora de bautizar los 200 zurullos que distribuiría en los videoclubes ese mes?

Algunos momentos para el recuerdo:

-En una escena cualquiera que no viene a cuento de nada y que carece de continuidad con el resto de la trama (algo que se puede aplicar al 80% de las escenas de este filme, francamente), un hombre que no sabemos quién coño es y nos importa una mierda, lee a su hija un titular del periódico que le llama poderosamente la atención. "Mira, alguien está asesinando obreros de la constructora Miller" dice el desgraciado, segundos antes de que The Nailer surja de dentro de su piscina (¡!!!! así por las buenas, se estaba dando un alegre chapuzón) para someterle a un tratamiento masivo de acupuntura, que hará que la víctima caiga justamente sobre una barbacoa recién encendida, rostizando sus rollizas chichas.
-La muerte del malo, que supuestamente cae por accidente desde una grúa a varios metros de altura, pero en realidad, simplemente se deja caer sobre una colchoneta a 2 metros de distancia, como cualquier míope puede comprobar.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Tranquilícese, no podemos ir al baño sin que nos pase una bala por la cabeza, hay disparos por todas partes, no pasa nada" (esto sí que es tranquilizar a alguien que está asustado).

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXX): Ai man niu huo bing gong fu liang (Made in China)

2011-08-02T16:02:00.000+02:00

Título: Ai man niu huo bing gong fu liang (Made in China)
Director: John Liu
Año: 1982
País: España
Actores: John Liu, José María Blanco, Victor Israel, Mirta Miller, Raquel Evans, Casanova Wong

Argumento: La CIA es la escoria de este mundo y John Liu te va a convencer de ello, aunque tenga que usar cadáveres REALES en el proceso. El resto de la película, ni puta idea oigan, no traten de entenderlo.

Por qué hay que verla después de morir: Es imposible escribir sobre esta basura egocéntrica sin caer en las sentencias habituales: La mierda más grande, olorosa, viscosa y verde jamás rodada; la peor película de la historia de la humanidad y del resto de civilizaciones alienígenas; el mayor morzongo jamás expulsado por el culo pelado de un babuino retrasado... Y aún así, posiblemente estas frases se queden cortas ante la obra maestra del artista marcial (y cinematográfico) John Liu, ese mafioso sinvergüenza que dio con sus huesos en la cárcel merecidamente. Este filme esculpió su nombre en mierda en la historia del cine cutre, ya que es un collage aleatorio, diseñado a partir de pedazos de distintas películas que nunca terminó, lo que da lugar a un galimatías mongolizante, que fascina y horroriza a partes iguales, cuyo final es un atentado a la dignidad de cualquier ser humano.

Alicientes:

-John Liu dirige, escribe, produce, protagoniza, avergüenza y delinque, todo a la vez. Un portento.
-Varias actrices del Destape, pero no se destapan.
-Montada a partir de fragmentos de películas inacabadas, con las consiguientes lagunas argumentales tamaño Mar Rojo que eso significa.
-Supuestamente autobiográfica, aunque sólo bastan dos segundos de visionado para mofarse de la pedazo de trola.
-Zambia recreada en un bosque de pinos típicamente español, de esos que tanto abundan en África.
-Zambia y Playa de Aro son el mismo sitio. ¡Hasta hay carteles en catalán y todo! Y no se ve ni un negro... Hay que ver cómo han cambiado las cosas en el continente africano en los últimos 30 años.
-En otro reto actoral de los que tanto le gustan, John Liu se interpreta a sí mismo y a su hermano gemelo, James Liu.
-Publicidad descarada de comercios locales donde rodaron ciertas escenas, como "Carnicería María" o "Cerámicas Anna", de cuyos carteles, aparecen primeros planos. A saber cuánto comisionaron...
-El rostro inquietante de Victor Israel.
-Espontáneos quietos, de esos que pasaban por ahí, vieron que se estaba rodando una película en plena calle y se quedaron a mirar. Y nadie del rodaje les dijo nada...
-Es una denuncia de los abusos de la CIA y sus técnicas de control mental, gustará a los antisistema.
-Un yate en el que huye John Liu y que lleva... ¿una bandera pirata?
-Financiada por la mafia chino-barcelonesa.
-Auténticos cadáveres humeantes.
-Existe una versión subida de tono, que se vendió en el mercado internacional como Ninja Emanuelle.

Algunos momentos para el recuerdo:

-¿TODOS?
- Bueno vale, resaltemos algún momento. Lo del conejo, por ejemplo. O cuando John Liu utiliza sus poderes de relajación zen y katas diversas para sobrevivir a un magreo y una posterior mamada.
-El final. Recomiendo no seguir leyendo si uno quiere gozar al máximo de esta película. Los malos consiguen huir en un avión, pero resulta que este explota y se estrella, porque llevaba una granada dentro. Hasta aquí, todo bien. El problema se halla en las imágenes utilizadas. Para recrear esta escena, John Liu y sus secuaces, filmaron un accidente de avioneta real, que tuvo lugar en el mismo sitio donde estaban rodando y en el que murió una familia de turistas alemanes. No contentos con esto, llegaron a filmar primeros planos de los cuerpos calcinados. Es decir, lo que se ve en la película es real y los cadáveres son auténticos. En un penoso intento por arreglar semejante desfachatez, una voz en off, insertada en el metraje, dice lo siguiente: "Esta avioneta se estrelló durante el rodaje, el equipo de la película les rinde sus máximos respetos". INENARRABLE y tan jodidamente ofensivo, que sólo tienes dos opciones: cagarte en la humanidad, convertirte en un misántropo y dejar de ver la película, o, por el contrario, estallar en carcajadas, aunque eso te haga sentir un miserable. Es una situación tan inesperada, que, probablemente, la mayoría de la gente se decante por la segunda opción. Así somos.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXIX): Dragon Blood (John Liu en México)

2011-08-01T14:22:00.000+02:00

Título: Dragon Blood (John Liu en México)
Director: John Liu
Año: 1982
País: España / Taiwan
Actores: John Liu, Cyrielle Clair, Phillip Kau y Roger Paschy

Argumento: John Liu vaga y vaga por el desierto mexicano haciendo la croqueta, en busca de una antigua reliquia china, mientras varios mexicanos racistas le hacen la vida imposible a su novia pija y a su sobrino, un zampabollos con tetas de niño gordo, que acaba revelándose como el auténtico protagonista de la cinta.

Por qué hay que verla después de morir: Como todo buen aficionado al cine caspa sabe, John Liu, maestro de las artes marciales y reconocido putero en sus ratos libres, es una de las figuras imprescindibles de este mundillo, por lo que prácticamente cualquier cosa que lleve su firma, merece cierta atención. Aquí estamos ante una de sus obras cumbre, una sinsorgada pretenciosa y con aires de grandeza, rodada en las Islas Canarias como si fuera México, con cuatro extras, dos chabolas y un camello, y donde John Liu se esfuerza en vano por parecer un grandísimo actor, consiguiendo todo lo contrario.

Alicientes:

-John Liu dirige, produce, escribe y protagoniza. Todo un artista.
-John Liu se llama John Liu en la cinta. Vamos, que se interpreta a sí mismo, o eso parece, aunque la acción se desarrolle a finales del siglo XIX.
-John Liu acabó años después en una cárcel de Zaragoza por trata de blancas. Si esto no es un aliciente, nada lo es.
-John Liu rodando cual croqueta por todas las dunas del "desierto" que se encuentra.
-John Liu tiene por sobrino a un niño gordo con tetas estilo El Piraña, al que enseña artes marciales y al que apodan como "Tigre". Debe ser por su afición a los tigretones... Todo apunta a que era el sobrino de algún productor y le metieron en la cinta para hacerle un favor.
-John Liu, en el papel de ciego, realiza un impresionante tour de force interpretativo, que incluye 800.000 caretos de mongólico, muecas ridículas, aspavientos, calambres, pataletas de niño chico, tics variados y un infinito etcétera.
-En los títulos de crédito iniciales te ponen los premios de artes marciales que ha conseguido cada actor e incluso qué película les lanzó a la fama, en el caso de la chica. Un fútil intento por vendernos la burra...
-En algunos territorios se vendió como Operación Dragon II.
-La acción se desarrolla supuestamente en México, pero el filme fue rodado en las Islas Canarias, como cualquiera puede comprobar, ya que se ve el Teide varias veces a lo largo del metraje.
-Lo único que vemos de México en toda la película es una y otra vez la misma calle con cuatro chabolas y dos o tres extras con sombrero de mexicano para dar credibilidad al asunto.
-Montada con cutter y celofán.
-Camellos en México, que, como todo el mundo sabe, es un animal autóctono de ese país.

Algunos momentos para el recuerdo:

-La delirante secuencia de entrenamiento, que, entre otros ejercicios, incluye el esquivar huevos atados con cuerdas.

-El grandioso final, una interminable secuencia exageradamente dramática, en la que todos los personajes, incluídos los protagonistas, mueren tiroteadas, quedando únicamente con vida el niño Tigretón, que momentos antes protagonizó un momento estelar imposible de plasmar en texto, donde se saca un revólver Colt del ¿paquete? ¿de la panza? ¿de entre las tetas? y realiza el disparo más ridículo de la historia del cine

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXVIII): Star Crystal (Estrella de cristal)

2011-07-31T21:38:00.007+02:00

Título: Star Crystal (Estrella de cristal)
Director: Lance Lindsay
Año:1986
País: Estados Unidos
Actores: C. Juston Campbell, Faye Bolt y John W. Smith
Género: Alienxploitation

Argumento: Cuatro desgraciados con menos inteligencia que las bacterias de un mojón canino, se quedan atrapados en una nave espacial recreada en lo que parecen los túneles del alcantarillado, mientras un gusiluz gigante y hambriento les va dando caza.

Por qué hay que verla después de morir: En el fondo es la enésima exploitation de Alien, pero sobresale entre las decenas de zurullos similares, por sus múltiples ideas de bombero con las que trata de innovar y dar una vuelta de tuerca a la premisa clásica de gente atrapada con un bicho, logrando un grandísimo ejemplo de película inintencionadamente hilarante, de esas que a medida que avanzan, van dando más y más vergüenza ajena.

Alicientes:

-Marte tiene el cielo azul y está recreado en cualquier desierto de Alabama, por ejemplo.
-Trajes espaciales nada herméticos (los cascos van sin sujeciones de ninguna clase), tuneados con celo y bolsas de basura.
-En el futuro, la Cocacola viene en frascos de agua oxigenada.
-Una roca espacial, supuestamente llena de circuitos electrónicos, que parece el trabajo de plástica del día del padre de un niño de cuatro años.
-Un personaje que, en apenas cinco segundos (sí, cinco segundos), cambia su casco espacial por una gorra al revés. Nunca hay que perder la clase ni el estilo.
-Banda sonora de película erótica.
-Una de las tripulantes parece un cruce entre Joaquín Luqui y Tamariz recién levantado de la cama.
-Una mesa con ¿una letrina? en medio.
-Actores con caretos de circunstancia, de esos que no sabes si se están preguntando qué viene ahora o qué coño hacen trabajando en esta película.
-Una estación espacial recreada en un edificio de oficinas cualquiera, con escalerillas automáticas de centro comercial.
-Una rubia increíblemente lerda, como mandan los cánones, a la que asignan las complicadas tareas de cocina a bordo de la nave, que incluyen la elaboración de nutritivos sándwiches.
-Los impracticables pasillos de la nave espacial parecen túneles de alcantarillado, por los que es necesario andar agachado... ¿pero dónde puñetas han rodado esto?
-El monstruo es como una versión hardcore de los muñecos Gusiluz, con bombilla dentro y todo, cuyos tentáculos parecen chistorras más largas de la cuenta.
-Incluye un temazo popero llamado "Crystal of a star", interpretado por una tal Indira y que es resaltado por todo lo alto en los títulos de crédito finales, por encima de otros aspectos "menores" como el director, el guionista o el reparto.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Las personas atrapadas en la nave son dos hombres y tres mujeres, y cuando toca repartirse las tareas de supervivencia del grupo, los machos son asignados para pilotar y dirigir la nave y las hembras, como es de esperar, de racionar la comida y cocinar sándwiches.
-Los protagonistas afirman, con profundo pesar, que apenas hay suministros de comida y bebida en la nave, por lo que les resultará complicado aguantar vivos hasta la siguiente estación espacial. Dos minutos después, el capitán y el segundo de a bordo están pillándose un pedal a base de birras en la cabina.
-El capitán sufre la rabieta más ridícula desde la de aquel chaval de Youtube que se metía un mando por el culo tras perder su cuenta del WOW.
-En un giro argumental absurdo, el malvado Gusiluz satánico, que ya lleva varios cadáveres en su bodycount, accede a los archivos de la nave, se lee la Biblia y se convierte en bueno.

Algunas frases para el recuerdo:
-"Cuando era niña, solía dormir bajo las estrellas y me preguntaba quién viviría en esas estrellitas brillantes"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXVII): Plook mun kuen ma kah (Thai Zombie Dragon)

2011-07-31T13:03:00.003+02:00

Título: Plook mun kuen ma kah (Thai Zombie Dragon)
Director: Panna Rittikrai
Año: En algún momento de los 90 o incluso antes...
País: Tailandia
Actores: De esos que no vas a volver a ver en tu vida.
Género: Cine rural de artes marciales

Argumento: Un montón de chinos (bueno, tailandeses) se van de fin de semana al campo a practicar vudú y resucitar cadáveres y como no ocurre nada interesante y son chinos, comienzan a darse de tollinas hasta en la foto del bonobús.

Por qué hay que verla después de morir: Por aquello de diversificar y poder afirmar que uno ha visto todo tipo de cine, merece la pena echarle valor y atreverse con este producto exótico y extremadamente marginal, destinado a su proyección por aldeas tailandesas, que constituían el principal mercado de esta clase de mierda a principios de los 90. Así, pescadores y ganaderos degustaron con fruición una película en espectacular formato manta-cine (una sábana y arreando) que dio pie a una saga de cuatro películas, en la que, en su cuarta entrega, llegó a participar el mismísimo Tony Jaa.

Alicientes:

-El poster aquí expuesto no es el de la película. Es más, probablemente no tenga nada que ver. Es que no había otra cosa por ahí..
-En estos tiempos de la Internet, es casi imposible obtener información sobre este chorongo oriental, lo que es un claro indicativo de su extrema rareza. ¿Eso no es suficiente aliciente?
-No está en la IMDB (por ahora).
-El director es conocido por descubrir a grandes figuras de las artes marciales como Tony Jaa o JeeJa Yanin.
-Peleas interminables en un bosque.
-Es la primera película de una prolífica saga en la que los protagonistas siempre vagan por el campo buscando artefactos mágicos.
-Genuino humor tailandés, que incluye voces aceleradas, cámaras rápidas a cascoporro para intensificar los momentos cómicos (lo que sólo logra acentuar la vergüenza ajena) y chistes de pedos. Bueno, esto último entra la categoría de humor universal.
-Un zombi karateka y un vampiro chino. Y además se dan de ostias.
-A pesar de que los personajes dan vueltas y vueltas por el bosque, las peleas siempre tienen lugar en el mismo llano. Se ve que era el único sitio donde poder colocar el equipo de grabación.
-Buenas coreografías. ¿He escrito buenas? SÍ.
-Por momentos parece el vídeo de unos colegas disfrutando de un picnic.
-En el campo donde se desarrolla la acción sólo faltan las mesas de merendero.
-El "Final countdown" de los Europe robado vilmennte y otras tantos temas hardrockeros.
-En lugar de alguna clase de aparato de última tecnología, los malos utilizan lo que parece un sobrecito de espidifén en polvo para transferirse los poders del zombi y del vampiro.
-Un reloj calculadora, que además tiene un papel vital en la trama.
-Más saltos que en una competición olímpica o una película de vampiros chinos... Ah, espera, que aquí también hay vampiros chinos...
-La cuarta entrega de esta saga fue bautizada en el mercado internacional como Spirited Killer. Debido al éxito, cogieron el truño aquí comentado y, en la mejor tradición tocomochera, lo renombraron como Spirited Killer 2. Así, con dos cojones y muy poca vergüenza, vendieron el primer capítulo como el quinto, logrando la primera saga de películas que nunca acaba, ya que cuando llegas a la última, ¡todo vuelve a empezar! Acojona...
-Patatas, ¿mocos? y arroz que explotan cuando son lanzados. Y es que en este película todo es susceptible de explosionar.
-Precisa de la colaboración de un criptógrafo para descifrar el incomprensible argumento

Algunos momentos para el recuerdo:

-La pelea en la que un chino se pone a cagar, literalmente, mientras esquiva las patadas y puñetazos de sus enemigos.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXVI): Warrior of the Lost World (El Guerrero del Mundo Perdido)

2011-07-10T16:32:00.001+02:00

Título: Warrior of the lost world (El Guerrero del Mundo Perdido)
Director: David Worth
Año: 1983
País: Italia / Estados Unidos
Actores: Robert Ginty, Persis Khambatta, Donald Pleasence, Fred Williamson

Argumento: El mundo que conocemos se ha ido a la mierda por enésima vez y por trillonésima vez son los italianos los encargados de contarnos la misma vaina de siempre, con un justiciero motorista que ha de acabar con un gobierno mundial autoritario, copiando Mad Max, 1997: Rescate en Nueva York y todo el repertorio de filmes postapocalípticos que se les pase por ese contenedor de basura que nuestros vecinos del Mediterráneo tienen por cabeza.

Por qué hay que verla después de morir: Ah, por qué. La eterna pregunta del aficionado al cine basura. Es como preguntar por el sentido de la vida. Qué se yo. Quizá porque es uno de los ejemplos más baratos, chapuceros y menos recordados del subgénero postapocalíptico, lo que hace más entrañable si cabe a este filme rodado en descampados y repleto de rostros conocidos de la serie Z. Igualmente, el desvergonzado uso que se hace de los efectos de sonido y la constante sensación de que se rodaron las cosas tal cual se les ocurrían, como cuando uno filma un corto con los colegas, la convierten en una película perfecta para martirizar a tu familia y amigos.

Alicientes:

-Que no os engañe el nombre de David Worth (realizador de "Kickboxer", la de Van Damme, entre otras maravillas) a la dirección, la producción es 100% spaghetti.
-La presencia de la versión femenina del coche Kitt, que en este caso es una motocicleta tuneada con cartones que va de enrollada y a la moda, con frases como "Vaya tomate" o "Qué gentuza", que le hacen parecerse a tu madre cuando intenta ir de moderna.
-Un texto infinito al comienzo del filme que parece una novela a medio terminar.
-El mismo efecto de sonido puede servir para objetos tan similares como una metralleta, las aspas de un helicóptero e incluso una sirena de policía. Economía de recursos lo llaman.
-Se rumorea que empezó a filmarse a partir del poster promocional y sin ningún guión (hecho científicamente demostrable si se analiza la película).
-Donald Pleasence haciendo otra vez de villano en una subproducción italiana, y además va vestido con el mismo puto traje que robó de la saga de James Bond, cuando interpretó a Blofeld, el líder de Spectra. Sólo le falta el gato.
-Rodada en descampados y naves abandonadas.
-Los secuaces del malo parecen bomberos con gafas de jugar al paintball.
-La Resistencia Humana está formada por una especia de secta buenrollista cuyos miembros van vestidos con sábanas blancas y cantan canciones cogidos de la mano. Aterrador, dan más miedo que los propios villanos a los que pretenden derrotar.
-Robert Ginty como protagonista, esa versión desganada de Mickey Rourke (que ya es decir) que tan buenos y malos momentos nos regaló en la saga "The Exterminator".
-Y como el asunto va de clones desganados de actores, ahí tenemos a una versión sin carisma de Clint Eastwood.
-También aparece el héroe blaxploitation Fred Williamson.
-Asimismo sale la, en paz descanse, actriz Peris Khambatta, especialista en el género gracias a cositas como Megaforce o Phoenix The Warrior.
-Una explosión de un coche que repiten con descaro varias veces desde diferentes ángulos a lo largo de la película.
-Unos protagonistas que se dedican a reclutar útiles punkis, yonkis y borrachos para su ejército.
-Se supone que todo se ha ido a la mierda, pero, entre otras cosas, los buenos tienen gasolina y artefactos de última tecnología.
-Un helicóptero abierto, con combustible, las llaves puestas y detenido en medio de la nada que nuestros héroes encuentran por casualidad cuando están huyendo de los malos. Yo una vez me encontré un billete de 50 euros, aunque me temo que no es comparable...
-Coches que explotan al salirse de la calzada ya que, como todo el mundo sabe, las cunetas del futuro estarán repletas de minas antitanque.

Algunos momentos para el recuerdo:

-El prota conduce su moto entre unas plantas y arbustos y para hacerlo más creíble, vemos un primer plano de su cara y cómo los miembros del equipo de rodaje se la golpean con unas ramas desde fuera de cámara.
-La delirante celebración final tras derrotar al malo, que parece una gala benéfica de tres al cuarto rodada en un almacén del Ikea, con el público sentado en estanterías vacías y un escenario en el que sólo faltan José Luis Moreno y Manolito Royo contándose unos chistes.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXV): Sangraal, la espada di fuoco (La espada salvaje de Krotar)

2011-06-18T22:04:00.004+02:00

Título: Sangraal, la spada di fuoco (La espada salvaje de Krotar)
Director: Michele Massimo Tarantini
Año: 1982
País: Italia
Actores: Pietro Torrisi, Yvonne Fraschetti, Hal Yamanouchi, Mario Novelli, Sabrian Siani

Argumento: Una maciza de pechos generosos, un chino perdido y un maromo que no se llama Krotar sino Sangraal, recorren la misma campiña una y otra vez durante más de una hora despachando a golpe de cartón a todos los enemigos que se les cruzan, en lo que parece una partida de rol en vivo organizada un domingo en el campo.

Por qué hay que verla después de morir: Recononozcámoslo, esta infame exploitation de Conan rodada con billetes del Monopoly se hace pesada y repetitiva debido a sus interminables paseos por la campiña, sus peleas rutinarias y sus personajes más huecos que el coño de la Bernarda, pero determinados momentos extremadamente ridículos, que se concentran sobre todo en el tramo final, la salvan de la quema y la convierten en una digna experiencia para sufrir con los colegas.

Alicientes:
-Un título en castellano que nos retrotrae a una de las cumbres hispanas del comic: Tronak el Kárbaro de Superlópez
-Un narrador (el de David el Gnomo) que habla más que un anuncio de Spotify y que sólo suelta obviedades dignas de Perogrullo revestidas de trascendencia
-Un prólogo plagado de nombres absurdos y miles de referencias, que es tan comprensible como ver el inicio de El Señor de los Anillos en chino mandarín
-Macizorras italianas y maromos sin camiseta
-Un chino que es como Bruce Lee pero desnutrido
-El padre del protagonista se llama Ator
-3/4 partes del rodaje acontecen en la misma y desolada campiña, hasta tal punto que, aunque los personajes recorren cientos de kilómetros, parece que estén dando vueltas en círculo
-Descojonantes referencias a los caballeros templarios en una película que supuestamente ocurre en una época olvidada o desconocida
-Planos gratuitos de culos
-El arma definitiva diseñada por los dioses es una impracticable ballesta gigante bastante chunga que parece un tirachinas. Cuando el protagonista la coge, parece poner cara de "¿y qué cojones hago yo con esta cosa?". Casi tan ridícula como la espada que sostenía Cuneyt Arkin en la versión turca de Starwars.
-No se ve a Krotar por ningún lado y tampoco a su espada "salvaje". Se ven varias espadas, pero todas de lata.
-Algunos malos van equipados con rastrillos tuneados y mueren cuando les rozan el costado con el arma.
-Hechiceras de verdad, de las que enseñan las tetas. Y es que, como bien nos ha enseñado el género de espada y brujería, no se es una auténtica bruja si no se muestran las domingas.
-Un protagonista que da lo da todo por su pueblo y les convence con sus soflamas comunistas. Si hasta lleva una trenza como buen perroflauta.
-Una imitación de los morlocks con trapos en la cara
-Obsesión por los planos contrapicados
-Caníbales que hablan al revés, como la niña de El Exorcista
-El malo lleva un casco que parece un pavo real
-¿Pero ese poster de mierda es auténtico?

Algunos momentos para el recuerdo:

-Cuando los protagonistas se protegen de una tormenta de arena con un mantel que apenas les cubre. La verdad es que tiene sentido, porque la tormenta sólo arrastra cuatro guijarros mal contados y no deja restos de arena en los personajes.
-El trío protagonista cae a un río y se ponen a revolverse gratuitamente por el agua como si estuvieran siendo arrastrados salvajemente por una atracción del Aquopolis. Le echan tanto cuento que, como antes se señaló, parece rol en vivo.

Algunas frases para el recuerdo:

-"Las fuerzas del mal solo engendran maldad, más el bien, antepone la bondad" (el narrador del filme, revelando la verdad definitiva)

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

El honor perdido de Harrison Ford

2011-06-04T16:15:00.016+02:00

Revisando Único testigo y Frenético, dos filmes de los 80, su época dorada, que hasta ahora sólo había visto a medias, la incógnita sobre por qué motivos se truncó tan prematuramente la carrera de Harrison Ford regresó a mi cabeza.

Para Carlos Boyero, los grandes actores, al menos sus preferidos, son los que logran expresar mucho con poco. Con esa afirmación estaba aludiendo a los de siempre: Bogart, Mitchum, Gary Cooper... Aquellos despojados de Stanislavski. Los que, por dones innatos, eran capaces de llenar la pantalla con su sola presencia.

Creo firmemente que Ford pertenecía a aquella categoría. Y sólo necesito recurrir a los dos filmes en cuestión para probarlo. Se puede apreciar en momentos como cuando sale en defensa de los Amish, su familia adoptiva, para ajustar cuentas con un grupo de alborotadores pese a que supone romper con las estrictas costumbres de la comunidad en la película de Peter Weir; o el encanto que despliega en su baile con Kelly McGillis; o su facilidad para empatizar con el personaje de Lukas Hass, el niño testigo del crimen.

Tres años después en Frenético, pasa del policía duro a interpretar a un ciudadano de a pie angustiado por la misteriosa desaparación de su esposa en una ciudad y un país que le son ajenos. Su inseguridad, su miedo y su ira interna están tan magistralmente esbozados que nos hace completamente creíble la construcción del personaje y su evolución, y nos regala momentos de gran emoción contenida, como la llamada desde el hotel a sus hijos en la que les oculta la verdad.

La economía de gestos, esa sobriedad y eficacia que Ford desplegaba ante la cámara están al alcance de muy pocos, así como sus dotes para conectar con el gran público y su carisma para cargar con el peso de toda una película sobre sus hombros.

Decía Jack Nicholson, refiriéndose a Harrison Ford, que un actor capaz de lograr esa conexión con la audiencia tiene que ser bueno de verdad, que en eso no hay vuelta de hoja. Y es cierto. Un cualquiera no sería elegido para encarnar a Han Solo, Rick Deckard, Henry Jones Jr., John Book, Richard Kimble o tantos otros sin ser un intérprete solvente, más allá de un reclamo para la taquilla.

El hecho de pertenecer al grupo de los elegidos, el modelo de tantos valores, hacía pues muy difícil imaginarle como el villano de la función. Y de hecho nunca lo fue (salvo aquellos escasos minutos de conjuro en Indiana Jones y el templo maldito). Luego lo sería con más peso en la inane Lo que la verdad esconde, un ejemplo constatable de su otoño actoral.

¿A cuento de qué comenzó la cuesta abajo? Sencillamente, hubo un momento en que Ford perdió el criterio. Se acomodó. El cine dejó de ser para él un arte al que honrar y contribuir y pasó a ser un medio para vivir bien. No quiso volver a asumir ningún personaje que entreñara riesgos, que le alejara de los terrenos cómodos y ya conocidos para él. Entre otros, se negó a interpretar el papel que luego encarnó Michael Douglas en Traffic, por poner un ejemplo.

La crisis creativa global del séptimo arte afecta a todos, pero en verdad entristece ver a figuras de gran calibre arrastróndose por la pantalla. Algunos actores han sabido reducir sus proyectos y apostar por trabajos más espaciados, pero elegidos con mayor discernimiento. No es el caso de Ford.

Por otro lado, y a nivel personal, el héroe íntegro dejó a su mujer, la guionista de E.T. Melissa Mathison, y a sus tres hijos para liarse con la también actriz Calista Flockhart. Sus percepciones, definitivamente, estaban cambiando.

Sé que sigue haciendo de películas de mayor o menor aceptación entre el público, pero su último gran trabajo para un gran título fue en El fugitivo. Hablamos del año 1993.

Después de aquello, regresó al papel de Jack Ryan en la segunda parte de Juego de patriotas, una decisión más o menos entendible, pero carente de cualquier riesgo; y siguió años posteriores con filmes insustanciales como el fallido remake de Sabrina a las órdenes de Sydney Pollack (donde no hizo olvidar a Bogart); thrillers muy irregulares como La sombra del diablo (de Alan J. Pakula, que le había dirigido en Presunto inocente), la patriotera Air Force One o Firewall; la ligera Seis días y siete noches; la melodramática Caprichos del destino; el refrito de terror ya aludido de Lo que la verdad esconde, o comedias complacientes como Hollywood: departamento de homicidios y Morning glory.

Pero es Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal el filme que mejor ejemplifica lo que estamos hablando. La resurrección del querido personaje vino a ser una maniobra vacía de fondo con una historia que repetía esquemas hasta llegar a rozar la parodia. Un Harrison envejecido y entrado en carnes no supo retomar el dinamismo y la vis cómica de antaño, dando como resultado un relato sin capacidad de enganche, infantilizado y fantasioso en las fronteras del ridículo.

Las frustraciones añorantes del pasado comunes a Ford, Spielberg y Lucas, quienes no pasaban por su mejor momento, se juntaron de nuevo para llevarse dinero fácil al bolsillo entregando muy poco a cambio. A ninguno pareció importarles traicionar el recuerdo de una trilogía ejemplar.

Para volver a disfrutar del saber hacer del viejo Harrison Ford (en este caso, el joven), habrá que acudir a sus trabajos antiguos. Personalmente, no espero el resurgimiento de la estrella después de que hayan pasado casi 20 años de devaneos y trabajos meramente alimenticios.

Aun así, su influencia en el cine contemporánea es grande, y goza de muchos pupilos. Si hay alguien que me recuerda a él en el panorama cinematográfico actual ese es Matt Damon, un actor al que no se le adivinan demasiados recursos dramáticos, pero que se beneficia de su imagen y sabe hacer de la eficacia su bandera.

Y no sólo eso: al igual que el Harrison joven, Matt tiene visión para los grandes proyectos, historias con posibilidades más allá de la pura comercialidad, y con nombres importantes detrás de la cámara. Ford estuvo a las órdenes de Coppola, Aldrich, Spielberg, Scott, Weir, Polanski o Nichols. Damon, hasta ahora, de Coppola, Spielberg, Soderbergh, Scorsese, Eastwood o los Coen.

El que empezó siendo carpintero de rodajes hasta que fue catapultado al éxito por George Lucas tiene pendiente el estreno de Cowboys & Aliens, título que no augura grandes cosas y cuyo argumento se inspira en un famoso cómic, y se especula que volverá a agarrar el látigo para la quinta parte de la saga del arqueólogo venido a menos.

Resulta difícil decirle esto al icono de tu infancia. Pero, señor Ford, ¿para cuándo una tardía retirada a tiempo?

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXIV): El gato con botas

2011-05-27T02:09:00.001+02:00

Título: El gato con botas
Director: Roberto Rodríguez y Manuel San Fernando
Año: 1961
País: México
Actores: Santanón, Antonio Raxel and Humberto Dupeyrón

Argumento: Un niño pastor fetichista de los guantes, se queda prendado de la princesita de turno, quien pasa por serios problemas, ya que un ogro malvado y "transformista" está extorsionando a la Corte. Para ligarse a la chavala, el pastorcillo recurrirá a la ayuda de una vieja harapienta que vive rodeada de bolsas de plástico, quien transformará a su mascota en el deforme y audaz Gato con botas.

Por qué hay que verla después de morir: Una revisión psicotrónica del famoso cuento, con una serie de añadidos bastante perturbadores, muy típicos de la filmografía del mexicano Roberto Rodríguez, como son ciertas referencias sexuales y crueldades de todo tipo, de las que convierten a tiernos infantes en potenciales asesinos en serie. Se trata de uno de los filmes más complicados de ver de esta colección ya que, además de ser extremadamente bizarro, está dirigido a niños muy pequeños, y pocos adultos están dispuesto a enfrentarse a algo así. Pero con cierto aperturismo mental y la predisposición adecuada, se puede pasar un rato muy divertido ante tanta insensatez. Se me olvidó mencionar que mientras redactaba esto, escribí sin querer "El gato con bostas", así, con la letra ese. Quizá ese sí que sería un nombre muy aproiado.

Alicientes:

-Disfraces y atrezzo descaradamente reutilizado de otras películas de la misma productora.
-El típico bosque que por la noche se llena de criaturas y peligros, sólo que en esta ocasión esos peligros son: ¿aborígenes con caretas? ¿payasos que salen de dentro de los árboles? ¿¿pero esto qué coño es??
-Un gato con botas que no tiene reparos en entregar a su amigo el Gallo Parlante para que la Corte se lo coma, si con eso logra cumplir los objetivos de su amo el pastorcillo.
-Fetichismo de los guantes.
-Un gallo gigante y parlante con botas de lluvia por pezuñas.
-Disfraces de Sexto de primaria.
-Ciertas referencias sexuales (tanto sutiles como descaradas) que muchos considerarían inapropiadas en un filme de este tipo.
-Crueldades varias bastanta pasadas de rosca.
-Una cueva mágica con bolsas de basura de distintos colores colgadas del techo y estalactitas de cartón recubiertas de papel film.
-Un gato con botas de cabeza deforne hecha con trozos de algodón mal pegados.
-Un rey que desconoce hasta dónde alcanza su reino y así le pueden engañar sobre la propiedad de unas u otras tierras.
-Cables que no se han molestado en esconder lo más mínimo para permitir a los personajes saltar o volar.
-Secuencias a cámara rápida al estilo Benny Hill. Si una secuencia no hace ni puta gracia, lo hará pasándola a cámara rápida. Es una de las máximas de todo buena cineasta.
-Canciones horripilantes y compuestas en una noche de borrachera.
-Una Corte que se muere de hambre sin necesidad, ya que tanto el niño como el Gato no tienen problemas en cazar todo tipo de animales en el bosque.

Algunos momentos para el recuerdo:

-Cuando el bondadoso rey, en toda su magnificencia, manda ejecutar al bufón real porque el Gallo parlante le hace más gracia. Esto sí que es un rey justo y bueno.
-Cuando el gato, antes de convertirse en el engendro gigante con botas, le habla a su amo. Se ve perfectamente a un gato a su puta bola mirando en cualquier dirección mientras una voz en off intenta hacernos creer que se está dirigiendo al pastorcillo.
-El final, cuando el hada madrina adelanta el tiempo para que el pastorcillo y la princesa crezcan y puedan casarse. Seguro que en el prceso se murió media corte, porque casi todos eran ancianos.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XXIII): Treasure of the four crowns

2011-05-25T22:33:00.001+02:00

Título: Treasure of the four crowns (El tesoro de las cuatro coronas)
Director: Ferdinando Baldi
Año: 1983
País: Italia/España/Estados Unidos
Actores: Tony Anthony, Ana Obregón, Paco Rabal, Gene Quintano, Jerry Lazarus

Argumento: Un ¿arqueólogo? ¿antrópologo? ¿gitano greñudo buscando chatarra para revenderla? vestido con la chupa de Michael Jackson en Thriller deberá infiltrarse en un inexpugnable castillo de Cuenca para conseguir el tesoro de las Cuatro Coronas, que luego en realidad son tres, porque la cuarta no aparece en ningún momento de la película. Contará con la imprescindible ayuda de un payaso gordo con problemas de corazón, Ana Obregón en sus años mozos, un borracho y un bigotudo bastante inútil.

Por qué hay que verla después de morir: Esta exploitation a la española de Indiana Jones rodada en 3D, se hace interminable por la extrema duración de unas escenas en las que no ocurre absolutamente nada durante minutos y minutos, Pero todo queda compensado por lo ingenuo y ridículo de su puesta en escena, y por un clímax final descontrolado y enloquecido de esos que te hacen recordar por qué ver películas de mierda es una actividad que merece tanto la pena.

Alicientes:

-Trozos de mierda (sí, trozos, nada de manchas) incrustados en la lente de la cámara en numerosas escenas y que nadie se molestó en limpiar. A veces parecen berrugas o costras en la cara de los actores.
-Música de Ennio Morricone. A saber cómo le engañaron.
-Castillos de Cuenca y la plaza de Chinchón como entornos perfectos para el desarrollo de emocionantes aventuras.
-Un villano que tiene su guarida en un "monte desconocido". Por lo visto, en los 80 aún quedaban montañas en España por cartografiar.
-Objetos irrelevantes mostrados en primerísimo plano, con el propósito de aprovechar al máximo la tecnología 3D con que fue rodado el filme. Así encontramos arneses en 3D, sartenes en 3D, velas en 3D, abrecartas en 3D y ya en un nuevo nivel de vergüenza ajena, panderetas en 3D.
-Planos repetidos innecesariamente hasta tres o cuatro veces para enfatizar los momentos de acción.
-Cables perfectamente visibles moviendo objetos que supuestamente levitan.
-Efectos de sonido en los momentos de destrucción que parecen hechos con alaridos de monos, gemidos de focas, una cafetera a punto o la alarma de un coche.
-Paco Rabal interpretando a un payaso con boina bastante inútil.
-Ana Obregón luciendo palmito..
-20 primeros minutos en los que no hay ni un solo diálogo. Puro cine de auteur.
-Un texto al más puro estilo Starwars al comienzo del filme.
-Peligrosos objetos que caen torcidos y jamás darían al protagonista, pero aún así el héroe se empeña en esquivarlos.
-Una cama elástica estratégicamente escondida.
-Una chaqueta a lo trhiller que sería el equivalente inconográfico a la chupa o el sombrero de Indiana Jones.
-Pelo que explota cuando se le prende fuego. Debe ser la laca.

Algunos momentos para el recuerdo:

-El plano final, donde tiene lugar el inexplicable nacimiento en un pantano de un monstruo con pinta de mojón gigante, en lo que parece una escena eliminada de un filme absolutamente distinto. Esto sí que es terminar una película en condiciones y quedarse tan pancho.
-La exasperante secuencia de los arneses, en la que los personajes permanecen colgados de un techo sin que ocurra nada de interés.
-Tony Anthony agitando alocadamente las manos poseído por San Vito.
-El plagio a la inolvidable escena de la bola gigante de Indiana Jones, sólo que esta vez la bola le llega al prota por las rodillas, aunque lo compensa el hecho de que tenga fuego.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Los jugadores juegan donde quieren. Y si les bajas la cláusula, seguro

2011-05-25T00:10:00.002+02:00

Ríos de tinta está generando el anuncio de Sergio "Kun" Agüero de su intención de abandonar el Atlético de Madrid este verano. La mayoría de la afición anda indignada, pues ven cómo su gran estrella, su "jugador franquicia" decide hacer las maletas en busca de títulos y estabilidad. No obstante, es imposible que esto haya cogido por sorpresa al seguidor de fútbol, y más si sus colores son los rojiblancos. Desde principios de año, varios medios de comunicación ya sostenían que el Kun saldría en junio del Atleti, y no se han equivocado. Una tragedia para un club necesitado de jugadores que marquen la diferencia, y que en apenas una semana se ha despedido de su entrenador, Quique Sánchez Flores; de Agüero; y muy probablemente tenga que decir adiós a su portero De Gea y a su otra figura inernacional, Diego Forlán.

Ante las insistentes preguntas de los periodistas sobre la salida del argentino, a lo largo del año el presidente del Atlético de Madrid, Enrique Cerezo, repetía una y otra vez "los jugadores juegan donde quieren". Muy cierto, es difícil que un futbolista que desea y pide expresamente marcharse no lo consiga, pues si se queda la situación puede tensarse hasta extremos insospechados, y la mayoría de los clubes acaba cediendo para no quedarse con una patata caliente durante la temporada. Pero Cerezo, muy hábil a la hora de echar balones fuera, manipula la verdad. Y es que cuando se renovó a Agüero el año pasado, se le rebajó la cláusula de rescisión de 60 a 45 millones de euros. ¿Por qué si tienes a un jugador que está a gusto, que es tu emblema, que se ha convertido en estrella le rebajas la cláusula, poniéndoselo fácil al resto de equipos? Pues sencillo, porque tenían intención de verderlo.

El Kun ha sido muy querido por la afición, ha sido el mejor pagado de la plantilla con una ficha que rondaba los 6 millones de euros y auque esta temporada no ha levantado ningún título, sí lo hizo la pasada con la Europa League y la Supercopa de Europa. ¿Por qué, entonces, quiere marcharse el Kun? Pues porque después de cinco temporadas ve que su progresión en el equipo colchonero no da para más. Ve cómo el club en que juega se conforma, siendo el tercer equipo de España en títulos y aficionados, con quedar en una séptima posición indigna de un club de la historia del Atleti. Y sobre todo, se va, porque sus dirigentes quieren que se largue.

Es así de simple. Cerezo, presidente; y Gil Marín, consejero delegado; quieren la pasta por su traspaso y adiós muy buenas. Si no, como decía antes, no le rebajas la cláusula a tu estrella. ¿Alguien ve normal que si el Madrid renovara a Cristiano, le rebajara la cláusula de rescisión a 45 millones; o el Barça hiciera lo propio con Messi? No, porque Madrid y Barça quieren conservar a sus estrellas en busca del máximo rendimiento deportivo de sus entidades. El Atleti, por raro que pueda parecer, no. Cerezo y Gil, que se hicieron con el club de manera ilegal según el Tribunal Supremo, tienen al club como su coto privado con el que mercadear a placer y sacar toda la tajada posible con los fichajes. Por eso, en vez de hacer un equipo ganador y quedarse con aquellos jugadores que marcan diferencias y que pueden hacer ganar títulos, deciden venderlos al mejor postor y traer futblistas de medio pelo que saldrán por la puerta de atrás sin que nadie les eche de menos.

Lo fácil, es demonizar al Kun, montar la película de que es un mercenario, de que no se puede hacer nada por retenerlo. Sí que se puede: haciendo un proyecto serio, fichando bien y con perspectivas ambiciosas. Pero lo fácil es venderlo, y hacer el paripé de que "nos han pagado la cláusula y no se puede hacer nada". Lo mismo pasa con De Gea, portero criado en la cantera (aun con más valor que el Kun, pues encima es de la casa), al que van a vender al Manchester por 25 míseros millones de euros. A un chico que no tiene 20 años y que está llamado a ser el próximo portero titular de la Selección en cuanto Casillas cuelgue las botas. Pues para amansar a la afición, Gil Marín y Cerezo empiezan a intoxicar el ambiente con sus periodistas a sueldo, como Manolete, para poco menos que inocular en la afición la idea de que De Gea es una mierda de portero y que 25 millones es una pasta irrechazable. Lo peor es que más de uno, en vez de pedir la cabeza de Gil Marín y Cerezo, va y se lo cree.

Con esta perspectiva, ya me dirán qué futuro tiene el club rojiblanco para la próxima temporada. Es cierto que va a recibir una buena pasta por dos de sus estrellas, pero ya veremos cómo invierten ese dinero sus dirigentes. La afición en cualquier caso, no debería quedarse callada ante lo que es la enésima tomadura de pelo de sus dueños (¿alguien ha dicho Torres?).

Porque esa afición, no debería permitir que año tras año se juegue con sus ilusiones, que tengan que conformarse con un séptimo puesto y a seguir con la cantinela de "el pupas". Ya basta de permitir que dos señores se rían en su cara, y poco menos que haya que darles las gracias. El problema no es que el Kun quiera marcharse (con todo su derecho), sino que los que mandan no hagan nada por evitarlo, e incluslo le abaran las puertas y le pongan un lacito. Hay dos tumores que deben ser extirpados del Atlético de Madrid, son Gil Marín y Cerezo. Y cuanto antes mejor.

Dani Medina

Cinebasura de Canal Plus Xtra invita a Cinecutre a su programa este viernes

2011-05-17T23:07:00.002+02:00

Vamos con una ración de spam. Yo, webmaster de Cinecutre.com y creador de la serie "1.001 Películas que hay que ver después de morir", la cual podéis leer en este mismo blog, he sido invitado el viernes 20 de mayo a partir de las 22.30 junto a Cacaman al programa Cinebasura de Canal Plus Xtra, donde comentaremos en directo una película mierdera, El tesoro de las cuatro coronas, junto a Viruete y Paco Fox, los responsables de Videofobia.

Prometemos diversión de la buena con nuestros estúpidos y delirantes comentarios. Y lo mejor de todo es que podéis ver el programa GRATIS Y EN DIRECTO a través de esta dirección: http://www.canalplus.es/Cine-Basura, donde también podréis colgar comentarios usando vuestra cuenta de Facebook.

Tenéis mucha más información sobre este evantazo aquí: http://www.cinecutre.com/index.php?modulo=portada&opc=2&id=1011&seccion=3

Carlos Palencia

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XXII): Puma Man (El Hombre Puma)

2011-05-11T01:37:00.001+02:00

Título: Puma Man (El Hombre Puma)
Director:Alberto de Martino
Año: 1980
País: Italia
Actores: Walter George Alton, Donald Pleasence, Miguel Ángel Fuentes y Sydne Rome

Argumento: Un superhéroe intergaláctico vestido con un poncho peruano y llamado el Hombre Puma, que ni es medio puma, ni tiene los poderes de este animal, ni nada que se le parezca, tendrá que salvar el planeta Tierra del enésimo doctor malvado y rescatar a la tía buena de turno, todo a ello a ritmo de Casiotone.

Por qué hay que verla después de morir: A primera vista engaña y durante la mitad del metraje parece una cosa muy mediocre que no merece la pena ni destacar, a pesar de unos cuantos detalles muy risibles. Pero luego la cosa va creciendo y acaba convirtiéndose en el festival de la vergüenza ajena y el cutrerío, en unos 20 minutos finales de escándalo que amortizan el visionado, gracias a los cutreplanos superpuestos, las camas elásticas escondidas fuera de plano y la omnipresente melodía de organillo.

Alicientes:

-Un superhéroe que lo mismo se viste con un poncho a lo indígena sudamericano, como se pone una capa y una camiseta de licra, sin quitarse los pantalones de vestir ni los MOCASINES.
-¿He hablado ya de lo melodía de organillo? Una música de mierda que encima tiene reminiscencias del himno del PP

-Súper poderes que van de lo surrealista a lo mongólico

-Puede ver en la oscuridad, volar, viajar astralmente, teletransportarse... ¿alguien puede explicar qué cojones tiene que ver esto con un puma?

-Se llama Puma Man como podía haberse llamado Cocido Man o Pollo Man

-El protagonista tiene un sentido arácnido que le advierte del peligro y cuando se activa suenan... sí, 3 o 4 teclas de organillo, cómo no.
-El Richard Kiel de Quito como invitado de excepción.
-Donald Pleasence haciendo de villano chungo y probándose todo tipo de ridículos trajes de cuero.
-Las peores escenas de vuelo jamás concebidas por un enfermo mental. Además, el prota flota por el aire como un pato mareado y con el mismo estilo que un niño gordo chapoteando en una piscina de plástico.
-El doctor malvado se hace llamar Cobras (el culebras para los amigos) y controla a sus víctimas con cabezas de maniquíes hechas a imagen y semejanza de sus enemigos. Todo un artesano.
-En las escenas de vuelo, un ventilador fuera de plano le mueve el flequillo al prota para darle credibilidad al asunto
-Una matrícula de coche en la que pone 3KMH (?¿)

-Aunque la peli es italiana, se ambienta en Londres para darle el aspecto de superproducción anglosajona.... Por supuesto, fracasa estrepitosamente.

-Cartuchos de dinaminta que pueden volar una zona en 2 kilómetros a la redonda

-Una cama elástica fuera de plano, en la mejor tradición del cine turco de Cuneyt Arkin (el protagonista del Starwars turco)

Algunos momentos para el recuerdo:

-La pelea del final, donde el protagonista se dedica a saltar a su bola sin orden ni criterio en una cama elástica situada fuera de plano, mientras los demás se van cosiendo a ostias.

-La batalla en el aire con el helicóptero, todo un delirio de montaje y planificación donde las perspectivas no cuadran y se nota perfectamente cómo el superhéroe y el aparato están situados en distintos planos de profundidas, aunque intenten hacernos creer que están luchando cara a cara.

-Cerca del final y justo cuando las circunstancias planteadas en el guión lo requieren, el protagonista descubre que tiene el impresionante poder de permanecer muerto durante 10 minutos para luego resucitar y así engañar a los malos.

Algunas frases para el recuerdo:
-Tras enseñarle al protagonista un periódico donde se advierte del asesinato de cuatro personas, el mismo amigo le advierte de que tenga cuidado diciéndole "Ey Tony, ¿te has fijado en la identidad de las víctimas? Todos son americanos como tú, igual que tú hijos de médicos y con los padres muertos en accidente aéreo, como los tuyos..."

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XXI): Hobgoblins

2011-05-09T01:09:00.002+02:00

Título: Hobgoblins
Director: Rick Sloane
Año: 1988
País: Estados Unidos
Actores: Tom Bartlett, Paige Sullivan y Steven Boggs

Argumento: Unos peluches del espacio exterior llegan a a un pueblucho de Estados Unidos para sembrar el terror, gracias a unos poderes que les permiten meterse en la mente de sus víctimas y hacerles creer que están viviendo sus mayores fantasías, con el propósito de ¿humillarlas? ¿violarlas? ¿matarlas? ¿todo a la vez?

Por qué hay que verla después de morir: De todas las exploitations que surgieron a partir de Gremlins, ésta es probablemente la más ridícula y desvergonzada, y vaya si se rodó mierda al amparo de las criaturillas de Joe Dante. Se trata de una comedia intencionada que logra su propósito de hacer reir, pero por lo ridículo de la propuesta y no por sus chistes de mierda, que son eso, chistes de mierda con los que no se reiría ni el Risitas. Los protagonistas, como no podía ser de otro modo, son los inanimados hobgoblins de felpa, que harán las delicias de unos humanos bastante mentecatos, cumpliendo sus más oscuras fantasías, que van desde hacer el ridículo en una sala de conciertos, a convertirse en puta o acostarse con una ídem.

Alicientes:
-La más hedionda exploitation de Gremlins jamás concebida
-Humor mierdero de llevarse la mano a la cara constantemente.
-Peluches inanimados del espacio exterior.
-Miembros del equpo de rodaje lanzando los peluches fuera de plano para dar la impresión de que saltan.
-Brazos perfectamente visibles moviendo los muñecos.
-Actores que se restriegan peluches por la cara haciendo como que son atacados al más puro estilo Bela Lugoshi y su pelea con el pulpo en Ed Wood.
-Actores mirando al suelo con cara de preocupación cada vez que los hobgoblins supuestamente se desplazan, aunque jamás vemos cómo lo hacen. Tendremos que fiarnos de los caretos.
-Un viejo que hace 30 años era igual de viejo pero con el pelo teñido.
-La Cyndi Lauper casquibana.
-Jóvenes estereotipados e imbéciles.
-Los nombres de las calles están indicados con tiza en trozos de madera.
-Un bar llamado SCUM, con todo lo que eso implica para un friki.
-Un personaje es envuelto en llamas y luego sólo tiene cuatro quemaduras y dos vendajes.
-La presencia de un coche antiguo para dar credibilidad a una escena ocurrida varias décadas antes a lo narrado en el filme.
-Manos agitando y empujando por ambos lados un coche que está quieto para dar la sensación de que se mueve. Y por si no cuela el engaño, el conductor, aunque no desplace el vehículo lo más mínimo, mueve el volante a lo loco a izquierda y derecha como si corriera un slalom.
-Una línea erótica donde lo más caliente que se escucha es "mmm vámonos al cine".
-Una actuación de un desconocido grupo de rock, cuyo cantante parece Paco Clavel, rellenando metraje. Había que lucir la actuación, que cuesta dinero.
-Una mojigata que esconde una auténtica tragasables en su interior

Algunos momentos para el recuerdo:
-El flashback de la llegada de los hobgoblins a la Tierra hace 30 años, en su nave de mierda y con el guardia de seguridad igual de viejo pero con el pelo teñido.
-Cuando el protagonista y el guardia de seguridad huyen de los hobgoblins que tratan de atropellarlos con un carrito que no pasa de los 10 por hora.
-La granada incendiaria; posiblemente el momento de mayor descojone de todo el filme.
-El desenlace, cuando los hobgoblins son volados en mil pedazos gracias a unos explosivos puestos estratégicamente en el lugar del que se habían escapado. Sí, podrían haber detonado perfectamente los explosivos al principio del filme y nos habríamos ahorrado el bodrio.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XX): Devil Story (Érase una vez el diablo)

2011-05-08T16:02:00.003+02:00

Título: Devil Story (Érase una vez el diablo)
Director: Bernard Launois
Año: 1985
País: Francia
Actores: Véronique Renaud, Marcel Portier y Catherine Day

Argumento: Un ¿zombi? subnormal y nazi va matando gente en un bosque, luego aparece una momia perdida que pasaba por ahí, una mujer corre y se tropieza varias veces y un viejo dispara al aire y aleatoriamente tratando de matar a un caballo negro.

Por qué hay que verla después de morir: Una marcianada anfetamínica y rodada con las vueltas del pan, cuya incomprensible e inconexa trama avanza dando palos de ciego para al final no contar absolutamente nada, propinando una patada en el culo al espectador en su sorprendente desenlace. Está tan jodidamente mal actuada, interpretada y planificada, que la cinta roza el surrealismo y parece un posmodernista ejercicio de estilo, de estilo cutrongo. Difícil de ver, si uno se va a enfrentar a esta película es necesario que lo haga acompañado de unos cuantos y buenos amigos, con los que vivirá una experiencia que acabará matando la amistad o, por el contrario, hermanándoles para siempre a través de una vivencia traumática que ríete tú de haber luchado juntos en Viertnam.

Alicientes:

-Un monstruo deforme, subnormal y nazi, con uniforme de las SS y cuyos forzados gruñidos hacen creer que se estreñido, tratando de cagar un truño como un puño.
-Cadáveres que respiran.
-Una música reiterativa y mongolizante.
-Entre todas las formas posibles de comportarse, los personajes siempre escogen la más estúpida..
-Una momia sangrando fairy.
-Sangre que emana sin parar de mangueras metidas entre la ropa de los cadáveres.
-Sinsentidos y desvaríos varios que te harán explotar la cabeza.
-Montada con los ojos cerrados.
-Un leñador que pasea a saltitos por el bosque, cual Caperucita en busca de su abuelita.
-Víctimas a las que disparan por la espalda y reciben el tiro de frente; esto sí que es una bala mágica y no la de Kennedy.
-Un efecto de deflagración que parece alguien poniendo el dedo en medio del objetivo de la cámara.
-Una momia que aparece por las buenas y a la que sólo le falta decir "Hola yo pasaba aquí y me he perdido..."
-Muros hechos con piedras apiladas que se caen sólo con rozarlas.
-El barco de los Playmobil emergiendo de un montículo de tierra.
-Un sarcófago del que sólo tienen la tapa y una momia se esconde detrás de ella tratando inútilemente de que no se note.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Un viejo se tira toda la santa película tratando de disparar a un caballo con una escopeta que suena a juguete de feria, descárgando las balas a lo loco y en todas direcciones pero sin apuntar nunca a donde está el animal, cual Rompetechos en estado de embriaguez. Primero vemos al caballo en un sitio, al viejo disparando a la otra punta, luego vemos que donde está el caballo es de día y donde el viejo es de noche; así interminablemente disparo tras disparo y uno acaba siendo partícipe de la desesperación del anciano
-Todas las persecuciones que involucran al zombi nazi
-El plano interminable del nazi subnormal desagrándose por la boca que parece que no va acabar nunca

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XIX): Robot Holocaust

2011-05-08T14:10:00.002+02:00

Título: Robot Holocaust
Director: Tim Kincaid
Año: 1986
País: Estados Unidos
Actores: Norris Culf, Nadine Hartstein y J. Buzz Von Ornsteiner

Argumento: El temible, aterrador, pérfido, maligno, hijodesuputamadre, nazi y oscurísimo Amo Oscuro ha tomado el control de la Nueva Tierra y utiliza a los cuatro mataos sin camiseta que quedan vivos como esclavos. Para mantenerles a raya, controla el aire que respiran y se sirve de un ejército de tres roboces de lata. Ante semejante atentado contra la dignidad del espectador, un grupo de inadaptados a cada cual más torpe decidirá plantarle cara.

Por qué hay que verla después de morir: Un apocalipsis de estar por casa donde nuevamente la mano maestra de Tim Kincaid moldea la mierda hasta lograr formas imposibles de asimilar por la mente humana, capaces de acabar con la cordura del espectador, cual criatura lovecraftiana. Así, la cutrez alcanza su grado máximo en este pútrido filme filmado en cuatro escenarios de mierda y en donde, a pesar de llamarse Holocausto Robot, sólo salen 4 roboces, y para colmo de males uno de ellos es bueno. Dan ganas de localizar al director para compadecerse de él y darle el pésame. Pobre hombre.

Alicientes:

-Apocalipsis casero
-Tres o cuatro localizaciones de mierda que incluyen Central Park como escenario de un holocausto nuclear y una fábrica abandonada.
-Homoerotismo latente, con varios maromos desnudando su torso y gusanos que salen de agujeros y que en realidad parecen pollas con colmillos asomando de un glory hole. No en vano, el director empezó y acabó su carrera rodando porno gay.
-Una inexpresividad por parte de los actores que roza el rigor mortis.
-Como en toda películas postapocalíptica de serie z que se precie, el destino del mundo lo deciden cuatro gilipollas.
-Esto no es pobreza de medios, es mendicidad total
-El Amo Oscuro, al que nunca vemos la cara en todo el filme, tiene voz de presentador simpático de El Precio Justo, con el que te irías a tomar unas cañas.
-Una araña gigante de la que solo vemos una pezuña peluda movida por hilos
-Coreografías coordinadas por un hemiplégico
-Con la participación estelar del robot marica C3-Peor
-Cuatro robots (y para que el lo dude, que repase los créditos de la cinta, donde orgullosamente lo indican)

Algunos momentos para el recuerdo:
-Un científico es condenado a observar el horrendo aspecto del Amo Oscuro, una tortura difícilmente soportable por un ser humano, o eso dicen en el filme. Cuando finalmente lo hace, al científico no parece importarle lo más mínimo, incluso da la sensación de que le gusta y que en cualquier momento va a guiñarle un ojo.
-La batalla con la pezuña peluda
-El paseíllo de los glory holes de donde salen pollas dentadas hechas con manoplas de cocina, notándose perfectamente las manos que se abren y cierran dentro del guante.
-La batalla final, donde los personajes peleas desganados y por culpa de unos planos que no encajan unos con otros, no se sabe dónde está cada personaje ni contra quién lucha, ni dónde disparan, las distancias y las posiciones no cuadran y un eterno etcétera.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Balance de Clásicos

2011-05-04T01:22:00.001+02:00

Terminada ya la vuelta de las semifinales de Champions (1-1), donde el Barcelona ha conseguido el pase para la final de Wembley, es hora de hacer una valoración de estos cuatro tensos y polémicos partidos. En primer lugar hablaremos única y exclusivamente de fútbol, y terminaremos ahondando en lo extradeportivo; con denuncias, lloriqueos y suspuestas conspiraciones.

Como ya vaticinamos en Fuera de Campo, la cosa ha acabado con el Barça como "vencedor" de este playoff. Ponemos vencedor entrecomillado porque si exceptuamos la final de Copa, que ganó el Real Madrid, en los otros tres partidos el equipo de Guardiola ha hecho su juego de siempre y ha demostrado una clara superioridad ante los de Mourinho, para mí el gran derrotado de estos 20 días. Porque lo que ha propuesto Mou sobre el campo para parar a los azulgrana ha sido un juego mezquino, ultradefensivo, en ocasiones violento, impropio de un club como el Real Madrid.

Partido de Liga (1-1): Como ya escribí, era el partido en el que ambos se iban a medir de cara al resto de encuentros, sin duda más trascendentales. El Madrid salió al campo sabiéndose subcampeón, y el Barcelona sabía que sólo una hecatombe acabaría impidiéndoles a mediados de mayo llevarse el torneo de la regularidad. El planteamiento de los blancos fue el de echarse atrás e impedir que el Barcelona pudiera mover el balón con comodidad. Los de Mou, que sin duda tenía el 5-0 de noviembre detrás de la oreja, salieron a no recibir goles. Aguantaron bien, pero es imposible que un seguidor del Madrid pudiera estar satisfecho viendo como su equipo se dedicaba a correr detrás del balón, a no dar tres pases seguidos y a rifar el balón en cuanto lo tenían. El Barcelona estuvo poco acertado en la finalización, pero hizo su partido de siempre, ataque y posesión. Albiol fue expulsado por un penalti cometido sobre Villa, y los blancos que se soltaron un poco más con diez sobre el campo, consiguieron empatar gracias a un penalti de Alves, que por cierto fue bastante dudoso. La cosa acababa en tablas, aunque la celebración de algunos madridistas de este resultado parecía que el Madrid había ganado la Liga. Pero no, sólo quedaba claro que serían subcampeones.

Final de Copa (0-1); Campeón el Madrid: Todos los expertos decían que éste era el partido en el que el Madrid podía dar la campanada. Y la dio. Toda la mordiente y pasión que le faltaron en el partido de Liga, los tuvieron en Mestalla. La primera parte fue el partido perfecto para el Madrid. Jugaron a defenderse, sí, pero presionaron mucho más arriba, descolocaron a los jugadores azulgrana y con la velocidad de Cristiano y Di María, pusieron en serios aprietos a los de Guardiola. El Madrid perdonó en este primer período en el que pudo haberse ido con dos goles a favor, pero el Barcelona, pese a verse superado, supo aguantar las embestidas del rival.

El partido fue un tormento para el árbitro, Undiano Mallenco, al que futbolistas de ambos equipos rodeaban en cuanto se cometía una falta. Tensión propia de una final con dos rivales de semenjante categoría. Tras el descanso la película cambió radicalmente y el Barça se hizo amo y señor del partido, como de costumbre. Los madridistas se echaron atrás y fue incapaz de crear peligro robando el balón demasiado atrás. Cristiano, el hombre más adelantado del Madrid, estaba más solo que la una esperando que le llegara alguna de las piedras que sus compañeros enviaban arriba cuando recuperaban la pelota. A Pedro le anularon correctamente un gol en fuera de juego que hubera sido la pena de muerte para los merengues. Pero se llegó a la prórroga. Y aunque el Barcelona tenía la posesión, les faltaba físico y velocidad, que sí tenía el Madrid. Por eso, en una contra muy bien construida por Marcelo y Di María; éste último metió un centro para que Cristiano, (por fin demostrando que también da la cara en las grandes citas), rematara de cabeza y diera el gol que hacía que el Madrid levantara un título después de tres años. No se puede olvidar, no obstante, a Casillas, que fue probablemente el mejor de su equipo y salvo al Madrid en dos ocasiones cruciales. Fiesta en Cibeles y preparar la Champions.

Semifinales de la Champions (3-1 para el Barcelona): La madre de todas las polémicas. Los partidos donde se ha hablado más de conspiraciones y de árbitros que de fútbol. El partido de ida fue el detonante de todo esto. Y es que el Madrid salió con la mentalidad de no recibir goles y conformándose con el 0-0, lo que es vergonzoso en una semifinal de Champions, y más jugando en tu casa. Pepe, el hombre del trivote jugaba como siempre al límite amedrentando a los jugadores rivales. El Barcelona vio desde el inicio como le regalaban el balón y lo agradeció. Era cuestión de tiempo que encontraran el espacio y la juagada para hacer el gol. Y llegó, pero con mucha (demasiada) polémica. Pepe fue expulsado por una fea entrada a Alves. Vuendo las imágenes, se deduce que el árbitro se equivocó expulsando al portugués, que no llega a tocar a Alves, aunque sí merecía la amarilla por juego peligroso.

Aquí, la prueba.

Con diez en el equipo local es cierto que el partido se desequilibró y Messi aprovechó la ocasión para herir de muerte al Madrid en la eliminatoria. Ahora bien, ¿es el árbitro el culpable de este resultado? Sí y no. Sí, porque se equivoca expulsando a Pepe y condiciona el resto del encuentro. No, porque el Madrid no juagaba a nada y jamás buscó la victoria. Los goles del Barcelona pudieron haber llegado igual, aunque nunca lo sabremos.

En el partido de vuelta, celebrado ayer, el Barcelona certificó de manera justa su pase a la final. El Madrid, sin Pepe ni Ramos, salió a intentar morder desde el principio. Kaká e Higuaín fueron las grandes novedades en los blancos. Los de Guardiola salían con todo, e incluso Abidal tuvo minutos después de su operación donde se le extirpó un tumor en el hígado el pasado 17 de marzo.

Los blancos necesitaban dos goles para empatar la eliminatoria y demostraron que pese a la dificultad no iban a regalar el partido. Sí, atacaron más y presionaron más arriba los primeros minutos, pero poco a poco los culés volvieron a imponer sus condiciones. No obstante, la propuesta de Mou fue más ofensiva (no le quedaba otra). El Madrid jugaba contra el tiempo y el Barcelona sólo tenía que administrar bien el resultado favorable de la ida. Pedro, a pase de Iniesta, fulminó a Casillas y devolvió a la realidad a los madridistas, que consigueron el gol de la honra tras un disparo al palo de Di María, en el que Marcelo aprovechó el rechace para hacer el insuficiente empate. El árbitro vio fuera de juego en un gol que pudo ser legal de Higuaín, que no volvió a hacer nada en toda la noche, sin duda por su baja forma tras su lesión de espalda.

Pero con gol legal o no, mal hacen los futbolistas del Madrid en quejarse de los árbitros, cuando la realidad es que han jugado mucho peor que el rival, que han renuciado al balón de manera lamentable, que Casillas rifaba la pelota cada vez que tenía que sacar de puerta, y que los lloriqueos son indignos e impropios de ese club.

Conspiraciones, árbitros, quejar y denucias: Es patético ver lo que ha hecho Mourinho con el Madrid. Le ha inculcado una filosofía de quejas y de echar balones fuera cuando se pierde, más propia de un equipo pequeño que del denominado "mejor club del siglo XX". Como ya hemos dicho, la expulsión de Pepe fue injusta, y sobre eso se escudó el entrenador portugués para tapar sus propias miserias. Y es que es inaudito que en el Bernabéu se aplauda y se jalee el juego ultradefensivo y paupérrimo del Madrid. En ese estadio la afición siempre se ha jactado de su exquisitez futbolística, pero con la llega del Rey Mou, parece que todo está permitido, incluso regalar la pelota y defenderse a la italiana. Esto a Pellegrini ni prensa (¿qué hubiese escrito Inda con semejante planteamiento el año pasado?), ni aficionados, ni su máximo detractor, Florentino Pérez hubieran tolerado.

Pero Mou no se distingue por el juego excelso y el trato exquisito al balón, así que cuando se le ficha, es lo que hay. Lo vergonzoso es que Florentino Pérez, presidente del Madrid y exponente del señorío tolera que su entrenador llore en sala de prensa, que insulte a la UEFA (por lo que será fuertemente sancionado), que ningunee al Barcelona que le ha pasado por encima en estas semifinales, y que desprestigie los títulos ganados por Guardiola en otras temporadas. Si de verdad alguien se cree semejantes chorradas, sea del equipo que sea, sencillamente no sabe de fútbol. Los árbitro se equivocan, a veces te dan y otras te quitan. Sí, es una pena que se expulsara a Pepe, pero eso no puede tapar qauién ha jugado mejor y quién merece estar en Wembley. Mou ha conseguido que Madrid y Barça rompan relaciones, que se denucien entre sí, y sobre todo, está consiguiendo que el Real Madrid esté bajo su yugo dictatorial. El Madrid hace el ridículo y parece que muy pocos lo ven. Si el presidente lo tolera, entonces es cómplice de esto.

Felicidades al Barça por la Liga y el pase a la final de Wembley, ambas cosas conseguidas de manera lícita, igual de lícito que la Copa del Rey conseguida por el Madrid. Menos lloros y más fútbol.

Dani Medina

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XVIII): Dragon Ball The Magic Begins (Bola de Dragón: Comienza la magia)

2011-05-03T02:19:00.001+02:00

Título: Xin qi long zhu (Bola de Dragón: Comienza la magia)
Director: Joe Chan, Leung Chung
Año:1991
País: Taiwan
Actores: Charles Chen Zi-Qiang, Jeannie Tse, Tung-Chuen Cheng, San Pan, Zhong Yu Huang

Argumento: El mismo que el del famoso manga que todo el mundo conoce, sólo que esta vez los nombres son distintos (para disimular la estafa), el gato Puar ha sido cambiado por una irritante cacatúa, el cerdo Oolong es un aborigen con rastrillo, y así otros mil cambios turbadores y cutrongos que harán las delicias de todo aquel que quiera pasar un buen rato.

Por qué hay que verla después de morir: Sin licencia ni permisos, ni dinero pero mucho morrazo y ganas de pasarlo bien, en Taiwan se atrevieron con la primera adaptación en imagen real del Dragon Ball, cuyo penoso resultado, muy cercano al vídeo amateur, ha sido superado por muchos cortos caseros de Youtube. Para dsifrutar al máximo de su visionado, si eso es posible, es necesario tener un mínimo conocimiento del manga, y así gozar con cada una de las desastrosas caracterizaciones. Por ahí hay quien dice que esta adaptación es mejor que la que hizo recientemente James Wong para la Fox. Quizá tengan razón...

Alicientes:

-Adaptación fraudulenta del famoso manga de Akira Toriyama
-Pésimas caracterizaciones que incluso avergonzarían a los asistentes del más tercermundista de los Salones del Manga.
-Goku parece un gitano greñudo
-Entre los malos está la Tina Turner china y el terminator ídem
-El abuelo de Goku parece el Puma con las gafas de Bartolo
-Escenas a cámara rápida con el sello de calidad de Benny Hill
-Trampolines y cables en la peor tradición del kungfu caspa
-Un cocodrilo de cartón absolutamente estático que sólo abre la boca si Goku le da ostias en el lomo
-Nombres que difieren totalmente de los originales para tapar un poquito el fraude
-Aun con todas las licencias que se toma, no deja de ser una adaptación más o menos fidedigna
-El anciano maestro Tortuga está interpretado por un chaval de unos 20 y pico años
-Muchas explosiones

Algunos momentos para el recuerdo:
-Todas y cada una de las peleas, en especial la que libran Goku y su abuelo o la que involucra a Yamcha, puro wuxia de saldo repleto de tracas valencianas y cables que no se han molestado lo más mínimo en disimular.
-Los bailes del Maestro Tortuga

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XVII): Lik Wong (Historia de Ricky)

2011-05-02T18:39:00.006+02:00

Título: Lik Wong (Historia de Ricky)
Director: Ngai Kai Lam
Año:1991
País: Hong Kong
Actores: Siu-Wong Fan, Mei Sheng Fan, Ka-Kui Ho

Argumento: En una cárcel de máxima seguridad que parece un hotel, ya que los presos se pasean por las instalaciones como Pedro por su casa, el viril Ricky, un tipo muy perturbado, dará rienda suelta a su sadismo y psicopatía asesinando a todos los guardias de las formas más brutales imaginables, para luego largarse de allí tras hacer un agujero en el muro de la prisión a puñetazo limpio, demostrando que podía haberse escapado cuando le hubiera dado la gana.

Por qué hay que verla después de morir: Esta joya impepinable del cine caspa mundial destaca por su ingenuidad, estupidez y, sobre todo, su brutalidad extrema, desvergonzada y pasadísima de vueltas que, por culpa de unos efectos especiales hechos con frutas y peleles de baratillo, sólo provoca la mofa y la chanza del respetable, aun con lo salvajes que son algunas de sus escenas; auténtica "poesía visual". Para completar el chapucero conjunto, tenemos a un protagonista que, lejos de configurar el arquetipo de héroe, es un maníaco obsesionado con matar de las formas más horribles. Con su penosa ejecución y sus escenas a cada cual más esperpéntica, uno no sabe si esta ¿critica al capitalismo? ¿al sistema peninteciario? va en serio o es una burda parodia.

Alicientes:

-Una colleja que te salta los ojos de las cuencas. EL COLLEJÓN.
-Fotos y figuritas de madera que se rompen y se reconstruyen en las escenas siguientes por arte de birlibirloque
-Una prisión de máxima seguridad donde los presos entran y salen de sus celdas cuando les sale de los cojones; parece un campamento de verano o un hotel.
-Un estrangulamiento con un intestino
-Gore extremo y bizarro, ante el que sólo es posible despanzurrarse de risa
-El protagonista es todo un despiadado psicópata en potencia
-Ostias como panes. O como sandías, más bien.
-Cultivos de opio
-Desarrollo en plan videojuego, donde Ricky va subiendo de nivel cada vez que mata a un guardia de la prisión, hasta llegar finalmente al alcaide
-Basada en un manga de mismo nombre
-El protagonista regenera sus heridas dos o tres planos después de recibirlas
-Personajes ridículos y esperpénticos, dignos del comic más chatarrero
-Un tema musical que es la misma tecla del piano presionada constantemente. Es fácil imaginar a un patito de esos que suben y bajan haciendo las veces de músico.
-Miles de fallos de racord
-Todos los presos son buenas personas encarceladas injustamente. Los guardias, en cambio, todos hijosdeputa que merecen morir.
-Ricky va matando a todo bicho viviente y aun así los malos se pasan toda la película preguntándole cosas como "¿Por qué lo haces?", "¿qué escondes?" o "¿qué es lo que quieres?”. Mataros a todos, esta clarísimo...

Algunos momentos para el recuerdo:
-Todos los momentos gore, en especial la pelea entre Ricky y Oscar en el patio, un auténtico delirio en el que se suceden estrangulamientos con vísceras, ojos que saltan de sus cuencas tras una pertinente colleja y cegueras que se curan con un chorrito de agua.
-Ricky afirma que que está en prisión por matar a los asesinos de su novia, pero en un flashback vemos perfectamente cómo ella solita se defenestró desde una azotea, de una manera bastante subnormal.

-La película podia haberse acabado nada más empezar, ya que Ricky, al final de la misma y tras haber matado a todo cristo, da un puñetazo a la pared de la cárcel y hace un agujero ennorme para que se escapen todos los presos (que como ya se indicó más arriba, son todos buenos y deben estar en libertad).

Algunas frases para el recuerdo:
-"¡Cabrones, cultivábais opio!"
-"¡Somos seres humanos! ¡No somos animales!"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 películas que hay que ver después de morir (XVI): Veredicto Implacable

2011-05-02T16:55:00.004+02:00

Título: Veredicto Implacable
Director: Mariano Ozores
Año:1988
País: España
Actores: Jesús Puente, José Manuel Egea, Tino Martín, José Manuel Galán, Francisco Egea, Arturo Querejeta, Manolo Zarzo

Argumento: En un gimnasio del barrio madrileño de Argüelles están hasta las narices de tanta delincuencia y por ello los instructores, que han sido entrenados en secreto en las artes ninja, salen a barrer las calles a golpe de ninjitsu cañí y haciendo el ridículo, mientras Jesús Puente les jalea la broma.

Por qué hay que verla después de morir: Según sus responsables, se trata de la primera película de karate rodada en España. Eso ya sería un buen motivo para ver el filme, aunque se trata de un punto muy discutible, ya que en artes marciales hubo algún ejemplo previo. Es un tanto cansina y carece de ritmo, pero merece la pena catarla por ver al Van Damme español en acción y por cómo tratan de apañárselas los autores para dotar de credibilidad a esta sinsorgada hecha con dos pesetas y unas coreografías fallidas y ridículas. Toda una rareza en la filmografía española y más concretamente en la de Mariano Ozores.

Alicientes:

-Ninjas salidos de un gimnasio de Argüelles
-La mano maestra de Mariano Ozores a la batuta
-Jesús Puente como comisario de policía
-La única película protagonizada por el campeón mundial de karate José Manuel Egea, a quien promovían en su época como el Van Damme español
-Muchas cajas vacías para que los actores no se hagan daño al chocar con ellas
-El violador del vespino negro como invitado estelar
-Humor gruesgo typical spanish, con chistes de yonkis y borrachos incluidos
-Banda sonora jebi e italodisco
-Publicidad descarada del gimnasio de los Egea, con niños entrenando y mirando a la cámara
-Títulos de crédito que parecen integrados con la propia cámara, sin pasar por la sala de montaje
-Peleas castizas
-Coreografías igualitas a las que te montabas con tus colegas en el recreo

Algunos momentos para el recuerdo:
-Cada vez que va a cometerse una fechoría, José Manuel Egea llega justo a tiempo con su pasamontañas ninja.
-Al comienzo del filme hay un mensaje introductorio donde Jesús Puente, junto a "los chicos", saca su faceta de vendedor de burras y nos invita a ver la magnífica película, protagonizada por auténticos astros del karate, o algo así. Y hay que decir que el desopilante anuncio cumple a la perfección su cometido, ya que uno se queda pegado a la butaca con cara de gilipollas y deseando ver las mamarrachadas que le esperan.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

Empacho de Clásico

2011-04-14T00:53:00.006+02:00

Tras haber pasado con nota los cuartos de final; Madrid y Barcelona se verán las caras en las semifinales de la Champions League. El problema es que en 21 días deberán enfrentarse cuatro veces, en los que prometen ser los partidos más tensos de los últimos años. Muchos pensarán, y no les faltará razón, en que los que son posiblemente los dos mejores equipos del mundo, debieran haberse encontrado en la final de Wembley. Pero el sorteo sale como sale y uno de los dos deberá apearse antes de tiempo de esta Copa de Europa.

Aficionados del fútbol, periodistas y televisiones se frotan las manos ante el espectáculo que vamos a vivir a partir de este mismo sábado. No obstante, cabría preguntarse si jugadores, entrenadores y directivos de ambos clubes piensan igual. Y es que lo bonito que puede ser pelearse con el eterno rival por una Copa del Rey, por dejar las cosas aún más claras en la Liga, y por un billete para Londres; puede dejar a uno de los dos muy tocado.

A priori, el Barcelona parte como favorito. Pese a que el Madrid está en un gran momento de forma, los culés siguen a un nivel estratosférico y fieles a su estilo de juego. El único precedente, el del pasado 29 de noviembre en el Camp Nou, no deja muy tranquilos a los blancos. Pero ya sabemos que el fútbol no es matemático y que nunca se sabe. Mourinho ha hecho un equipo a su medida, que cada vez juega mejor y al que es muy difícil hacerle gol. Ambos tienen a los dos mejore jugadores del mundo. El Barça tiene a Messi, que nunca falla, que lleva ya el récord de goles en una temporada con su equipo (48), y que baila a los defensas como si fueran conos de entrenamiento. Sencillamente, es el mejor.

Cristiano Ronaldo, que también está haciendo una gran temporada, tiene ante sí el reto de demostrar que aparece en los partidos grandes, contra equipos de categoría. Estos cuatro partidos van a ser determinantes para el luso, ya que una mala actuación puede hacer que se le empiece a mirar con recelo. No estaría de más que jugara más con sus compañeros y que redujera el número de disparos a ninguna parte que acumula a lo largo del año.

Como estos encuentros tiene cada uno su propia idiosincrasia, vamos a analizarlos uno por uno y por separado:

Liga, sábado 16 de abril: El de este sábado abre la veda de los Clásicos. Sin duda, este es el partido más intrascendente de los cuatro. Y es que tras dejarse tres puntos contra el Sporting en el Bernabéu, el Madrid le regaló la Liga al Barcelona. Los 8 puntos de distancia parecen insalvables y esto es algo que por mucho que lo nieguen, lo saben tanto Mourinho como Guardiola. Además, el calendario de los culés (Osasuna, Real Sociedad, Espanyol, Levante, Deportivo y Málaga); no parece muy propicio como para que el Madrid pueda soñar con recortar puntos.

Por contra, los blancos lo tienen bastante más crudo (Valencia, Zaragoza, Sevilla, Getafe, Villarreal y Almería); y raro será que no se dejen algún punto por el camino. El de este sábado será un buen partido para que ciertos suplentes tengan más protagonismo. Si hay algo que puede ser crucial en este encuentro, es el factor psicológico. Es decir, el que gane puede salir muy reforzado para el resto de choques, y el que pierda puede acabar con la moral por los suelos. Claro que el empate lo dejaría todo igual. Pronóstico: Empate.

Final de Copa, miércoles 20 de abril: El partido a cara o cruz y donde todo puede pasar. Si hay un encuentro para que el Madrid meta en apuros al Barcelona es éste. Mou sabe manejar este tipo de ambientes a vida o muerte. Además, la presión será brutal para ambos y quizá los merengues sepan jugar mejor en este tipo de partidos. Al Madrid le conviene hacer un fútbol que incomode a los de Guardiola, que no tengan muchos espacios y que no puedan tocar el balón como acostumbran. Es previsible que Guardiola, descontando a Puyol y Abidal, ambos convalecientes; saque su once de gala, y jamás renunciará a su estilo. Mou sin embargo tiene varias alternativas. Lo más probable, y todo el mundo parece estar de acuerdo, es que el luso saldrá de inicio con el famoso trivote, Xabi Alonso, Khedira y posiblemente Lass. Este es el sistema que Mou quiso sacar en el Camp Nou, y con el que más cómodo se siente ante equipos de toque como el Barça.

Si los de Pep mueven el balón como acostumbran el Madrid ni lo olerá, así que los blancos tendrán que aprovechar sus contragolpes y su velocidad. Por supuesto, los azulgrana son ligeramente favoritos, 60% de posibilidades de levantar el primer título del año. No obstante, el Madrid saldrá con sangre en el ojo, sabiéndose que puede ser lo único que celebrar esta temporada, y eso es un factor muy importante. Pronóstico: Gana el Madrid.

Semifinales de Champions, 27 de abril/3-4 de mayo: Como decíamos, la final anticipada. La Décima frente a la Cuarta. Sin duda, el Barcelona, en una eliminatoria a 180 minutos, tiene las de ganar. Porque entre otras cosas, el Camp Nou, con permiso del Hércules, es inexpugnable. Por eso, la única posibilidad de los madridistas pasa por hacer un buen partido en la ida, que es en el Bernabéu, y rezar por no recibir un gol en contra para poder ir a la vuelta a aguantar el chaparrón. Si los culés "mojan" en Chamartín, cosa probable, lo tendrán muy encaminado para irse a Londres. A falta de dos semana, es difícil saber cómo se plantearán estos partidos, entre otra cosas, porque la final de Copa puede ser determinante en lo anímico. Pronóstico: Pasa el Barcelona.

¿Y si uno de los dos pierde los cuatro encuentros? Bueno, en el Barcelona sería un palo duro, pero la imagen del equipo y de Pep, a pesar de la decepción, seguiría intacta. Ni afición, ni directiva los pondrán en duda. Ni cambiará la filosofía del club, ni rodarían cabezas. Muy distinto sería si esto pasa en la Casa Blanca. Mourinho vería su imagen muy desgastada. Los medios empezarían a poner en duda su calidad, y se empezaría a cuestionar su continuidad en el Real Madrid. Por extensión, la presión haría que Florentino se planteara el relevo en el banquilo ante semejante fracaso, sabiendo que su propia figura saldría muy perjudicada. Quizá no hará otra "espantá", pero muchos aficionados empezarán a cuestionar si el proyecto de Florentino es el adecuado para este club. Es decir, que como siempre, la fina línea entre la victoria y la derrota va a dirimir en estos 21 días el devenir de dos clubes en 9 meses de competición. Apasionante.

Dani Medina

LOS INSÓLITOS CICLOS DE CINE DE OSO III: Rodando en la cumbre

2011-04-06T20:03:00.005+02:00

Películas de escalada y similares

Odio las alturas, sufro de un vértigo galopante. Por eso, siempre procuro evitarlas y jamás de los jamases me atrevería a lanzarme en paracaídas, hacer escalada, practicar puenting o realizar cualquier otra actividad que implique separarse demasiados metros de mi amado suelo.

Sin embargo, esa fobia no me impide disfrutar al máximo, siempre que sea a través de una película o de la televisión, de unas buenas vistas desde lo alto de una cumbre, algo que me fascina y sobrecoge. Ese es uno de los grandes alicientes del cine: proporciona al espectador experiencias que son de su agrado, pero que nunca podría llevar a cabo por falta de dinero, ganas, o, simplemente, huevos (como es mi caso). La fábrica de sueños lo llaman.

Esta película daría para un ciclo sobre automutilaciones en el cine, pero mejor dejamos ese tema para más adelante

En la pasada edición de los Oscar se habló mucho de 127 horas, la última película de Danny Boyle. Ello me ha hecho recordar algunos de los buenos momentos que me ha otorgado el cine en lo relativo a la escalada por cumbres montañosas. Voy a repasar esos instantes, junto a otros que aún no he tenido el gusto de experimentar. Ya sé que no es lo mismo ver la escalada en una pantalla que practicarla en vivo, pero amigos, algo es algo y yo, personalmente, me conformo.

Antes de proseguir, conviene indicar que soy un completo novato en lo relativo al alpinismo, por lo que no entiendo de sus técnicas y vericuetos y prefiero entretenerme con el paisaje y el potencial de este deporte para proporcionar momentos de tensión, angustia y épica. Mi principal objetivo es despertar el gusanillo, tanto propio como ajeno, por este tipo de películas.

Máximo espectáculo, mínimo realismo

En el cine de escalada, si es que existe como tal, hay dos claras vertientes. La primera, quizá más acusada, se centra en el espectáculo, enfocando la atención en la belleza e inmensidad del escenario donde se practica este deporte. La segunda, sin olvidar los paisajes y la majestuosidad de los mismos, prefiere buscar el realismo, reflejando con mayor o menor credibilidad el ejercicio de esta arriesgada disciplina. Comenzaré por el primer grupo, donde destaca un filme muy evidente: Máximo Riesgo.

Esta película, que ya figura en el imaginario colectivo y se encuadra en la etapa dorada del cine 'stalloniano', proporcionó a toda una generación una de las secuencias más asfixiantes del cine de acción de los 90. Aquella en la que el protagonista trataba sin éxito de salvar a una compañera de caer al más grande y profundo de los vacíos, y que consiguió reflejar la sensación de vértigo como pocas veces se había hecho en la gran pantalla. Para un servidor, probablemente constituya el más terrorífico fallecimiento imaginable. Como curiosidad, este momento fue parodiado con bastante tino al comienzo de Ace Ventura 2.

A pesar de lo efectiva que resulta esta secuencia, como ya dije previamente, el realismo no es una de las bazas de Máximo Riesgo, sino que lo que prima es el puro espectáculo. La escalada y la montaña son una excusa para dotar a la película de un entorno exótico y peligroso, que además permita desarrollar originales y aparatosas escenas de acción y tensión, algo que se logra con nota.

En un tono casi idéntico aunque con resultados muy inferiores, se halla la solvente Límite Vertical, otra cinta nuy conocida dentro del cine montañero y que tampoco conviene tomarse muy en serio, porque eso puede provocar la risa. Denostadísima por los aficionados a la escalada más puristas, la obra constituye un eficiente divertimento de casi dos horas, repleto de asombrosos paisajes, caídas estremecedoras y absurdeces varias. El guión es pobre y fantasioso, pero queda disimulado por el impacto visual de las imágenes.

Pero el colmo en lo relativo a la ausencia de realismo se lo lleva la siempre por delante Mission Impossible 2, con esa escena en las Montañas Rocosas, donde Ethan Hunt escala directamente a pelo, sin arneses, cuerdas ni nada remotamente parecido, en lo que podría ser la mayor fantasmada jamás filmada. Cuenta la leyenda que al director John Woo se le subieron los testículos hasta la garganta cuando Tom Cruise decidió realizar él mismo y sin dobles (eso es lo que afirma el actor...), un peligrosísimo salto entre dos rocas salientes, ayudado, eso sí, por un cable muy bien escondido.

Más allá de Ethan Hunt e hilando finísimo, otro agente secreto que se ha atrevido a conquistar cumbres ha sido James Bond, quien se enfundó el equipo de nieve para llegar hasta la base de Blofeld, situada en los Alpes suizos. Lo hizo en 007 Al servicio secreto de su majestad, aquella entrega en la que el guaperas del MI6 está interpretado por un orejón sin carisma que, afortunadamente, no repitió el papel y tuvo que conformarse con participar en alguna que otra entrega de Emanuelle.

Al menos, nos regaló una de las secuencias más trepidantes y recordadas de toda la saga bondiana. Es esa persecución que también implica a las alturas y en la que el glamouroso espía huye de sus perseguidores haciendo gala de sus habilidades como esquiador. Realmente, Bond nunca llega a practicar el deporte de la escalada en este filme, aunque sí lo hace uno de sus compañeros, aquel que intenta entregarle una mochila y que sufre un destino desafortunado. Por cierto que el mujeriego agente también se encaramó a otra montaña en la secuencia inicial de Alta Tensión.

Pero la más legendaria persecución por las alturas, con escalada a la inversa incluida, es probablemente la que llevan a cabo Cary Grant y Eva Marie Saint en el monte Rushmore, durante los minutos finales de Con La Muerte en los Talones. Una secuencia tan influyente y recordada, que incluso Álex de la Iglesia se permitió el lujo de homenajear recientemente en su Balada Triste de Trompeta, cambiando las caras de los presidentes norteamericanos por las cruces patrias del Valle de los Caídos.

Sin embargo, he venido a escribir sobre el deporte del alpinismo, así que volveré al tema. Siguiendo en el género de la acción, igualmente hay que detenerse en Licencia para Matar, la cuarta incursión de Clint Eastwood en la dirección. Según se dice, el veterano cineasta llegó a arriesgar su propia vida en alguna que otra secuencia, sobre todo en la escena final. La película está considerada una de sus obras más flojas, pero no puedo opinar porque todavía no he tenido el placer de catarla.

Recreaciones más veraces

Abandonando el espectáculo puro y duro, el alpinismo realista también ha tenido su hueco en el cine.
Uno de los primeros intentos en este sentido, si exceptuamos los primeros documentales que se filmaron sobre el tema, fue La Montaña Trágica, cinta menor con Glenn Ford que ha quedado un tanto desfasada con el paso del tiempo. En una línea similar, aunque con una trama más elaborada, se halla Montaña Siniestra, un filme al que el transcurso de los años parece haber tratado mucho mejor y que, aun con sus fondos superpuestos, ofrece imágenes de gran calado e impacto.

Otra recración veraz del alpinismo la encontramos en Siete años el Tíbet, también conocida como Siete Años en el Cine, por su exagerada duración y el sopor que provoca. Inspirada en hechos reales vividos por el escalador Heinrich Harrer, la escalada no es ni de lejos el tema principal del filme, pero en esta cuidada aunque insípida película, es difícil rememorar otra cosa que no sean los escasos momentos de ascenso montañoso protagonizados por Brad Pitt.

No obstante, si se quiere hablar de verdaderas películas de escalada, entonces hay que reseñar la muy documentada Grito de Piedra de Werner Herzog. Su realismo, situado muy por encima de la media, es algo que que los fanáticos del deporte de los piolets y las polainas han sabido apreciar, hasta elevarla a la categoría de cinta de culto.

Con tendencias comunes a las del filme de Herzog en lo referente al realismo, se encuentran obras más recientes y muy recomendadas por los adeptos a este deporte, como la alemana y prestigiosa North Face, o la surcoreana Bingwoo. Esta última proviene precisamente de un país donde el alpinismo cuenta con muchos seguidores, por lo que no es de extrañar una fiel traslación cinematográfica de esta práctica.

Volviendo atrás en el tiempo se localizan otras dos obras con valoraciones positivas como K2 y Cinco días, un verano. La primera es una epopeya de superación donde Michael Biehn y Matt Craven se empeñan en dominar la célebre montaña y que está inspirada en una obra de teatro de mismo nombre. Resalta, como no podía ser menos, por su trabajada fotografía. La segunda cinta, por el contrario, es un drama incestuoso en el que Sean Connery, frustrado en sus ambiciones sexuales hacia su sobrina, busca desahogarse con el ascenso a uno de los picos más altos de los Alpes suizos.

Mucho por escalar

Al alpinsmo todavía le queda mucho por "escalar" en el cine. Es la conclusión a la que uno llega cuando alcanza la cima de este texto (o mejor dicho, pie), y se da cuenta de que apenas hay películas donde elegir. Además, tampoco hay filmes que estén catalogados como obras maestras indiscutibles, si olvidamos el ámbito del cine documental, donde sí se han conseguido grabar cintas aclamadísimas como Touching The Void, que muchos catalogan como el mejor y más perfecto reflejo del alpinismo en celuloide.

Es una situación extraña, si se tiene en cuenta la belleza de esta práctica y su potencial dramático, dos características que permitirían engendrar películas de gran carga visual y emocional. Entrando en la especulación, la causa fundamental de esta escasez puede que radique en el escenario. No es nada fácil rodar en un entorno montañoso y no parece que haya muchos cineastas dispuestos a hacerlo y asumir los riesgos que conlleva.

Sin embargo, este problema ya no debería ser tal, si atendemos a los recursos cinematográficos que existen actualmente y a los últimos avances en materia de efectos especiales. Es decir, que recrear una película en una cumbre montañosa y con resultados dignos, ya no requiere de grandes complicaciones.

No obstante, existe otra posible causa para la sequía de grandes películas montañeras. Y es que la escalada es una práctica tan espectacular, que a menudo los filmes centrados en este asunto se entretienen demasiado con el escenario y se olvidan de la historia. Se ha visto en varios ejemplos mentados en el artículo.

Estando así las cosas, y superado el problema del entorno, ya no hay excusas para que la fábrica de sueños nos proporcione muchas y grandes películas sobre alpinistas. Ahora sólo toca aguardar y albegar la esperanza de que el reciente éxito de 127 horas haga más corta la espera. Y si lo que nos llega lo hace en 3D, pues bienvenido sea. Mirad por donde, el alpinismo sí que sería una buena excusa para utilizar la tan desaprovechadísima tercera dimensión. A ver si los grandes estudios se dan cuenta, porque lo tienen a huevo...

Carlos Palencia

No hagas la quinta, por favor

2011-04-05T04:21:00.000+02:00

Marzo de 2017. Esa es la fecha en que presumiblemente, y si Segura dice la verdad al finalizar los créditos de Torrente 4, se estrenará la quinta parte de la saga de películas más taquillera de la historia de España. Puede estar contento Santiago Segura, ya que todo lo que lleva el nombre de "Torrente" es igual a dinero a mansalva, y cada una de sus entregas va de récord en récord. Por desgracia, con cada nueva entrega la falta de guión, imaginación y talento se hace más palpable. Porque Segura sabe que tiene un personaje cojonudo, que consigue conectar con su humor zafio y casposo con el gran público de una manera desconocida en nuestro cine. Es muy lícito que quiera seguir explotando la gallina de los huevos de oro hasta que los espectadores digan "basta", pero no debería descuidar por el camino el hecho de hacer una comedia que de verdad merezca la pena.

La primera parte es sin discusión un clásico de nuestro cine y una muy buena película de humor. Rodada con poco presupuesto, pero sabiendo aprovechar los recursos de que dispone, Segura logró inmortalizar a Torrente y convertirlo en parte de nuestra cultura popular. La segunda y tercera parte a pesar de flojear en cuanto a la historia y hacer un abuso excesivo de los cameos conseguían su propósito de hacer reír, siempre por debajo del nivel de calidad y despiporre de la primera. ¿Qué es lo que pasa con la cuarta? Pues que desde el primer minuto, es inevitable pensar que es un truño de tomo y lomo. La secuencia inicial en la mansión es una sucesión de gags mil veces vistos sin ningún tipo de gracia, y para colmo, parece como si Segura más que hacer de Torrente imitara a Torrente. Parece un contrasentido, pero su actuación es más una caricatura forzada del personaje que una interpretación. Esta afirmación es opinable, y quizás muchos de los dos y pico millones de espectadores que se han dejado 10 euros por ver la película discrepen de ella. Lo que no es discutible es que esta cuarta y nefasta entrega es más una sucesión fenética de cameos que una película en sí.

Hay una diferencia muy grande entre escribir y currarse un guión, con una trama elaborada y unos gags bien metidos para que consigan el santo propósito de que la genete se descojone; y hacer un guión en función de los cameos que van a aparecer en la película. Si tenemos en cuenta la primera parte (sí, es inevitable referirse a ella, porque es donde Segura debería fijarse); nos daremos cuenta de que también está plagada de cameos, tan apoteósicos como Cañita Brava o Poli Díaz. Pero estos cameos están metidos dentro de una historia, de un guión, y quizás lo mismo daría que el camarero de las "6.000 pesetas de whisky" fuera Cañita Brava o Chiquito de la Calzada. La segunda y tercera ya empiezan a ser un carrusel de famosos de medio pelo y amigos del director madrileño, pero con mayor o menos acierto hay una estructura y una trama que tienen ambos fims. En la cuarta, todo lo que pasa en la película tiene como único objetivo que salga un famoso, ya sea Belén Esteban (lamentable en su interpretación, como no podía ser menos), Agüero, Juanito Navarro o David Bisbal. ¿De qué va Torrente 4? De ver famosos. A nuestro protagonista le encargan un asesinato, cuando llega a la casa de la futura víctima, descubre que ya ha sido asesinada antes de que él llegara. En ese mismo instante, llega la policía y meten a Torrente en la cárcel. Sale de la cárcel, descubre quién le engañó para cargarle el asesinato, muere el malo. Fin. Si algo tan sencillo hubiera sido más elaborado podría haber colado, pero todo está pensado para que veamos a Torrente dentro de la cárcel, parte central de la película que ocupa la mayor parte del metraje.

¿Y el cacareado 3D de los cojones? Pues una mera excusa para llenar las salas y cobrar más pasta por las entradas. Completamente desaprovechado, no juega nada con las posibilidades que dan las tres dimensiones, y salvo un par de balas que salen de la pantalla, un perro y Torrente escupiendo una bebida, nada de nada. ¿Por quén no haber metido alguna guarrada digna del personaje que hubiera ido a la cara de los espectadores? Repito, esta película podía haberse rodado perfectamente en formato tradicional, ya que no hay nada por lo que merezca la pena pagar un suplemento en las entradas y comprar las dichosas gafitas.

Aunque resulta evidente que esta cuarta parte no ha cumplido mis expectativas (no esperaba una gran peli, pero sí reírme con y no de ella), Torrente es Torrente y Segura siempre tiene buenas ideas. Por ejemplo que la casa del policía sea un "piso patera" lleno de sudamericanos donde incluso se celebran peleas de gallos es bastante divertido. Algún gag suelto siempre va a haber en los 100 minutos de metraje, pero en conjunto, parece que se busque más la risa con la sucesión de cameos que con las gracias del guión que debieran ser el motor de la película. Por último, no quiero olvidar a Kiko Rivera, simpático en su personaje, ya que el buen hombre no es actor y hace lo que puede; y Francisco, el villano del film. Sin duda, éste último fue el motivo de más chillidos en la sala. Y es que cuando el cantante abre la boca, descubrimos horrorizados que le dobla Pepe Navarro de manera lamentable. Para no perdérselo.

Carente del humor de la primera y segunda, siendo una perversión de lo que fue la ya floja tercera parte, ésta Torrente 4 parece más el resultado de una necesidad alimenticia (que no creo que sea tal), que de una necesidad de volver a este mítico personaje. Este guión se escribe en una tarde y de resaca. Para esto, la quinta entrega mejor dejarla en el cajón. Y que Torrente descanse en paz. Ya va siendo hora.

Dani Medina

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XV): R.O.T.O.R.

2011-04-04T17:57:00.003+02:00

Título: R.O.T.O.R.
Director: Cullen Blaine
Año:1988
País: Estados Unidos
Actores: Richard Gesswein, Jayne Smith, Margaret Trigg

Argumento: Un científico experto en robótica ha creado a R.O.T.O.R., un cyborg bigotudo y de aspecto homosexual, que supone el arma definitiva en la lucha contra el crimen. Cuando aún quedan años para su puesta en funcionamiento, el robot se activa y se escapa, sembrando el caos por la ciudad, en una orgía de destrucción que se cobra la integridad de unas sillas de plástico y algunos viandantes.

Por qué hay que verla después de morir: Clásico entre clásicos del cine ultra-casposo, R.O.T.O.R. es un incomprensible, que no incomprendido (ojo con equivocarse) y pretencioso trozo de mierda, con una hedionda puesta en escena y un presupuesto que sólo podría cifrarse en números rojos. Por si no hubiera bastante, sus carismáticos personajes, entre los que hay un modelo tercermundista de Cortocircuito y un científico cowboy (grandioso concepto que el cine debería explorar en más ocasiones), no paran de filosofar sobre lo divino y lo humano, cayendo en el más estrepitoso de los ridículos. Pocas películas ilustrarían mejor esta recopilación de reseñas.

Alicientes:

-Un malvado policía robot que parece salido los Village People y cuyo interior "está formado por un avanzado chasis de una aleación desconocida, carente de engranajes, el cual le permite realizar toda clase de ágiles y complicados movimientos de aerobic", en boca de uno de los personajes.
-Además de R.O.T.O.R., también está el equivalente tercermundista de Cortocircuito, confeccionado con un microondas y un tubo de papel de plata.
-Un despertador que va hacia atrás, ya que primero marca las 5:00 y en el plano siguiente las 4:50.
-Mensaje moral y existencialista que contribuye al debate sobre los límites en el uso de la ciencia.
-Una doctora que parece la prima punkie de He-Man.
-Científicos a los se les llena la boca de gilipolleces sin sentido que ni ellos mismos comprenden y que se van inventando sobre la marcha.
-Por el bien de la humanidad, casi ninguno de los implicados volvió a dedicarse al cine.
-Reminiscencias de Robocop y Terminator
-Refranes populares
-Un gañán con dientes de plástico
-R.O.T.O.R. posee un sorprendente e imposible radar que le permite observar lo que ha ocurrido en un lugar, minutos después de que haya sucedido.
-Un científico/cowboy, una idea que no se ha explorado lo suficiente en la historia del cine.
--Soliloquios interminables; parece que los personajes nunca van a cerrar la boca.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Nada detiene a R.O.T.O.R. en su cruzada contra el crimen, ni siquiera una sala de conferencias, la cual arrasará moviendo 4 sillas de plástico a su paso (de tortuga) en un arranque de destrucción irrefrenable.
-La presentación de R.O.T.O.R., en la que varios científicos ponen cara de interesados y hacen como que se enteran de las mil y un insensateces que el científico cowboy va improvisando. Parece un timador estafando a una pandilla de indocumentados que asienten a todo por inercia.

Algunas frases destacadas:
-"¿Qué crees que es esto? ¿Una película barata de ciencia ficción?"
-"Si me despide haré más ruido que dos esqueletos haciendo el amor en un ataúd de hojalata”
-"El chasis… ¿cómo puede funcionar sin engranajes ni motores? Quiero decir, bueno, yo nunca había visto algo así", a lo que el científico cowboy responde con rotundidad "este chasis de combate es de primera calidad". No se necesitan más explicaciones, ha quedado bien claro.
-"Algo de la memoria molecular del chasis está afectando al cerebro"
-"La estructura molecular del robot va a hacer detonar la cuerda"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XIV): Supersonic Man

2011-04-04T16:21:00.005+02:00

Título: Supersonic Man
Director: Juan Piquer Simón
Año:1979
País: España
Actores: Antonio Cantafora, Cameron Mitchell, Richard Yesteran, Diana Polakov, José María Caffarel, Quique Camoiras, Tito García

Argumento: Un tipo en gallumbos vaga por el espacio en animación suspendida, cuando la llamada del destino le jode la siesta. Ha sido convocado para convertirse en Paul, un bigotudo bastante hortera quien, en sus ratos de ocio, combate el crimen embutido en un traje de licra con purpurina.

Por qué hay que verla después de morir: La respuesta española al Superman que Richard Donner filmó en el 79 es un desvergonzado y muy entretenido dislate carente de presupuesto y sentido, donde un superhéroe sobrevuela diapositivas de Nueva York y se enfrenta a helicópteros de juguete y robots de saldo, a ritmo de una apoteósica y muy pegadiza canción discotequera.

Alicientes:

-Un poster donde el 90% de las cosas que se ven (naves espaciales, jamonas a lo Barbarella, etc) no aparecen en ningún momento de la película.
-Al contrario que en la mayoría de cansinas y repetitivas pelis de superhéroes, aquí despachan los orígenes del protagonista en dos minutos mal contados. Mejor aliciente imposible.
-Unos títulos de crédito tan saturados, que es imposible leer los nombres de los implicados en el filme. ¿Una estratagema para no ser descubiertos?
-El casco del superhéroe está bañado en purpurina.
-Entre los muchos superpoderes del protagonista están la ventriloquia, y la "bananización", habilidad que consiste en convertir la pistola del oponente en una banana. Porque sí.
-La acción transcurre en una ciudad compuesta a partir de diapositivas de Nueva York y planos de Madrid y Alicante.
-Cameron Mitchell gesticulando como un demente.
-Un superhéroe ejemplar que usa sus habilidades para robar impunemente y mojar el churro.
-Un inestable robot confeccionado con electrodomésticos en desuso de un Punto Limpio, que cuenta con la versatilidad de movimientos de un muñeco Lego y que es derrotado con una patada.
-Las uñas con roña del protagonista.
-Un helicóptero de juguete digno de Playmobil.
-Secuencias de documentales insertadas en el metraje, a las que ni siquiera se han molestado en cambiar el formato de la imagen para equipararlo al resto de la película.
-Criminales robando material radiactivo con las manos desnudas.
-Una apisonadora plana y de cartón.
-Un hit musical horterofestivo, que ya muchos quisieran tener como hilo musical para acompañar a su vida diaria.
-Coches que explotan sólo por el mero hecho de salirse de la carretera.
-Quique Camoiras haciendo de criminal, papel que borda gracias al temible aspecto que le caracteriza.
-Chistes de borrachos.
-Todo tipo de letreros e inscripciones en inglés, en un pésimo intento por internacionalizar el filme.

Algunos momentos para el recuerdo:
-En una épica persecución de coches, los malos tratan de alcanzar a la novia de Supersonic. Una apisonadora se interpone en su camino pero, gracias a Dios, es de atrezo, plana y de cartón, así que SuperSonic Man no tiene problemas en levantarla para que su amada evite el obstáculo. Los matones no tienen la misma suerte y acaban saliéndose de la calzada, con la sorpresa de que su coche DIRECTAMENTE EXPLOTA.
-Los malos capturan a Paul y deciden meterle en un saco y tirarlo al fondo del mar. Vemos cómo el saco se hunde varios metros, para inmediatamente después observar a Paul en lo que parece ¿una bañera? El ridículo no ha hecho más que empezar, porque llega un tiburón y uno se da cuenta de que está sacado de un documental o de un vídeo de un acuario, ya que las imágenes del escualo están en un formato de imagen diferente al del resto del metraje. Para rematar la faena, Supersonic sale del fondo del mar, en una secuencia pasada al revés, con el consiguiente y anormal movimiento del agua.
-Los artífices de este infrafilme tratan de colar un helicóptero de juguete con las ventanas pintadas como si fuera uno auténtico, mientras unos obreros se sujetan el casco, no sea que se les vuele. Es inevitable recordar el memorable gag de Hot Shots 2.

Algunas frases destacadas:
-Que la fuerza de las galaxias sea contigo.

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XIII): Breeders (La Muerte ataca en Nueva York)

2011-03-29T16:06:00.006+02:00

Título: Breeders (La Muerte ataca en Nueva York)
Director: Tim Kincaid
Año:1986
País: EEUU
Actores: Teresa Farley, Lance Newman y Frances Raines

Argumento: La ciudad Nueva York pasa dificultades. El suministro de sujetadores se ha visto cortado y, para más inri, un monstruo alienígena ha decidido percutirse a todas las mujeres vírgenes que habitan el lugar. Sólo una doctora de inmenso peinado y un machista detective podrán frenar los arranques sexuales de una bestia, cuyo objetivo es fundar una nueva raza a partir de especímenes humanos de lo más retrasado y borderline.

Por qué hay que verla después de morir: Imaginad a un alfarero trabajando minuciosamente con mierda en lugar de con barro. Una imagen metafórica que refleja con fidelidad lo que significa este mojón fílmico, en el que cada detalle parece estar totalmente calculado para lograr una basura perfecta y sin fisuras. Los amantes del detritus se pondrán las botas.

Alicientes:
-A excepción de la apetecible protagonista, todas las actrices (y hay unas cuantas) enseñan las domingas en algún momento de la película.
-Nadie, repito, nadie lleva sujetador. En cuanto una mujer se quita la ropa (o sale de la cama), suelta sus tetas al viento para goce del público masculino.
-Un anciano decrépito paseando a su temible yorkshire con una cadena para atar rottweilers.
-Una dirección tan penosa que convierte al realizador Tim Kincaid en un verdadero artesano de la mierda.
-Sustos de coña repartidos por doquier que no acojonarían ni a Scooby Doo.
-Un alienígena violador más omnipresente que Cristo, que está donde al guión le conviene, entra y sale por donde le da la gana y nunca nadie lo ve, hasta el final del metraje.
-Una investigación policial que ni es investigación ni nada que se le parezca.
-Rayas de coca con música tétrica de acompañamiento.
-Un bukkake, o algo similar, con leche alienígena.
-Un ordenador ochentero, de esos que sirven para hacer absolutamente cualquier cosa, como se veía en las películas de aquella época.
-Un monstruo con forma de coño y otro que es una fusión entre Masked Raider y un disfraz barato de Brundle Mosca.
-Polvo de ladrillo. Ojo a este elemento porque es fundamental para el desenlace de la trama.
-Una doctora con una peinado que es dos veces su cabeza.
-Semen alienígena de color negro.

Algunos momentos para el recuerdo:
-Una modelo está posando para unas fotos. Tras una sesión agotadora, se despide de los fotógrafos y decide quedarse a solas en el estudio. Ajena a las miradas, aprovecha la situación para meterse unas rayas de coca (con música tenebrosa de fondo, porque "la droja ej mala", ya sabéis), desnudarse por completo y hacer ejercicios de estiramiento en pelota picada. Una situación que aprovecha el alien violador para hacer de las suyas.
-Una enfermera llega del trabajo a su casa, entra en la cocina y sin salir de esa estancia, se empieza a quitar la ropa y se queda en bolas frente a la nevera. El plano cambia y la vemos entrando en la ducha. Ahí es cuando uno se pregunta, en medio de las inevitables risas, si es que la bañera está en la cocina. Es entonces cuando el filme nos devuelve la burla, porque el plano se va abriendo y... voilá! La ducha SÍ que está en la cocina.
-Tras realizar unas compras, otra chica llega a su apartamento y... efectivamente, también se despelota. Esta película viene a confirmar una creencia que compartimos muchos hombres acerca del comportamiento femenino pero que lamentablemente jamás podremos comprobar, a menos que hagamos labores de espionaje: cuando una mujer se queda a solas, inmediatamente se desnuda por completo.
-Todos los sustos fallidos, especialmente el que acontece en lo alto de una azotea y que desata carcajadas en lugar de miedo alguno.
-Una joven está hospitalizada tras una violación. Varios personajes afirman que la chica ha sido desfigurada, que aquello es obra de un loco y que jamás habían visto algo tan horrible, cuando la mujer únicamente tiene cuatro cortes en la cara que apenas se notan.
-Un violador, armado con una navaja, se cuela en casa de una chica. El criminal se quita la chupa de cuero (bajo la cual no lleva nada) y cuando se dispone a sacarse el pajarito, el alienígena, increíblemente oportuno, entra en escena, ya que no puede permitir que sea otro quien cometa violaciones. Así, la bestia coge la navaja y, aunque la pasa por delante de la cara del violador sin rozarle lo más mínimo, dos segundos después, un chorrazo de sangre sale del rostro del delincuente. Probablemente, la tensión del momento le ha reventado algún vaso sanguíneo, porque no hay otra explicación...

Algunas frases destacadas:
-"¡Polvo de ladrillo! Sea lo que sea lo que está ocurriendo, proviene de debajo de esta ciudad...".
- "Esto es obra de un loco. Alguien muy, muy enfermo".

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XII): Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos (XII)

2011-03-29T13:02:00.003+02:00

Título: Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos
Director: Roberto Rodríguez
Año:1962
País: Méjico
Actores: María Gracia, Cesáreo Quezadas

Argumento: Los queridísimos y populares personajes Caperucita y Pulgarcito viven su particular descenso a los infiernos del cutrerío y la sinvergonzonería, en un decadente viaje que incluye enfrentamientos con las versiones chatarreras de la bruja de Blancanieves, el hombre del saco, el ¿mago? Drácula e incluso un robot de hojalata abollado y mugriento.

Por qué hay que verla después de morir: Todo es completamente posible en este filme infantil sin tapujos donde la palabra vergüenza no existe y cualquier monstruo o criatura que uno imagine puede hacer acto de presencia, para deleite y descojone del personal. Como aliciente, hay todo tipo de perturbadores y crudos diálogos muy difíciles de olvidar y que harán que los niños menos valientes y curtidos vuelvan a mear la cama por las noches. ¡Pon a prueba los cojones/ovarios de tu hijo/a!

Alicientes:
-Un título grotesco y sumamente atractivo
-Canciones que provocan vergüenza ajena y daños en el tímpano, por la insoportable voz de la muy repelente niña que las canta
-Cosplays descarados de Disney
-Apoteósico carnaval de monstruos a cada cual más chungo
-Disfraces y caretas del mercadillo
-Terroríficos hechizos improvisados sobre la marcha y dignos de las Witchz o Kiki, la aprendiz de bruja.
-Drácula con traje de mago.
-La versión mejicana de Frankenstein, llamada "Frankonstino".
-Invocaciones a Satán en una peli para críos.
-Diálogos terroríficos y traumáticos, especialmente para los niños.
-Un monstruo clavadito a Florentino Fernández.
-UN ROBOT de mierda, reutilizado directamente de La Momia Azteca contra el Robot Humano
-Una varita mágica hecha de bengalas de feria que se van apagando en cada plano.
-Toda clase de carencias presupuestarias y técnicas, que los responsables se pasan por la huevera sin temor a hacer el ridículo
-Un hombre con una teta en la cabeza
-Un perro vaga a su puta bola por la película sin rumbo fijo y sin saber muy bien qué hacer
-Un tirachinas como arma perfecta para destruir a un robot
-Gente fuera de plano empujando al perro para que no se salga de la imagen.

Momentos para el recuerdo:
-Alguien ha envenenado el agua del pueblo, volviéndola de color marrón, pero nadie parece notar la diferencia y sigue bebiéndola como si no pasara nada.

-Varios niños cuelgan bocabajo al hombre del saco y lo apalean vilmente como si fuese una vulgar piñata. Una escena que se rodó muchos años antes que la popular y casi idéntica secuencia de la magnífica Quién puede matar a un niño, de Chicho Ibáñez Serrador.
-Pulgarcito alaba las increíbles habilidades rastreadoras de un chucho, cuando el animal apenas se ha movido y le han colocado la presa delante del hocico.
-En medio de una pelea, alguien lanza un cuerpo humano y a éste se le desprende la cabeza por accidente, ya que se trataba de un pelele. Nadie lo advierte y la lucha continúa como si tal cosa.
-Caperucita retiene el antídoto que curará a su pueblo, la bruja malvada intenta quitárselo, la niña se aparta y entonces la pérfida hechicera se tira voluntariamente a su chimenea, muriendo miserablemente e intentándonos hacer creer que se ha caído por accidente.

Frases destacadas:
-"El Lobo Feroz y el Ogro serán condenados a la peor de las muertes, partidos en dos con una sierra”
-"La bruja se chupó a todos y el Vampiro ya no tiene a quien chuparse”
- "Cuchi cuchi, cuchifá!" (invocación de la Malvada Bruja)
-"Haced que sufran los mayores tormentos. ¡Que el inquisidor Torquemada parezca un aficionado!"
-"Caperucita... con estas uñas, ¡te sacaré los ojos!"
-"Sufriréis una muerta horrible"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

1.001 Películas que hay que ver después de morir (XI): La Humanoide

2011-03-29T11:59:00.001+02:00

Título: Humanoid woman a.k.a. Cherez ternii k zvyozdam (La Humanoide)
Director: Richard Viktorov & Nicolai Viktorov
Año:1981
País: URSS
Actores: Yelena Metyolkina, Vadim Ledogorov, Uldis Lieldidz, Yelena Fadeyeva, Vatslav Dvorzhetsky, Vladimir Fyodorov

Argumento: Una mujer artificial es encontrada en una nave espacial abandonada y llevada a la Tierra, donde será cuidada por unos científicos que tratarán de que lleve una vida normal. Por avatares del destino, todos acaban en el planeta Desierto, donde harán frente a un enano deforme y amante de la contaminación y la basura, cuyas acciones desatarán el caos en forma de espuma devoradora que va arrasando con todo, o algo así...

Por qué hay que verla después de morir: Este engendro soviético de ciencia ficción y poso ecologista, está considerado de culto dentro de Rusia, algo que sólo puede provocar la mayor de las estupefacciones. ¿Por qué? Pues porque el filme es sumamente tercermundista, ridículo y soporífero, aunque por su inenarrable y descojonante desenlace, con moralina hippie/new age incluida, bien merece que uno pierda casi dos horas de su vida frente a la pantalla.

Alicientes:
-Un robot con pantuflas y otro hinchable.
-Un sample de unos pajaritos sonando en bucle cada vez que los personajes están en la Tierra.
-Objetos que se mueven hacia atrás y por el aire gracias a la acción de rebobinar el metraje.
-Narrativa desquiciada e imposible de seguir. No ayuda el montaje recortado que nos llegó a Europa.
-Una humanoide comportándose de manera estúpida al ver hierba, sillas, sandías y otras cosas.
-Machismo soviético.
-Un enano maligno y cabezudo de nombre impronunciable y que adora revolcarse en mierda, más o menos.
-Imágenes de documentales para recrear distintos planetas.

Momentos para el recuerdo:
-Las avergonzantes pruebas psicomotrices a las que es sometida la Humanoide.
-La Humanoide se cuela en una nave, la máquina empieza a volar y ella, afectada por la fuerza del despegue, se pone a dar vueltas y más vueltas por la bodega como una subnormal.
-Un planeta explota pero no hay de qué preocuparse, ya que, según uno de los personajes, los equipos de rescate han acudido a la zona...
-Una masa espumosa conocida como 'Biomasa' avanza sin descanso destruyéndolo todo. Cuando parece que ya no hay salvación posible, la Humanoide se abalanza sobre la sustancia y empieza a ¿moldearla con sus manos? Tras esto, asistimos estupefactos y con los ojos salidos de las órbitas a una metafórica secuencia con tintes new age donde varias manos van dando forma a elementos como tierra, agua... Después, empiezan a crecer flores en el planeta y, de golpe y porrazo, llega el final de la película. Este momento hay que vivirlo para comprender su grandeza.

Frases destacadas:
- "No he olvidado nuestras responsabilidades pero no puedo olvidar nuestra responsabilidad con ella"
-"Tú no eres peor que cualquiera de nosotros. Todos tenemos nuestros fallos, algunos hemos perdido un brazo o una pierna o no tenemos sentido del humor; y tú simplemente tienes un buen sentido de la obediencia. Serías la esposa ideal, ¡la mujer perfecta!"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR

CINE EN 3D: Llamamiento a la originalidad

2011-03-28T16:24:00.003+02:00

Profundo hastío es lo que uno siente cuando se acerca a la cartelera y se encuentra ante la enésima y poco original propuesta en '3D'. ¿Es ésta la gran revolución que se anticipaba? ¿Realmente el cine vencerá a la piratería, resurgirá del estancamiento y aumentará sus recaudaciones siguiendo este camino? Con la excusa de la nueva tecnología de marras, se rueda lo mismo de siempre pero con otro envoltorio, de forma que Hollywood regresa a terrenos sobradamente conocidos, en lugar de apostar por la frescura, algo que la taquilla lleva años pidiendo a gritos.

Así, la cartelera está copada por repetitivas películas de superhéroes en '3D', las recurrentes sagas en '3D', franquicias desgastadas volviendo en '3D'... Al principio, con los impresionantes ingresos de Avatar, el asunto de la tercera dimensión parecía funcionar, pero el cansancio ya imprime su huella.

Si a finales de 2010 se empezaba a notar que lo del '3D' no era para tanto, con unas cifras buenas en nuestro país, pero que suponían un 3,9% menos de ingresos respecto al año anterior y una bajada del 10% en el número de espectadores (según la Federación de Cines de España), ahora la situación amenaza con torcerse gravemente, si atendemos a lo que ocurre en Estados Unidos. Allí, en comparación con 2010, la taquilla se ha derrumbado un 28% en enero y febrero, lo que significa el peor arranque del ejercicio en diez años, conforme a lo recogido por la prestgiosa web Boxofficemojo.com.

Propuestas en '3D' no han faltado precisamente. Entonces, ¿dónde está el problema? ¿Es la falta de estrenos potentes? ¿La recurrente crisis económica? Esta última podría ser una causa, pero todo apunta a una crisis peor; la crisis de las ideas, un mal que la tercera dimensión, en lugar de solventar, ha acentuado. En 2011, según medios como Público, regresarán más sagas que en ningún otro año en la historia, y casi una quinta parte de los filmes serán secuelas.

Aún quedan muchos meses por delante y los grandes estrenos no han irrumpido, pero es indudable que existen motivos para preocuparse. Y hay algo que va quedando cada vez más claro. El '3D', por sí solo, no es la solución a las dificultades. Si la tecnología no va acompañada de ideas frescas, innovadoras y atípicas, la supuesta panacea del cine se quedará en un parche de eficacia pasajera.

De nada sirve sacar blockbusters poco imaginativos con tres o cuatro escenas en relieve. En la eterna lucha entre la forma y el contenido, el primer contendiente está vapuleando al segundo, y la caída se acelera. Y es que el cine no es sólo espectáculo y pirotecnia, también vive de ideas y de mensajes.

Carlos Palencia

Festín de gore y tetas, en "auténtico 3D"

2011-03-28T02:54:00.009+02:00

Hablemos con franqueza. Nadie acude a ver cine en 3d con el propósito de disfrutar de una "buena película". Entiéndase "buena película" por el típico drama academicista o la culturetada de turno. Uno paga dos euros de más y se pone las incómodas gafitas en busca de un espectáculo directo y sencillo y para que le deslumbren con cosas saliendo de la pantalla, que le hagan estirar los dedos y sorprenderse como un niño de teta. Para eso se inventó el 3D, no nos engañemos. Al menos es así como yo lo entiendo. Lo del guión es un elemento secundario, aunque claro, si está trabajado, pues supone un aliciente.

Alexandre Aja, autor de la recién estrenada Piraña 3D, ha comprendido esto a la perfección. En lugar de complicarse lo más mínimo con una historia elaborada, ha ido a tiro hecho, dando al público exactamente lo que quiere ver en una peli de este tipo e incluso más. Esto no significa que haya una mala historia y cinematográficamente el filme no valga un pimiento, ni mucho menos, pero aquí está claro que el atractivo principal son los culos, los melones, los chorretones de sangre y los bichos resaltados en 3D, y eso es justo lo que vamos a encontrar, y a patadas.

Sin embargo, y como esto es cine y no únicamente una atracción de feria, la cosa no se queda en el festín de carne y vísceras. Igualmente hay buenos chistes, personajes memorables (el de Jerry O´Connell se lleva el gato al agua) e incluso momentos de tensión bastante conseguidos. Esto es el auténtico cine en 3D; entretenimiento y espectáculo por encima de todo, pero aplicando cariño y criterio por lo que se hace.

No obstante, y a pesar de lo expuesto, la película puede degustarse plenamente en dos dimensiones. Como ya he dicho, Piraña 3D no es sólo un espectáculo y ya está. La sinceridad, la falta de complejos y la diversión que destila esta película, atraparán asimismo a aquellos que no estén dispuesto a mirar a través de unas lentes especiales. Eso sí, se perderán parte de la gracia...

Un aspecto muy a destacar del efecto tridimensional son las escenas acuáticas. Deudoras de Tiburón (no en vano aparece Richerd Dreyfus al comienzo del filme), estas secuencias, gracias a la nueva dimensión, logran que el espectador se sumerja plenamente bajo las aguas, dando así al filme un plus en cuanto a ambientación y atmósfera, aunque los efectos digitales canten un poquito.

Lo reitero, no hay fraude alguno, el filme ofrece lo que promete, ni más menos. Los cinéfagos más descerebrados, cual voraces pirañas, se van a hinchar con este delicioso banquete de casquería, peces monstruosos, cuerpos serranos, las tetas de Gianna Michaels y toda clase de desnudos gratuitos como los que ya no se veían desde aquellos maravillosos y cansinos años 80. Y el resto de mortales también pueden ser partícipes de la fiesta si saben cambiar el chip y ver la película como lo que es: un desmadre sin complejos ni ataduras, con el único y fiel propósito de hacer pasar un buen rato, algo que consigue con creces.

Antaño detractor de lo tridimensional, ahora me retracto y opino que si el cine en tres dimensiones nos va a seguir ofreciendo obras como ésta, entonces digo sí a esta "nueva" forma de hacer películas. Aunque mucho me temo que la cosa continuará como hasta ahora y nos seguirán metiendo esta nueva tecnología con calzador en cualquier blockbuster que se estrene, aunque no lo necesite y no venga a cuento. El cine en 3D se inventó para películas como Piraña 3D. Ojalá vengan más.

Carlos Palencia

1.001 películas que hay que ver después de morir (X): Mi Amigo Mac

2011-03-26T18:23:00.001+01:00

Título: Mac and me (Mi amigo Mac)
Director: Stewart Raffill
Año:1988
País: Estados Unidos-Aruba
Actores: Jade Calegory, Lauren Stanley, Christine Ebersole, Jonathan Ward, Tina Caspary
Argumento: Una misteriosa y absurda criatura extraterrestre llega a la Tierra por accidente y entabla amistad con un niño paralítico llamado Eric. El humano acogerá al alien en su seno y lo alimentará a base de Coca-Cola, mientras viven asombrosas aventuras con sierras mecánicas, perros rabiosos, tiroteos en gasolineras que explotan y el payaso Ronald Mcdonald.

Por qué hay que verla después de morir: Esta abominación surgida del infierno es la hermana idiota y pobretona de E.T, a la que plagia de manera indecente, cambiando al entrañable alienígena de Spielberg por un grotesco y muy desagradable muñeco de mierda. El infraser en cuestión, además, tiene cara de retrasado, y sorbe y sorbe sin parar. Ideal para traumatizar de por vida a los más pequeños y matar de risa e indignación a los mayores.

Alicientes:
-Descarada publicidad de Coca-Cola y Mcdonald´s
-Ronald Mcdonald en su primer papel en la gran pantalla
-Maltratos a un paralítico
-Un alienígena que se alimenta de Coca-Cola y tiene cara de mongólico
-Obsesión malsana del guionista por sorber y chupar
-Un niño inválido que no tiene problemas en mover las piernas en diversos planos
-Un videoclip en un McDonald´s
-Una gasolinera explotando

Momentos para el recuerdo:
-Mac destruyendo la casa con un taladro y una sierra mecánica.
-Los numerosos plagios a E.T.: MAC siendo atraído por medio de pajitas diseminadas por el suelo en lugar de caramelos, MACdisfrazado, la bicicleta sustituida por una silla de ruedas...
-Eric lleva a MAC a una fiesta de cumpleaños escondido dentro del forro de un osito de peluche. La fiesta se celebra en un Mcdonald´s y, nada más entrar, Ronald Mcdonald se pone a chupar cámara. Poco después, y sin venir a cuento de nada, el filme se convierte en un videoclip donde todos los asistentes a la fiesta empiezan a bailar una multitudinaria coreografía, a la que se suma el grotesco alienígena.
-Los padres de MAC son localizados moribundos en el desierto, pero son totalmente reanimados mediante el poder de la Coca-Cola.
-El tiroteo en la gasolinera, donde decenas de policías surgidos de la nada encañonan a MAC y a sus padres, y el pobre Eric acaba recibiendo un balazo y MURIENDO. Lamentablemente (¿o debería decir afortunadamente?), es resucitado por los alienígenas.
-Al final del filme y en una emotiva ceremonia, MaAC y su abominable familia reciben LA CIUDADANÍA AMERICANA y despiden el metraje con una advertencia: "We´ll be back". Gracias a Dios la amenaza no se cumplió...

Frases destacadas:
- "La CocaCola se parece a lo que bebe en su planeta"
- "Hemos capturado a MAC: Misteriosa y Absurda Criatura"
-"¡¡Las pajas!! ¡¡Eso es!!"

Nivel de descojonación (de 1 a 5): * * * * *

LISTADO DE PELÍCULAS QUE HAY QUE VER DESPUÉS DE MORIR